Lee Morgan:Tom Cat (1964)

En 1964 el trompetista Lee Morgan registra junto a su sexteto el álbum Tom Cat, el cual no llego a ver la luz hasta el 1981, siendo editado por el sello Blue Note. Junto a el estarían músicos de la talla de Art Blackey a la batería, Curtis Fuller al trombón, Jackie McLean al saxo alto, McCoy Tyner al piano, y Bob Cranshaw al bajo. El disco es toda una gran experiencia para la gente que se inicia dentro de el Bop. En el se registra composiciones muy básicas dentro de el movimiento del Jazz moderno de la última década de los '50 primera de los '60. A si mismo se puede apreciar a una banda en estado de gracia, con un empiece en el disco muy básico pasando por el recorrido de este ha hacer grandes virguerias.

Lee Morgan.
Edward Lee Morgan nació un 10 de julio de 1938 en Philadelphia. Sus inicios musicales irían ligados a el Vibráfono, pero el destino hizo que la trompeta fuera su mejor compañera musical desde los 13 años. Su primer profesor de música seria el trompetista Clifford Brown, al poco tiempo Morgan entra a formar parte en la banda de Dizzy Gillespie. Su aportación a la banda no sería muy duradera, ya que por motivos monetarios la banda de Gillespie desapareció de escena. Aunque este fuese un gran traspié para su carrera, esta misma se giraría a un enorme éxito siendo fichado por la casa Blue Note, figurando como a una de sus grandes estrellas del momento. En el sello llegaría a grabar junto a John Coltrane en su disco Blue Train de 1957, y después de su union a los Jazz messengers de Art Blakey en 1958. Blue Note sería su sello de confianza, con el que trabajaría durante toda su vida, a excepción de algún álbum que lo haría con Vee-Jay records.

Con los Jazz Messengers viviría su época más dulce dentro de su carrera a nivel profesional. En la banda se haría como compositor y a nivel de músico se iría creciendo dentro de una banda plagada de estrellas dentro del mundo del Bop. Pero todo lo bueno también tiene su lado malo, siendo la heroína su peor amigo que pudo haber cogido, teniendo que abandonar la banda en 1961 regresando el a su ciudad natal. Atrás quedaría grabados grandes álbumes como el "The freedom rider" o el "Moanin' ", por su cuenta llego a introducir en la banda al saxo Wayne Shoter.

 A su regreso a New York en la década de los '60, en 1963 graba el álbum The Sidewinder" en el 1963, siendo este su mayor éxito comercial, para después grabar "Search for the new land" que aunque no tuviese tanta repercusión si que llegaría a estar codeándose con los primeros puestos de las listas. Al poco tiempo se reúne por un tiempo breve al grupo de Jazz Messengers para ocupar la plaza bacante que dejaría Freddie Hubbard, la formación se llego a reunir con el saxo tenor John Gilmore filmando el programa Jazz seminal para la BBC . Tras su paso por las mayores listas de discos vendidos, Lee Morgan llego a grabar una veintena de álbumes como líder de la banda, además de tocar y grabar para músicos de la talla de Wayne Shorter, Stanley Turrentine, Joe Henderson, entre otros... Al final de la década se habría convertido en una de las mayores figuras del Jazz y al mismo tiempo se haría participe dentro de la política en el llamado Movimiento  social.

En sus últimos años de vida llega a grabar varios directos, además de sus apariciones en televisión, protestando por el poco caso que se les daba a los músicos de Jazz en aquella época. En una noche de 19 de febrero de 1972, Lee Morgan fue asesinado por su mujer en el Club donde iba a dar su actuación. Morgan no llegaría al escenario, recibiendo un disparo por su mujer en pleno corazón, muriendo casi al instante.

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Bill Evans The París concert Edition two (1979)

Si hubo un músico que dio un foque nuevo al piano re-diseñando toda su estructura. Este sin dudas fue Bill Evans, el padre del Jazz moderno. En su haber cuenta con la grabación de más de 50 discos por parte de la banda que lideraba el, más los discos que llego a grabar con músicos de la talla de Miles Davis, Charles Mingus, o Art Farmer entre otros...

Bill Evans dio un toque muy personal, pausado y melódico, al mismo tiempo que muy técnico y pasional. heredero de Horace Silver. Al mismo tiempo que Evans sería la pieza clave,y la mayor influencia musical de grandes pianistas como Herbie Hancock, Chick Corea, o Don Friedman...

William John Evans.
Nace en New Jersey un 16 de agosto de 1929. Su primer acercamiento a la música vendría de su madre, pianista no profesional que tocaba en la iglesia, ella era muy aficionada a los pianistas clásicos, la cual heredero a su hijo. Empezando a aprender piano en la propia iglesia de su madre, a la temprana edad de los 6 años. El piano no sería el único instrumento que aprendería a tocar, con 13 años sabía tocar también el violín y la flauta. A la edad de 12 años crearía su primera banda junto a su hermano Harry, ellos tocarían música clásica. Pero su pasión por el Jazz empezaría a brotar en el, ya que lo que realmente le gustaba hacer es improvisar. En 1940 conseguiría una beca en la universidad de Southearsten de Louisiana, llegando a graduarse con el concierto que dio, Bethoveen concierto's piano. Mostrando un alto nivel en conocimiento musical, en 1950. Ese mismo año se estrena dentro de la música profesional en la banda de Herbie Field's. Con ella cantaría la gran dama del Jazz Billie Holiday. Con ellos se completarían el trompetista Jimmy Nottinghan, el bajista Jim Aton y Frank Rosolino al trombón. Junto a ellos dieron varios shows por la costa este del país, dando grandes espectáculos en el teatro Apollo de Harlem Philadelphia, Baltimore y Whasington D.C. A su regreso a Chicago, tocaría a duo con el bajista Jim Aton y la preciosa voz de Lurlean Hunter. Al poco tiempo ingresa en el ejercito de Norteamericano. Una vez terminado su servicio en el ejercito Bill Evans se une al clarinetista  Tony Scott dando conciertos los dos en los Clubes nocturnos de New York.

Su carrera musical empezaría a tomar forma en los '50 llegando a consolidarse como unos de los mejores pianistas del nuevo Jazz, o el llamado Jazz de después de la segunda guerra mundial. Tocando composiciones de George Russell, pianista que se llego como uno de los primeros contribuyentes en la teoría de la música. En pocos años se haría un hueco en las grabaciones de grandes músicos como Charles Mingus, Nelson Oliver, Art Farmer. En 1956 graba el primer álbum con su propia banda para Riverside records, "New Jazz Conceptions". Dos años más tarde Miles Davis le ofrece un puesto dentro de su sexteto. El no duraría mucho dentro de la banda, pero de aquella formación dejaron grabadas cosas realmente increíbles. Como El "Flamenco Sketches" o el mítico álbum "Kind of Blue".

