Hoy os traigo un gran grupo de Jazz fusión dirigido por el saxofonista alemán Klaus Doldinger, Passport. Para ello recurriré a un disco en directo que recoge varias grabaciones entre 1977 y 1980, el Lifelike. Siendo unas grabaciones de una calidad superior en lo que se refiere a su música. Dando pasajes de Funk, R&B y música experimental. Destacando la presencia de grandes talentos como la reciente fallecida Etta James, Herbbie Mann, o David Newman entre otros.Dejando 13 grabaciones en un doble álbum.
Klaus Doldinger es un saxofonista de Jazz, el cual es más reconocido por sus creaciones musicales a las bandas sonoras. En las que se encuentran la película La historia interminable '84. Pero uno de sus logros musicales dentro del mundo del Jazz. Fue la creación de los Passport en 1971. En el que se encuentran grandes talentos musicales como Kevin Mulligan, Pete York, o Kristian Schultze. El grupo ha grabado unos 29 discos (hasta la fecha del 2006), estando todavía en activo. Su música es muy experimental, abarcando sonidos desde el jazz saxo hasta sonidos de la nueva era. Siendo este Lifelike una muestra de sus dotes musicales. Dando un repaso a su recorrido musical de los '70, el cual es una gran experiencia auditiva.
Este es un gran disco que hará las mil y una delicias a todos los que busquéis nuevas sensaciones musicales dentro del Jazz. Muy aconsejable.
En 1974 la pareja creada por el saxofonista Gerry Mulligan y chet Baker graban un concierto dentro del Carnegie Hall. Editado por el sello discográfico CTI, en su formato original en dos álbumes, los cuales en un futuro tendrían una edición en cd, uniéndolos en un solo disco.El directo sería grabado 21 años de su anterior grabación. Siendo estas sus dos únicas ocasiones en las que los dos músicos deciden juntarse. Para recrear composiciones propias y canciones ya legendarias dentro del repertorio de Chet Baker, como la maravillosa My Funny Valentine, tema emblemático dentro de la carrera del trompetista.
Los dos músicos se acoplan perfectamente entre ellos, dando pie a melodías que te llegaran a tocar el alma. recreado en 8 canciones. Acompañados de Ron Carter al bajo, Bob James al piano, David Samuels al vibráfono, John Scofield a la guitarra y Harvey Mason a la batería. La pareja construida por Mulligan/Carter solo se llegaría a unir en dos ocasiones, siendo una verdadera lastima, ya que ellos en un escenario eran pura magia. Para todos los seguidores del Jazz clásico y el Bebop, este es un gran disco a escuchar.
Return to forever es un grupo de Jazz fusión creado por el celebre pianista Chick Corea en 1972. En el se abarca diferentes formas de interpretar el Jazz. Siendo un grupo itinerante, donde han pasado por el una multitud de músicos de renombre dentro de la escena del Jazz, en la cual abarcaban movimientos de Funk, electrónica, o Rock. En este fabuloso Romantic Warrior le acompañan el guitarrista Al Di Meola, Stanley Clarke al contrabajo y Lenny White a la batería.
Romantic warrior es un álbum grabado en el 1976 siendo editado ese mismo año para el sello discográfico Columbia. El disco esta auto-producido por el grupo, con un total de 5 canciones. La recepción del álbum fue muy buena. Consiguiendo colocar las 500.000 copias en un tiempo record para la banda. Siendo el álbum más experimental del grupo, que habría echo hasta el momento. Un álbum donde logran romper moldes, abrir fronteras musicales, con tendencias que te llevan desde el Rock hasta el Flamenco, muy amenizado por el gran guitarrista Al Di Meola, haciendo punteos y escalas que son totalmente asombrosas. Del álbum me quedo totalmente con la fragante canción que da titulo al álbum, Romantic warrior. Siendo uno de los dos cortes más largos, dando plenitud a diversos solos de los músicos. Donde parecen que han perdido todo miedo a explorar con sus instrumentos. Haciendo su escucha una multitud de sensaciones.