Con la entrada de la década de los '60, Bill Evans da forma a un nuevo trío junto a Scott LaFaro como bajista y el batería Paul Motian. Este fabuloso trío sería uno de los más nombrados dentro de la escena musical del Jazz en aquella época. El trío llegaría a grabar 4 álbumes, dos en estudio y dos en vivo. Su música se basaba en composiciones personales con una gran presencia de la improvisación. El nuevo trío para Bill Evans sería uno de los mejores que tuvo (por no decir el mejor) ya que la compenetración entre los tres músicos era totalmente perfecta. Ellos se sabían las reglas de cada uno de sus compañeros he hicieron que en realidad, encima de un escenario no hubiese un líder real sobre el. Los tres eran los lideres de aquella banda.

Con la entrada de la nueva década de los '70, a Bill Evans le saldría todo a pedir de boca. Ya en 1968 con la llegada a un nuevo trío, junto al batería Marty Morell y el bajista Eddie Gomez, (en el álbum From lefth to right contarían con el guitarrista Sam Brown) con el que más tiempo estaría hasta 1975. Y el fin a su adición a la heroína, lograría grabar unos cuantos álbumes, con los que llegaría a dejar un poco aparcado el piano clásico para ponerse en manos de el eléctrico. Con The Bill Evans álbum llegaría a ganar un premio Grammy,el álbum llegaron a presentarlo en directo en Japon, el cual se reflejaría en un nuevo disco en directo, "The Tokyo concert". En la gira europea se unirían a la gira de Stan Getz, de la gira se grabarían varias sesiones, las cuales fueron editadas en un álbum en el 1996. Los músicos que acompañaban a Evans eran muy buenos, pero la critica en aquellos días no les supo juzgar muy bien, poniéndolos como una época de poco crecimiento para el pianista.  En 1976 deja el grupo Morell para dar paso a Eliot Zigmud. Pero este trío no llegaría a editar nada en dos años. "I will say goddbye" y "You must believe in spring", el primero sería el último en grabar con el sello Fantasy records, mientras que el otro álbum no llegaría a ver la luz hasta después de su fallecimiento, quedando como un álbum póstumo. En 1978 vuelve a buscar nuevos músicos, llegando a decidirse por un viejo amigo, Joe LaBarbera y Marc Johnson, último trío del pianista antes de fallecer. Con ellos grabaría los dos volúmenes de los conciertos en París. Según el propio Evans este fue su mejor trío musical de su carrera.

Bill Evans fallece un 15 de septiembre de 1980, a la temprana edad de 51 años. Muchos han sido los músicos que han ido tributándole con numerosos discos desde su muerte hasta nuestros días. Entre los que se encuentran Pat Metheny, John McLaughlin, Herbie Hancock o los músicos que le acompañaron durante el recorrido de su carrera.

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Pat Metheny - What's It All About (2011)

El gran Pat Metheny durante sus descansos entre giras se calzaba la guitarra acústica y deleitaba al personal de su entorno ,un poco para amenizar y otro poco para ir redondeando una idea que le venia en mente hace rato , este año y por primera vez en su extensa carrera edita un trabajo enteramente con composiciones ajenas . "What’s It All About" ,un disco completamente acústico ,con diez clásicos que lo han marcado durante la juventud en su Missouri natal ,Paul Simon, The Beatles, Burt Bacharach, Antonio Carlos Jobim & Vinicious De Morais, Carly Simon y Henry Mancini en covers como solo este genial artista lo puede realizar ,grabado en solo una noche en el estudio de su casa de New York con su guitarra  barítono . Después de haber transitado por todas las corrientes del jazz con su grupo o en solitario , este ultimo tiempo a Metheny se le ha dado por inclinarse por esta faceta mas intimista como lo vimos reflejado en "One Quiet Night" del 2003 . Una realización cargada de buenas melodías llevadas a un terreno mágico como solo el enorme Pat lo puede hacer ,para dar prueba de ello deleitarse con "The Sound of Silence" de Paul Simon nos dará la razón


Pat Metheny - What's It All About (2011)
Nonesuch Records / Warner

Tracks :

1. The Sound of Silence (Paul Simon)
2. Cherish (Terry Kirkman)
3. Alfie (Burt Bacharach & Hal David)
4. Pipeline (Bob Spickard & Brian Carman)
5. Garota de Ipanema (Antonio Carlos Jobim & Vinicius de Moraes)
6. Rainy Days and Mondays (Roger S. Nichols & Paul H. Williams)
7. That's the Way I've Always Heard It Should Be (Carly Simon & Jacob Brackman)
8. Slow Hot Wind (Henry Mancini & Normal Gimbel)
9. Betcha by Golly, Wow (Thomas Bell & Linda Creed)
10. And I Love Her (Lennon y McCartney)

Line up :

Pat Metheny (guitarra baritono, guitarra Pikasso de 42 cuerdas, guitarra de seis cuerdas, guitarra de cuerdas de nylon)

WEB

MYSPACE



Pat Metheny - The Sound Of Silence! (Paul Simon)




Pat Metheny - And I Love Her (The Beatles)

Rosemary Clooney Selected recordings 1945-2001

En la década de 1950 una de las voces más majestuosas que tuvo el cine en clave de Jazz fue Rosemary Clooney. Pero sus inicios no fueron muy buenos para su propia carrera musical. Llegando a cantar composiciones que pasarían más que desapercibidas por aquella época. Y a la postre se vería deteriorada y alejada de los escenarios por varias crisis personales. Su voz muy melancólica a la misma vez que dulce y serena impregnaba los escenarios y  a las películas las cuales llego a protagonizar, como "Aquí vienen las mujeres". Comedía de 1953 que llego a compartir el reparto con Tony Martin, Bob Hope y Arlene Dahl. De su discografía se destaca el álbum Blue Rose, grabado junto a Duke Ellington.

Rosemary Clooney.

Nace en Maysville un 23 de mayo de 1928. Ella era hija de emigrantes europeos la cual la educaron bajo la estricta educación católica. A la edad de 15 años sus padres se separan quedándose ella y su hermana Betty viviendo con su padre. Su hermano Nick (padre del famoso actor George Clooney) se marcharía con su madre a vivir a California. Su carrera musical daría comienzo en 1946 con la Big Band de Tony Pastor, con la que estaría 3 años, llegando ha hacer varias grabaciones. En 1949 empezaría su carrera musical en solitario. Su primer álbum "Come on-a my house" en 1951, este sería grabado por Mitch Miller. El disco obtuvo un gran éxito en ventas, pero el resultado de el no le sería del todo grato para la cantante, la cual no le gustaba nada. Sobretodo el tema principal el cual ella se negaba a grabarlo. La discográfica la enseño el contrato por el cual ella no tuvo más remedio de hacerlo. Un año más tarde se uniría a Marlene Dietrich como dúo musical, grabando varias canciones.