Hasta ese año el grupo no se habría adentrado tanto el los términos del Rock, haciendo de este muy progresivo, con secuencias de Al Di Meola a la guitarra eléctrica que llegan a codearse con el Rock progresivo, ante la atenta mirada del órgano eléctrico de Chic Corea. En la batería estaría el gran maestro Lenny White, demostrando un gran poderío ante sus baquetas y el contrabajista Stanley Clarke. El cual tiene unos momentos dentro del disco que son espectaculares. Si te gusta el Jazz fusión este es un disco a tener en cuenta. Realmente bueno.
Otro gran disco de el enigmático saxofonista Wayne Shorter es este Native Dancer, un disco echo a base de Jazz fusión, con muchos elementos del Jazz latino. El cual estuvo grabado junto al músico brasileño Milton Nascimento. En el cual participan músicos de la talla de Herbie Hancock, Airto Moreira, o Jay Graydon entre otros.
Grabado para la casa Columbia records, Native dancer es una gran obra con muchos elementos latinos, mezclados con el sabor inconfundible del saxo de Shorter. El cual respira a puro Jazz, dando pases magistrales en Beauty and the beast. Además de ser un disco que abriría nuevos mundos musicales a grupos como Earth, Wind and Fire.
Dividido en 8 canciones 4 instrumentales y 4cantadas de portugués. En el nos descubre a unos músicos en estado de gracia. Rompiendo moldes dentro del Jazz fusión, impregnándolo de melodías brasileñas, cargadas de amor y noches de baile al ritmo de Jazz. Si os gusta el Jazz fusión o el Jazz latino, este es un álbum a tener en cuenta. Muy bueno.
El sello discográfico CTI nos ofrece uno de los álbumes más grandes que realizo el guitarrista Jim hall. Concierto. El álbum fue grabado en 1975, acompañado por músicos de la talla de Chet Baker, Paul desmond, Steve Gadd. Para ofrecernos un colección de 9 canciones destacando la versión de El concierto de Aranjuez del celebre compositor español Joaquín Rodrigo. Siendo esta una de las canciones del romántico español, más versionadas dentro del mundo del Jazz. Además de realizar musicalmente canciones de Ellington, y canciones creadas por el propio Jim Hall.
Dirigido por Don Sebesky el álbum es una maravillosa obra cargada de Jazz en puro estado. Con un gran sonido y una guitarrista muy técnico, muy jugoso recalando mucho en escalas. En la trompeta Chet Baker, un músico que en este disco suena diferente, el sonido de trompeta deja de ser tan melancólica para meterse más en los terrenos del Bebop, mucho más fría, pero sin perder el estado de la melodía. Haciéndose unas intervenciones realmente excelentes. Al mismo tiempo les acompaña el sensacional bajista Paul Desmod, músico que ya habría intervenido en otras grabaciones de Jim Hall o Chet Baker en diferentes ocasiones. Sabiendo su papel, y entonando sonidos y solos dentro del álbum que le hará ser un músico más dentro del cuarteto y no un acompañante. A la batería estaría Steve Gadd, uno de los bateristas más respetados en la década de los '70, y Ron Carter al bajo, recreando un espectacular solo en el primer tema del disco, You'd be so nice to come home to.
El grupo se disuelve con una gran compenetración. Llenado de técnica y melodía, con canciones como The answer is yes, Rock skipi'. Siendo este álbum editado en dos discos, los cuales también colaboran músicos como Bakerm Chet a la trompeta, y Roland Hanna al piano. Siendo otra gran producción del celebre Creed Taylor. Para todos los seguidores del Jazz clásico, este es otro álbum a tener en cuenta.
Una de las voces más grandes y personales que tuvo el Jazz, fue la del pianista y compositor Nat King Cole. Su sello genuino, con una voz portentosa hizo creer fielmente en su música a grandes maestros como Ray Charles, Oscar Peterson. Viendo en este su primera y máxima influencia.