En 1954 daría el salto a las grandes pantallas de cine con la película "White Chritsmas". Bing Crosby, Danny Kaye y Vera-Ellen serían sus compañeros de reparto. La película fue muy bien recibida por el público. Con lo que la ofrecerían dar un programa en televisivo en la franja horaria donde más publico había. Así fue como en 1956 nacería el Show de Rosemary Clooney, el cual fue un éxito muy caduco, durando solo dos temporadas. La segunda temporada la hizo con la NBC. Pero no sería la última vez en salir en un programa televisivo, ya que acompañaría a su amigo Bing Crosby en varios especiales durante 2 años más. En esos momentos ya se había estrenado con su nueva compañía discográfica. Rompiendo lazos con la Columbia pasando muy desapercibida por la MGM records, hasta que se unió con la RCA Victor records. Todo en el 1958. Hasta 1966 grabaría con 3 discográficas más, pasando por la Reprise records, Dot records y United Artist records. Rosemary se uniría al candidato demócrata  Bobby Kennedy. Pero este fue asesinado en 1968, y Rosemary tuvo una crisis muy profunda, llegado a alejarse de los escenarios durante una década. Ella volvería en el 1977 con un nuevo disco bajo el brazo, "Everything's coming up Rosie". El álbum fue grabado para Concorde records, el cual grabaría unas 25 canciones. El disco contiene 10 canciones el resto de editan en varios álbumes hasta el 2002, año en el que fallecería. En las décadas de los '80 y '90 de dedicaría a la televisión en el terreno de la interpretación como en el musical. Apareciendo en series como "Fraiser" en 1993.

En 2002 recibe el premio Gammy por su trayectoria musical. Ese mismo año un 23 de junio fallece de cáncer de pulmón. Su último concierto lo dio en Hawaii en enero del mismo año. En el concierto presentaría su última canción "God bless América"

109 años de Barbecue Bob

Uno de los grandes guitarristas pioneros dentro del Blues fue Robert Hicks, o más conocido por su apodo Barbecue Bob, apodado así por su primer trabajo como cocinero. El fue una pieza fundamental en el Blues de Atlanta de la década de 1920.

Robert Hicks.

Robert Hicks nace en el estado de Georgia un 11 de septiembre de 1902. La madre de otro de los pesos pesados del Blues Slim Gordon fue quien les enseñaría a tocar la guitarra a el, a su hermano y a su hijo. Ellos tres se juntan a Eddie Mapp un armonicista con lo que formarían su primer grupo. En 1925 se muda a Atlanta donde trabajaría en varios oficios donde el más reconocido fue el de cocinero. 2 años después grabaría para la Columbia records, Sus primeras grabaciones serían un éxito de ventas. Robert se decantaría con la guitarra de 12 cuerdas en las grabaciones, pero el en directo sacaría la guitarra de 6 cuerdas. Según cuentan sería el Bluesman que mas llego a vender en la década de 1920. En aquellos años se uniría a Nellie Florence, amiga desde la infancia de Robert con la que graba un single. Con la llegada de la década de los '30 y la terrible depresión que se avecinaba al país, el empezaría a tocar folk americano y canciones religiosas. Siempre siendo un guitarrista de Blues por delante de todo. En aquellos años se une a Curley Weaver y Buddy Moss. Ellos 3 llegarían ha hacer varios registros musicales, entre los que se encuentran "Diddle-Da-Diddle ".

Con un registro de 68 canciones grabadas. En 1931 su mujer muere a causa de una pulmonía, meses después,  Robert Hicks fallece un 29 de octubre de la misma forma, causada por un ataque de influeza a la edad de 29 años.

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Joe Lovano Us Five - Bird Songs (2011)

Metido de lleno en el jazz por parte de su padre también músico ,Joe Lovano es uno de los saxofonistas mas trascendentales del panorama actual . Este año ha sacado a la calle un nuevo trabajo junto a su banda "Us Five" que cuenta entre sus filas a la multipremiada contrabajista Esperanza Spalding y bajo la tutela de Blue Note Record su disco numero veinte titulado "Bird Songs" que como bien reza en su titulo abarca el catalogo de canciones de uno de los mas prestigiosos músicos del siglo pasado llamado Charlie  Parker .En el mismo deja bien en claro que el legado de "Bird" goza de muy buena salud a través de esta obra ,clásicos como  "Donna Lee", "Moose The Mooche", "Ko Ko" o "Yardbird Suite" son entonados por Lovano y su quinteto de una manera un tanto arriesgada pero con acertado final a mi gusto ,demostrando una ves mas que esta unión que empezó con "Folk Art" del 2009 nos seguirá deparando alegrías sonoras de la mano de este innovador nacido en Cleveland en 1952 . Una mirada propia del gran Joe .


 Joe Lovano - Us Five Bird Songs [2011] Blue Note Records.

 Tracklist :

01. Passport
02. Donna Lee
03. Barbados
04. Moose the Mooche
05. Loverman
06. Birdyard
07. Ko Ko
08. Blues Collage
09. Dexterity
10. Dewey Square
11. Yardbird Suite

Line up :

Joe Lovano: Saxo Tenor, mezzo soprano y aulochrome.
James Weidman: Piano.
Esperanza Spalding: Contrabajo.
Ottis Brown III: Batería y Percusión.
Francisco Mela: Batería y Percusión.


Joe Lovano - Ko Ko.



Joe Lovano & Us Five - Barbados

Ted Heath Swing session (1959)

Aunque en los finales de la década de los '60, las grandes Big Band ya eran un recuerdo del pasado. Todavía había directores orquestales que llegaban a hacer maravillas como este suculento directo grabado en el Kingsway Hall por Ted Heath. Mostrando que la música Swing no era ni por mucho una moda pasajera de antes de la segunda guerra mundial. Si no que todavía había bandas que podrían hacer cosas tan espectaculares, que hoy en día es como si pudiesen estar tocando en cualquier anfiteatro y desprender la magia que en su día lograron conmover a un mundo musical. Su música era muy agradable, muy humorística, sin llegar a ser un gran showman como fue Fast Waller, pero desprendía humor a raudales, haciendo sus conciertos una gran experiencia tanto musical como escénica.

Meterte en estos momentos en la música de Ted Heath es como meterte en una de las bandas sonoras de los hermanos Marx (Ted Heath llego a grabar varias bandas sonoras pero no me consta que realizase alguna junto a ellos), y si nos vamos más allá, en una época donde esta es la banda sonora que muchos han podido recordar viejas películas de la edad de Oro americana donde el cine humor o musical dejaban dar sus pasos y sus pasiones tras los sonidos de una banda de metales con su pianista marcado los gestos de grandes actores.

Ted Heath.
George Edward Heath es un ingles nacido en Wandsworth al sur de Londres un 3 de marzo de 1902. Su pasión por la música fue heredada por su padre, músico también de una banda de su ciudad natal. El en un principio empezaría a tocar el cuerno, pero su instrumento con el que se decanto fue el trombón. Tras la primer guerra mundial, sería difícil la subsistencia para su familia, llegándose a ganar el pan de cada día con una banda que formaría junto a otros dos amigos. Ellos llegarían a tocar para los viajeros del tren en una estación de Londres, al mismo tiempo que sería músicos de calle. En una de sus actuaciones fue visto por Jack Hilton, líder de una banda de músicos de Bolton. Músico heredero de las Big Band americanas que impregnaba las radios y los teatros de la capital de Inglaterra. La experiencia con la Big Badn de Hilton no fue en muy agradable resintiendo su poca experiencia, siendo muy corta su experiencia dentro de la banda, pero que al mismo tiempo le serviría para animarle a seguir en el mundo de la música. La década de los años '20 le darían una nueva oportunidad para encontrarse delante de un público mucho más amplio, llegando a visitar países de la Europa del Este. Con el estaría Benny Payton, el cual le enseñaría todo lo que tenia que saber sobre el mundo del Jazz. Sus logros musicales fueron infinitos pero en lo económico no conseguiría dar un salto hacia adelante, llegando a pasarlas bastante mal. Otra de sus primeras incorporaciones al mudo del Jazz sería de la mano del Estadounidense Al Starita. O la orquesta de Bert Ambrose, el cual le enseño todas las cualidades que había que tener para se un director de orquesta. Ya en la década de los '30 se asentaría como uno de los grandes trombonistas de Inglaterra, hasta que a finales de la década estalla la segunda guerra mundial. Así disolviéndose la banda en la que tocaba. Ted decide embarcarse hacia el oriente medio para animar a las tropas inglesas junto a la banda de Geraldo. En esta gira gracias a un poema de su mujer, el escribiría una de las composiciones que le salvarían económicamente "That lovely weekend" junto a otra composición "Gonna Love That Guy", harían inca pie para poder formar su propia banda.

Ya con su propia banda, en la década de los '40.Ted se basaría en la música de Glenn Miller, ellos dos se conocerían durante una visita de Miller a Inglaterra. Lo cual le gusto mucho la idea de plasmar una orquesta de Swing en el viejo continente, el cual le dio consejo para llevarlo a cabo.
A pesar de su gran curriculum al director de la cadena de radio de la BBC no le convencía el echo de meter aun banda con tantos músicos para tocar swing retransmitido por la radio. La banda fue apodada como All Star Band, y en 1944 logra grabar un programa para la misma BBC. Sus comienzos como banda no podrían ser mejores, haciéndose un hueco permanente en la propia BBC y girando por Europa o en el mismo Londres junto a Ella Fitzgerald. En aquellos años la industria cinematográfica inglesa, vería en la MGM un punto de partida para poder hacer sus producciones basándose en el éxito cinematográfico que esta compañía estaría recogiendo en aquellos momentos. Par ello  se involucraron junto a Ted Heath para componerles las bandas sonoras.

Su primera gira americana sería con la presencia de el pianista americano Nat King Cole. Su primera experiencia en la gira americana también vendría acompañada de malos presagios. La falta de coordinación de la propia empresa que llevaba el instrumental de la banda o los ataques contra el propio Nat King Cole, a cargo de grupos racistas blancos. Ted Heath estuvo siempre presente hasta la muerte de el pianista. Su fama se engrandecería tanto en su país de origen Inglaterra como en el mundo. En su discografía se ha llegado a contar con más de 100 álbumes grabados, su música ha sido reconocida por muchos críticos y músicos. Llegandole alagos por parte de músicos de la talla de Count Basie, Glenn Miller o Woody Herman entre otros.

Su muerte le vino en el 1969, dejando a una banda como tributo a su carrera. La cual pondría su música en los escenarios hasta el diciembre de el 2000.

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Miles Davis Bitches Brew (1970)

Llegado el fin de la década de los '60. El Jazz con muchas de sus figuras más representativas ya fallecidas pedía un nuevo cambio. Un rumbo para no quedarse estancado, los músicos de Rock se acercaban más a la vieja industria y los de Jazz empezaban a rejuvenecerse fusionando sus instrumentos con nuevos ritmos como el Rock, Funk... años más tarde el Hip-Hop o la electrónica. Pero hubo una figura que realmente llego a hacer girar el mundo de la música hacia un lado. Siendo la admiración de grandes músicos y sobretodo del trompetista Miles Davis. Fue sin duda Jimi Hendrix ellos dos conectaron rápidamente uniéndolos dos pasiones, el mundo de la música y Betty Mabry. En una de sus biografías el propio Miles Davis llego a comentar que una de sus grandes penas era la de no haber grabado nada al lado de Hendrix. El destino no les quiso cruzar en un mismo estudio de grabación, y eso que el pacto estaba echo para que grabasen un álbum. Pero la muerte de el guitarrista hizo que eso quedase en un proyecto...nada más.

Bitches Brew no sería el primer disco en el que Miles fusionara su música, pero si que es uno de los más grandes que a llegado a grabar. La época de grabar con un cuarteto o un septeto ya había acabado para el, llegando a contratar a músicos de sesión para grabar distintos temas del disco. Crear ambientes diferentes en cada una de las canciones. Dentro de la formacion que iria de gira para tocar con el en directo ya empezarían a sonar con más frecuencia nombres como Chick Corea, Herbie Hancock o John McLaughlin...

Al igual que todas sus grandes obras, Miles Davis se fue con un par de ideas y dejo que la música fluyera dentro de las grabaciones, sabiéndose rodear todo el momento con el músico exacto que el quería para cada canción, desde el principio con "Pharaoh's dance" o la propia que da nombre al disco "Bitches brew", las más largas del disco con momentos realmente espectaculares. Escucharlas es como meterte en un laberinto, al principio siempre andarás totalmente perdido, luego compruebas que muchas puertas dan al mismo sitio, pero si empiezas a saborear cada una de sus notas vivirás uno de los momentos más espectaculares que hayas tenido dentro de el mundo de la música. Para al final terminar saliendo pero con el buen sabor de volver a entrar.

La segunda parte del disco lo abre con la llave española, "Spanish key" seguida por "John Mclaughlin" en la cual improvisa el mismo guitarrista solo y punteos dentro de una canción que si fuera pintada, diría que enmarcaría dentro de una obra de Dalí. Llegando a los últimos momentos con "Miles runs the Voodoo down"o "Sanctuary" esta última con el empiece de Wayne Shorter, muy denso y emotivo, poniendo una linea más clásica a las composiciones, impregnadas de un teclado eléctrico, cediendo la batuta poco a poco a la trompeta de Miles Davis.