Nat King Cole gustaba tanto para el público del Jazz como para el del Pop. Sus melódica voz acompañada de un piano que se ajustaba siempre a ella, siempre respaldado por una gran orquesta. Pero al mismo tiempo llego a ser muy criticado por sus desvaneces con el pop, por parte del público que lo preferían que llevase el mundo del Jazz, como mayor insignia dentro de su música.
El disco que abarco hoy es de esa segunda época. Un disco comercial, plagado de bonitas canciones de amor. Dentro de suaves melodías. Las cuales nunca han perecido y que hoy en día siguen siendo un referente dentro de la música lenta, o como mejor se puede traducir las baladas.
Este es un disco recomendado para veladas románticas, una copa de vuestra mejor música y el flamante Nat King Cole cantando a el amor.
Con la entrada de la década de los '70, el trompetista Chet Baker decide cambiar de aires y se une al antiguo productor de la Impulse Creed Taylor, en esos momentos dirigía el sello discográfico CTI. Para grabar uno de los discos más emblemáticos de la carrera musical de Baker, She was too good to me. En lo musical el disco vuelve a ser otra gran obra maestra de Baker, regresando a los estilos más puros del Jazz, acompañado por Paul Desmond al saxo, Bob James al piano eléctrico, Ron Carter al bajo o John DeJohnette a la batería. Pero al mismo tiempo que empieza a hacer muesca sus adiciones, dejando un poco mermada su voz, perdiendo mucha potencia, cantando en un tono más bajo, pero al mismo tiempo con mucha melancolía. Sobretodo en la canción que da pie al titulo del disco, y aquí es donde me pregunto, ¿quien era demasiado buena para el?.
En el disco aparece una pequeña orquesta de cuerda, acompañando a Baker, dentro de un álbum de 8 canciones conducidas y arregladas por Don Sebesky. Hay quien dijo que en esta época es donde Chet Baker empezaría a caer en picado por culpa de sus adiciones a la droga, el alcohol,y en verdad no irían muy equivocados. Su vida iba girando hacia un agujero negro. Desatándose en un suicidio 14 años después.
Para mi siempre sera el músico que hizo llorar a su trompeta. Este es otro gran álbum a tener en cuenta por los aficionados del buen Jazz. Magnifico.
Uno de los más grandes trompetistas de la transición entre el Swing y el Bebop, fue Cliffford Brown. De su corta carrera musical no se llegaría a sacar grandes discos. Éxitos inmediatos, ya que su música no estaría nada definida en aquella época. Su trompeta sonaba al más puro estilo de Fast Navarro, un trompetista Afro-americano, considerado como uno de los padres maestros del Bebop. Pero por su forma de tocar, el sonido tan envolvente y el punto cómico que desprendía en cada nota, recuerda otro de los grandes maestros, como es Louis Armstrong. Haciendo de su música una escucha fiestera. Al mismo tiempo que muy bailable, echa para levantar el animo y sorprenderte con grandes melodías.
The beginning and the end es un álbum que grabaría en 1956, poco antes de fallecer en un accidente de trafico recogiendo unas grabaciones de 1952. En el disco suena a una banda mucho más comprometida con el Swing, bajo el enfoque de una trompeta en modo de Bebop. Apreciando la evolución musical del trompetista. Como su música va evolucionando, y metiéndose más en los terrenos del Bebop.
Vivió deprisa y murió muy joven con tan solo 25 años. De su legado llego a influir a músicos de la talla de Lee Morgan, Feddie Hubbard, o Wynton Marsalis entre otros. En 1972 seria incluido en el Jazz hall of fame. The beginning and the end es otro gran disco para tener en cuenta por los grandes aficionados del Jazz, muy recomendable.
Taylor Hackford retrata la figura de uno de los músicos más grandes de la historia del R&B, como es Ray Charles. Siendo interpretado por el actor Norteamericano Jaime Foxx.