Desde la propia portada, pasando por el elenco de músicos que le rodean en una de sus mayores obras. Siendo uno de sus riesgos mayores que tuvo en su carrera músical, donde cada nota que llegaba a tocar o componer era pura poesia. En la edición de 1999 se incluyo una cancion que quedo fuera del disco en su día, "Feio".

¡Feliz cumpleaños Sonny Rollins!

Sonny Rollins es uno de los saxofonistas más longevos de la nueva era del Jazz, con sus 81 años.  Habiendo inmortalizado su saxo en grabaciones junto a Miles Davis, Art Farmer, o los propios Rolling Stones en el disco "Tattoo you (1981)". También representa un gran legado hacia una generación, de la cual es único superviviente. Poniendo voz y memoria a todos los que hoy ya no están para poder contarlo. Por otro lado se dice que el propio Sonny Rollins se tomaba algun tiempo de descanso, pero que por las noches se iba a un puente a tocar su saxo .

Sonny Rollins.

Theodore Walter nació en New York tal día como hoy en 1930. Su primer instrumento fue un  saxo pero el se iniciaría a la música con el piano pasando al saxo alto para final quedarse en el 1946 como saxo tenor. En sus comienzos con la música se vería rodeado de jóvenes talentos como Jackie McLean, Drew y Kenny, Art Taylor. De todos los nuevos talentos del grupo el sería el primero en hacer un registro musical. Este sería junto a Babs Gonzales bajo la atenta mirada de J. J. Johnson que hizo los arreglos de la grabación. Pero su carrera pudo verse frustrada en los al principio de la década de los '50, al verse encerrado entre rejas por culpa de su adición a la droga y ser acusado por cometer un atraco a mano armada. Una vez rehabilitado se une a artistas de la talla de Louis Jordan atraído por el sonido del R&B. Pero no tardaría en volver a los sonidos más clásicos del Bebop, llegando a coger el saxo tenor. Su habilidad a la hora de tocar el saxo le llevaría a la banda de Modern Quatert Band llegando a tocar junto a Miles Davis o Thelonious Monk. Muy rápido llegaría a su nivel más alto en lo que se refiere musicalmente hablando. Llegando a estar en la grabación del primer quinteto dirigido por Miles Davis en 1951, hasta que en 1954 llega a grabar  un álbum muy emblemático dentro de su larga trayectoria musical. Con canciones como "Oleo" o "Doxy" alcanzado la cumbre junto a Miles Davis. Con el cual al poco tiempo abandona el quinteto para unirse a la formación de Clifford Brown y Max Roach. Al poco tiempo son sorprendidos por la muerte de Brown, a la edad de 25 años. Dejando a el propio Rollins como líder de el quinteto, convertido en cuarteto. Ya que no sustituyeron el hueco vacío que quedo Brown. Un año más tarde graba para Prestige su álbum más famoso, "Saxophone colossus".

En 1957 decide dejar la formación como trío, prescindiendo de el piano. Pero no sería de forma definitiva, ya que en formaciones que haría más adelante introduciría al cuarteto de nuevo como en la grabación de Newk's time, esta vez con Wynton Kelly como pianista.

En 1958 graba un álbum con una fuerte critica hacia la política-social de Estados unidos. Denunciando el acoso y el racismo que había contra la raza negra, bajo el nombre de Freedom suite. La compañía discográfica lo retiro rápidamente del mercado, re-editandolo en un futuro bajo el nombre de " Shadow waltz". En 1959 se toma unos años sabaticos volviendo a escena en el 1962 con uno de sus álbumes más emblemáticos, "The bridge", el propio saxofonista dejo a un lado su linea más clásica mezclando otra clase de sonidos musicales a sus obras, llevando a hacer una especie de Jazz fusión con sonidos latinos. en la década de los '60 se une al sello discografico capitaneado por el flamante John Coltrane Impulse!. Sonny Rollins graba 4 álbumes, el cual destaco la banda sonora de la película protagonizada por Michael Kane Alfie.

Como era costumbre en su vida. En la década de los '70 se volvería a coger otros años sabáticos. Para volver impulsado por la nuevas olas de Rock, Pop o el funk. Llegando a grabar su saxo en el disco de su majestades satánicas "The Rolling Stones" para el álbum Tattoo you (1981). En 1986 Robert Mugge le rinde homenaje mediante un documental con el nombre de su disco mas reclamado dentro de su carrera musical Saxophone colossus.

 En la década de el nuevo milenio, recibiría varios galardones entre los que están un Grammy en el 2001 al mejor álbum de Jazz, y otro a su larga trayectoria en el 2004. Sonny Rollins recibe de manos del presidente Barack Obama la medalla nacional de las artes en el 2010.

Fats Waller The Essencial collection

Hablar de Fats Waller es hablar de uno de los iconos que tuvo el Jazz a principios de el siglo XX. Amigo intimo de Louis Armstrong, tocarían juntos en el grupo William's Blue Five en el club de Harlem Hofer's. Justamente cuando Duke Ellington era la máxima figura dentro de el mundo del Jazz. A mediados de la década de los '20. El aparte de músico sería actor cómico.

Fats Waller.

Nace el 21 de mayo de 1904, su nombre real era Thomas Wright Waller. A la temprana edad de 6 años se inicio en el piano y a los 10 de gradúa en la iglesia de su padre, predicador Baptista. 4 años después debuta tocando el órgano en el Lincoln Theater de el famoso barrio de Harlem. . en 1919 el compone su primera canción, la cual no llega a grabarse hasta el 1922 donde registra sus primeras composiciones.Después de ganar un concurso de jovenes talentos al piano, conoce a James P. Johnson representante de la escuela de Harlem strider piano, llegandole a apadrinar. Fast Waller fue uno de los músicos que mejor supieron canalizar el sonido de aquella época, teniendo en su haber grandes grabaciones "Honeysuckle rose" cuya canción fue compuesta por el y Andy Razaf. Fast Waller también tuvo un tiempo de polémicas en sus creaciones. Al principio Fast compuso canciones entre las décadas de los '20 y '30, que poco o nada le daban para poder subsistir, pero al parecer cuando esta grabaciones empezaron a dar sus frutos. Muchos músicos quisieron hacerse con ellas, denunciando que esas composiciones eran suyas. Fats Waller se junta a su amigo Spencer Williams y cruzan el Átlantico para buscar fortuna en el continente europeo, llegando a tocar en París, pero que poco o nada de éxito encontraron, teniendo que pedir dinero para poder volver al continente americano. A su llegada, como si de un milagro se tratase, las cosas habían cambiado mucho y la industria tanto musical como cinematográfica les abrieron las puertas del éxito. Colmados de grabaciones de discos y actuaciones el los programas radiofónicos bajo el nombre de Fast Waller and his Rythm.

El éxito le llego  traer otra vez a Europa tocando en Londres y Escandinavia. Llegando hacer alguna grabación en la visita a Europa. Poco antes de fallecer, en 1943 protagoniza una comedia junto a Benny Carter, Art Tatum, Mary Lou Williams, Joe Sullivan, y Ernol Garner. Producida por 20 th century fox y producida por Andrew Stoner. El éxito fue asegurado desde el principio, llegándose a ganar muy fácilmente a el público.

En una noche de navidad, Fats volvía a su casa en un tren de noche. La calefacción se estropeo y el músico murió de pulmonía. En su haber tiene más de 500 canciones compuestas y en el 2004 se le rindió tributo en el 100 aniversario de su nacimiento.

Biografia.

Art Pepper The Savoy recordings (2006)

Dicen los críticos musicales, que después de la muerte de Charlie Parker, al Jazz todavía le quedaba a Art Pepper. El fue sin duda uno de los mejores legados que tuvo el gran BIRD. Según se llego a comentar el único que le podría hacer frente a las manos de un saxo pero que vivió en la sombra de BIRD hasta su fallecimiento.

Art Pepper.
Su nombre real era Arthur Edward Pepper Jr. nació en Gardena (California) un 1 de septiembre de 1925. Su infancia estaría atormentada por unos padres alcohólicos. Su nacimiento fue para ellos un imprevisto llegando su madre ha hacer todo lo posible para abortar, pero el destino hizo que el pequeño naciese, teniendo que vivir con su abuela durante su infancia. Un crio bajo y muy delgado al cual de vez en cuando le visitaba su padre, al cual tenia una gran admiración.

Su carrera musical empezaría en la década de los '40. Junto  Benny Carter y Stan Kenton.Siendo uno de los saxos con más renombre el el Jazz de la costa oeste, junto a Dizzy Gillespie, Miles davis y Charlies Parker. Al cual la revista Readers publico una lista de los mejores saxofonistas del momento en 1952, poniendo a Charlie Parker en primer lugar seguido de Art Pepper. A lo largo de su carrera llegaría a tocar con músicos de la talla de Elvin Jones, Johnny Griffin o Richi Cole entre otros...

Su saxo estaba impregnado de sensibilidad, de fuerza con un sonido muy envolvente. Brilliant Jazz recupera en el 2006,  un doble cd sus grabaciones con la casa Savoy.

Falleció David "Honeboy" Edwards

El pasado lunes falleció uno de los últimos guitarristas legendarios de el Blues Delta a los 96 años. A causa de un ataque cardíaco. R.I.P..

David "Honeboy" Edwards

Nace un 28 de junio de 1915 en Shaw Mississippi. Su vida fue enlazada al Blues desde muy pequeño, con 14 años abandona su hogar para recorrer carreteras y clubs con el Bluesman Big Joe Williams. Con el recorrería todo el Delta del Mississippi durante las décadas del '30 y '40. Llegando a conocer a Robert Johnson, con lo que les uniría una estrecha amistad. Tras su muerte por envenenamiento, los dos estuvieron mucho más juntos. Llegando a ser Edwards el fiel testamento de el rey del Blues Delta. Su primera grabación se traslada a el 1942, para la biblioteca del congreso. Con un registro de 15 canciones. Entre las canciones destaco el "Wind howlin' Blues. Después se muda a la gran ciudad de Chicago. Pero no volvería a grabar nada hasta la década de los '50. Llegando a grabar canciones como " Who may your regular be" para la ARC records. Edwards sería un músico mas de directo que de estudio. Llegando a grabar tan solo 9 canciones entre las décadas de los '50 y '60. Su primer long play lo haría en la década de los '70. Y en el 2007 se une a Rush Bobby, Rmma Billy y Johnny "Yard Dog" Jones, siendo este un disco de grabaciones del 1975 que no llegaron a ver la luz hasta ese momento.
Junto a el han llegado a tocar músicos de la talla de Charlie Patton, Sonny Boy Williamson, Little Walter... entre otros grandes músicos que dieron color a la música del Delta del Mississippi.

En el 2008 recibe su primer Grammy al mejor álbum de Blues, y dos años después se le otorgaría otro por le trayectoria de su carrera musical.

Descansa en paz Old Bluesman.

Web

Richard Berry and the Faraohs Louie, Louie (1957)

Richard Berry aparte de ser recordado por la mítica canción Louie, Louie fue todo un icono en el mundo del Rhythn & Blues y el Doo Wop. Muchos músicos se fijarían en el como un ejemplo a llevar dentro de sus carreras musicales.

Richard Berry 

Nace en el estado de Louisiana, nada más nacer su familia lo traslada a Los Ángeles. Sus primeras actuaciones en los pequeños escenarios serían marcadas a ritmo de Doo Wop, grabando junto a bandas del calibre de The Cadets, The Chimes... después se une a la banda afroamericana The Flairs. Los cuales se llegaron a poner varios nombres para actuar, como The Flamingoes o The Debonaires allá por el 1953. Ese mismo año graban uno de sus primeros éxitos "She Wants To Rock" para Modern Records. La canción seria producida por Leiber y Stoller (productores de renombre dentro de la escena musical pos-segunda guerra mundial). Ellos más tarde necesitarían una voz para cubrir la canción "Riot in Cell Block # 9" de la banda The Robins, para el sello discográfico Spark Records. Pero su voz no pudo acreditarse dentro de la canción por su compromiso contratado con Modern Records, además de grabar su voz en el primer disco de la cantante Etta James el cual tuvo un enorme éxito, y como es normal, también sin acreditar. En 1954 Richard Berry abandona la banda de Flairs para confeccionar su propia, la llamaría The Faraohs, además de seguir poniendo sus cuerdas vocales y composiciones para otros grupos. En 1957 graba una canción para la cara b de single "You are my sunshine" que con el tiempo se convierte en el emblema de toda su carrera, Louie, Louie. Al principio pasa totalmente desapercibida, teniendo una pequeña repercusión dentro de su estado y nada más. Hasta que el propio sello discográfico Flip Records decide un año después relanzarla como nombre de su propio single, al paso por su gira en el Pacifico del país, muchos grupos se harían con una versión de la canción. Por motivos personales el propio Richard Berry vendió los derechos de la canción a la casa discográfica, y cuando esta se convierte en un éxito dentro de todo el país el llegaría a ganar muy poco con ella. Dentro de su carrera musical no encontraría mayores éxitos que la canció Louie, Louie. Aparte de ser el responsable de las canciones "Have love, will travel" gran éxito del grupo The Sonics o "Crazy lover" canción que graba la Rollins Band dentro de su primer disco. En 1993 la canción Louie, Louie vuelve a ser propiedad de Richard Berry, llegando a ganar una buena suma de dinero además de ser el primero que recibe de la canción en 36 años. En 1996 daría su último concierto, siendo este un concierto benéfico. Un 23 de enero muere de una insuficiencia cardíaca.

Wayne Shorter "JU JU" (1964)

Wayne Shorter es uno de los mejores alumnos que pudo tener el saxofonista John Coltrane, y a la vez Shorter es un músico que es considerado como uno de los mayores que hubo dentro de su generación, que con sus 77 años todavía sigue levantando pasiones con su saxofón.

Wayne Shorter

Nace en New Jersey un 25 de agosto de 1933, su padre era un gran apasionado por la música he hizo que el y sus hermanos se decantasen por ella. Su hermano Alan se convertiría en un trompetista,  el se tiraría más por el saxofón. Después de graduarse en la Universidad de New York en 1956, se alista en el ejercito donde llega a tocar junto a Horace Silver. Nada más salir del ejercito se junta con la banda de Maynard Ferguson. Hasta que en 1959 se une a la banda de Art Bakley con el que tocaría durante 5 años, el saxofonista abandona la banda de Art Blakey no lo haría con un cualquiera, lo hizo para tocar con Mile Davis, en un nuevo quinteto, en el que contaría con la presencia de Herbie Hancock, Tony Williams y Ron Carter.Wayne Shorter entra en sustitución de John Coltrane. El quinteto fue musicalmente orientado hacia el Hard-bop, el se haría con la parte compositora de los discos, entusiasmando a los demás miembros de la banda, por sus dotes de composición y la manera de la que llevaba al quinteto. Así que se hizo con su propio cuarteto con el que firmo varios discos para la Blue Note, entre los que se encuentra este fenomenal Ju Ju acompañado de Elvin Jones a la batería, Reggie Workman al bajo y McCoy Tyner al piano. Siendo un disco muy cercano a la manera de tocar John  Coltrane. En el aparece una de sus composiciones más famosas Mahjong. Un disco compuesto por 8 canciones encarriladas hacia músicos como el propio Coltrane o Sonny Rollins siendo estos músicos su mayor influencia a la hora de tocar, no en este disco, si no en toda su carrera musical.

Pero el cambio de orientación de el quinteto, que quería llevar el propio Miles Davis hacia el Jazz fusion, hizo que el quinteto desapareciese en el 1968, Shorter duraría hasta el disco de Bitches Brew, acompañado por músicos de la talla de John McClaughlin o Chick Corea. La última vez que subió a un escenario junto a Miles Davis fue en la gira de 1970. Llegando a tocar en esos últimos años de saxo soprano y Tenor. Después de su salida forma un grupo de Jazz fusion...

El álbum JU JU cuenta con una remasterizacion del año 1999, con la que entra dos bonus tracks, JU JU (alternativa take) y House of jade.

Bill Evans The alternative man (1996)

Aunque haya quien le asocie con el famoso pianista Bill Evans personalmente, entre ellos hay poco o nada que sean asemejados entre ellos dos. El saxofonista americano nacido en Illinois es como suelen decir muchos críticos de música, un aventurero derrotando barreras dentro del Jazz haciendo fusiones tanto con el Rock como en el terreno del Rap. El ya lleva 31 años dentro de la escena musical y en su curriculum se permite presumir de haber tocado con los grandes que quedaban todavía en el mudo musical, como Miles Davis, Herbie Hancock o Ron Carter entre otros, ellos le aportarían experiencia y libertad a la hora de transmitir su música en directo o en estudio. En este fabuloso disco se codea con un artista invitado y un gran guitarrista apasionado por el flamenco John McLaughlin.

Sin duda es un gran disco en el que explorar muy ampliamente los terrenos del Rock progresivo. Exponiéndonos 9 canciones de lo más variopintas. Luciéndose en melodías con un sonido sacado de la década de los '80. John McLaughlin mete guitarra en la canción "Survival of the fittest".

Odradec Trío (2011)

Tras haber sido compañeros en formaciones como Arvak o La crisis del gato cósmico, los músicos Cesar Diez (El hombre astral) y Antolín Olea (Neverness) vuelven a juntarse para dar vída a un nuevo grupo con un enfoque a Jazz Progresivo. El grupo lo completa el pianista Rubén Villadangos bajo el nombre de Odradec Trío.

3 músicos de la categoría de ellos, solo pueden dar discos tan brillantes como el que hoy os presento. Con un teclado muy dinámico y a la vez muy melódico conjugando con un bajo totalmente envolvente con unas bases de batería que harán poner los pelos de punta en algún momento. Con un gran empiece que es Drunked Spider, pasando por una versión de J. Bach, o dando vida a Lark's Tongues in Aspic (part two) de King Crisom. Una canción muy técnica con cambio de ritmos muy trepidantes y una dulce armonía. Canciones muy cuidadas hasta el último detalle y dinamismo descomunal. Con una versión muy libre de Bach in 7.

Si te gusta el piano clásico de Jazz y la música progresiva este será un gran disco que te envuelvan este año.

Una vida ejemplar por Art y Laurie Pepper

Hubo críticos musicales que llegaron a decir que después de la muerte de Charlie Parker, nos quedo la inmensa vida de Art Pepper como a uno de los mejores saxo alto. Art supo impregnar a su saxo de una personalidad totalmente propia llevandole a figurar entre los primeros puestos de el mundo del Jazz.


Una vida ejemplar no es solo la vida de un gran músico como llego a serlo. Es más el olor que le impregno hacia el en el recorrido de esta. La facilidad, elegancia y simpleza con la que la llega a relatar en este gran libro, co-escrito junto a Laurie Pepper y con prologo de Gary Giddins, nos relata desde el nacimiento, hasta la consagración del saxofonista a la sombra del mejor saxo alto que haya existido dentro del Jazz. Charlie Parker.



Este pequeño post se lo dedico a un buen amigo Lorenzo que me lo aconsejo en Vitoria. Gracias, este va para ti. 

Blue Lu Barker la voz dulce del Blues

Blue Lu Barker es una de las voces más dulces de Blues que ha dejado como legado en el estado de Louisiana, New Orleans para ser más exactos. Una de las mayores influencias musicales que llego a tener la cantante Billie Holiday llenando de buen Blues con su voz y guitarra los escenarios de los clubs, escenarios con los que ocasionalmente tocaría junto a su marido Danny Barker, músico y compositor de Jazz.

Louise Dupont nace un 13 de noviembre de 1913 en New Orleans, hija de un tendero que tendria sus negocios con el alcohol de contrabando en la época de la ley seca. Ella se casa muy joven, a la edad de 13 años con Danny Barker, 4 años después se trasladan a New York, en 1930 empezaría a grabar junto a su marido, hasta que en el 1938 encuentra un hueco musical donde grabaría por primera vez ella como voz principal. Llevando a ser los primeros éxitos musicales. En su primera producción su nombre pasaría a ser  Blue Lu Barker como nombre artístico. Además de cantante era guitarrista siendo "A little bird told me" uno de sus mayores éxitos grabado en 1948, este llegaría al puesto nº16 de las listas llegando a estar varias semanas.Considerada como una gran dama del Blues, llegaría a tocar junto a Charlie Parker en el Apolo.

En 1997 fue reconocida en el Salón de la fama de Blues de Louisiana, un año después fallece a la edad de 84 años.

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Charlie Parker posiblemente el mayor saxofonista de la historia del Jazz

Su música vivirá por el resto del tiempo como uno de los grandes músicos de la historia. Relatada por su saxofon o misma mente por sus andaduras y por supuesto del testimonio de sus amigos. Su manager llego a decir que solo el Y Walter Bishop Jr. le llegaron a conocer realmente. Sobretodo cuando llegaba a su casa de madrugada con una gran borrachera y ganas de armar bronca, sus delirios y coqueteos con la droga le pasarían factura, pero aun así sus grandes amigos siempre estuvieron dispuestos a perdonárselo todo. Joder el era el gran BIRD. Un hombre que amaba tanto a su propia música, donde llegaba a rozar los limites de lo establecido y dando mil zancadas hacia adelante, llego a demostrar que sin duda fue un principal referente a la hora de escribir el nuevo Jazz. Todos querían ser como BIRD, tanto en lo bueno como en lo malo. Cosa que a el le enfurecía mucho, no llego a comprender por que la gente se drogaba, el solo lo hacia poniendo de pretexto que era lo único que le hacia quitar el dolor, pero el que pensase que drogándose llegaría a llevarle a ser tan buen saxo o músico como el estaba totalmente equivocado.

Su música atrapo a muchos grandes músicos, y es que de un grande solo se puede sacar grandezas. Miles Davis le debe el haber subido a un escenario, su gran amigo Gillespie, con el que tuvo una de las grandes formaciones y sin duda una de sus mejores etapas. Donde dejarían como legado a tantas futuras estrellas musicales, que adornarían como ramas el gran árbol del Jazz.

Señoras y señores con ustedes BIRD.-

Chet Baker Sings

Chet Baker en el álbum Sings pone voz a la melodía de sus canciones en un álbum muy emotivo donde resalto la presencia de la bella canción My FunnyValentine. El álbum sería publicado en el 1956 con Richard Book como productor, donde llena de sentimiento y lo impregna con su carismática trompeta o una dulce y densa voz. Con el un elenco de músicos que van desde Kenny Drew, Russ Freeman o Jimmy Bond (en lgunas ediciones le nombran como James Bond).

Pero sus adiciones a la heroína le llevarían por el peor camino, haciendo que su carrera se viese frustrada en algunos momentos de su vida. Sin duda el siempre será la voz del trompetista suicida...

Maynard Ferguson High Voltage (1987)

Maynard Ferguson siempre sera recordado por ser uno de los últimos grandes directores de Big Band. Llegando a apostar por ellas hasta en los últimos momentos, cuando estas grandes bandas estaban ya a punto de desaparecer de la escena musical. Pero al mismo tiempo supo innovarse a si mismo, llegando a tocar en lo largo de su carrera desde be-bop, Jazz fusión hasta Jazz progresivo.

Siempre fue un músico que no quiso enterrar su sentido musical en una etiqueta, o dejando una firme escritura de como se pueda llegar a clasificar su música. El como a muchos de los grandes quiso vivir en la honda de los tiempos, es decir iban al mismo sentido de todas las modas sin despuntar de su sonido original. Llegando a grabar este agradable disco en el 1987, impregnándolo de melodías pop-Rock y dejando claro que lo suyo siempre fue el ser director de una gran Big Band, llevando su sonido a rebautizarlo mucho más allá de donde muchos ya consideraron a las Big Band como un recuerdo del pasado.

Maynard Fegurson nos dejo un 26 de agosto de 2006.

The dual role of Bob Brookmeyer (1954)

Bob Broonmeyer es un músico nacido en Kansas en 1929.Su estilo musical abarca desde el post-bop llegando hasta el Jazz progresivo. El juega con el trombón y el piano ademas de haber sido director de la banda del batería Mel Lewis.
Bob empezaría tocando el piano junto a Stan Getz en el 1953, ya en el 1954 lideraría su primera banda, junto a Teddy Charles al bajo y Jimmy Raney a la guitarra.


The dual role of Bob Brookmeyer esta grabado por dos cuartetos distintos. Las primeras 4 canciones son grabaciones de 1955 junto al batería Mel Lewis. Mientras que el resto de 4 canciones siguientes son grabaciones de el 1954. Este cuarteto lo lidera el músico Teddy Charles al bibráfono junto al batería Eddie Shaughnessy, Bob Brookmeyer al trombón de válvulas y piano además de contar con la cantante Nancy Overton poniendo cuerdas vocales a la canción "Nobody's heart". El disco técnicamente es una verdadera lección de puro Jazz, con unas maravillosas formaciones en las que sacan lo mejor de si en cada nota. Siendo el guitarra Jimmy Raney un gran virtuoso que te hará pasar un rato con su magnifica técnica, o del cuarteto de Teddy Charles haciéndose presente en todos las canciones, sobretodo en la cantada por Nancy, una voz que a mi no me llega a gustar, parece más que esta relatando la canción sin ni un tipo de sentimiento. Pero bueno para gustos ...

Al Cohn Broadway (1954)

Albin Gilbet Cohn nace en Brooklyn en 1925, saxofonista más conocido por haber sido el marido de la cantante de Jazz Marilyn Moore. Empezaría su carrera musial en la década de los '40. Dentro de la banda de Woody Herman. En dicha banda también se encontraría Stan Getz, en unos tiempos donde el propio saxofonista iria cogiendo buena fama dentro del seno de la banda como saxofonista. Al no tardaría en buscar acomodo en otro lugar fuera de la banda de Herman, marchándose a crear la propia suya y buscar nuevas emociones junto a otros músicos. El critico musical Scott Yanow llego a decir que Al Cohn fue eclipsado totalmente por la figura de Stan Getz y Zoot Sims, causa por la que dejaría después la banda. Com lider de sus proyectos llegaría a grabar 12 álbums donde se encuentra este maravilloso Broadway.-



Supervisado por Gus Grant en los estudios del ingeniero Rudy Van Gelder un 29 de julio de 1954. El disco no sería publicado hasta el 1970 cuando fue rescatado por la casa Prestige. Junto a Al Cohn estarían Hal Stein como saxo alto, Harvey Leonard al piano Red Mitchel al bajo y Christy Febbo como batería. Despachando un disco de 6 canciones donde se encuentran estas dos partes de Suddenly it's spring, como una verdadera poesía acentuada por unos músicos dando toda su personalidad en casa solo de las canciones.


El disco es remasterizado porPhil de Lancie para Fantasy studios en 1992.