La película comienza cuando el músico en sus años jóvenes comienza a recordar toda su niñez. Con la pesada sombra de la muerte de su hermano, y como por culpa de una enfermedad se fue quedando ciego. Hasta perder la vista del todo. Por su condición de invidente el músico llega a ser ninguneado en muchas ocasiones, estando siempre su valor y exigiendo un respeto que en muchas ocasiones, se le es denegado. La película muestra un músico que lucha a contracorriente, por dejar una enorme huella dentro de la escena musical. Habrá cosa en ella que harás respetarlo y apreciarlo, pero como todo tiburón dentro de una gran pecera, se comerá a otros peces para poder estar en lo más alto. Sus adiciones con la droga, el poco respeto hacia sus compañeros o el menos precio que daba a las mujeres, como a sus esposas. Demuestran que detrás de los escenarios, no brillan tanto las estrellas como encima de ellos.
La película cuenta con un gran guión y un interprete (Jaime Foxx) que bordara totalmente el papel de Ray. El cual fue premiado por la academia cinematográfica y por la BAFTA o los premios Globo de Oro como el mejor actor de año, además de ser nominado y premiado en muchos más festivales cinematográficos. Otro de los puntos más grandes de la película irán con las excelentes actuaciones de Regina King como Margie Hendricks, una cantante que amo a Ray Charles tanto, hasta el día de su muerte. Si os gusta el R&B, y el Jazz clásico esta es una película que os aconsejo que veáis, disfrutareis mucho al ritmo de su música.
El escritor y critico musical francés Lucien Malson, nos adentra en un breve recorrido por el mundo del Jazz desde sus inicios a lo largo de 246 paginas. En las que hace reseñas de grandes maestros desde King Oliver, pasando por Louis Armstrog, Duke Ellington, hasta llegar a Miles Davis, John Coltrane. Terminando por hablar del rey del Blues, B.B. King. Desde los principios del Swing hasta la era del Bebop. Dando un estudio pequeño estudio sobre las formas de componer de cada uno de los músicos, sus discos más representativos haciendo una gran muesca dentro del mundo musical.
El libro me ha gustado por su forma de escribir, y recitar. Es de lectura rápida, sin profundizarse mucho dentro de cada músico. Al mismo tiempo le veo un poco desordenado, carece de un indice y no sigue una época paulatina. Es decir que no sigue el curso de una época. Aquí es donde te hace perderte un poco. Ya que si hubiese mostrado a los músicos con los acontecimientos de la época, hubiera sido como una novela dentro del mundo del Jazz. Dejándola tan solo como un libro al que le puedas coger referencias de tus músicos favoritos. Los maestros del Jazz, no es un libro que te llegue a enamorar pero se nota la buena mano de Lucien Malson, y sus conocimientos sobre el Jazz.
Otra de las grandes obras que ha editado el sello CTI. Es este magnifico disco del guitarrista norteamericano George Benson. Siendo producido por Creed Taylor, dando pie a un álbum de Jazz fusión. En el cual se recogen 5 canciones, haciéndose con una interpretación de Miles Davis con el tema So what. Junto a George Benson estarían Clarence Palmer al órgano, Ron Carter al bajo y a la batería Jack DeJohnette.
Beyond the blue horizon es para mi una de las más grandes obras que a llegado a crear el guitarrista. Haciendo un disco denso y muy enigmático. Con unas intervenciones a la guitarra donde la impregna de todos los sonidos que jugaron en su carrera profesional, como el Jazz, Soul, Funk, o el R&B.
Una de las mejores facetas que tenia el productor Creed Taylor, era la libertad absoluta que dejaba. Para que los músicos se pudieran explayarse mejor. Era muy meticuloso con el trabajo que le habían asignado. Pero daba fe a no entrometerse dentro de la labor de los músicos. Los cuales con total libertad sacaron lo mejor de si.
El disco vería varias revisiones, en las cuales añadieron 3 bonus tracks, con tomas alternativas de las canciones All clear, Ode to a kodo, y Somewhere in the east. Para todos los aficionados del Jazz guitar y el Jazz fusión, este es otro disco a tener en cuenta.
En cuanto la música de Nina Simone se mete en la radio de tu casa, no la dejaras soltar en la vida. Mágica y enigmática te atrapara, te seducirá. Haciendo de melodía para cualquier velada romántica. Donde el poema de amor siempre lo puso en los labios de la gran diva Nina Simone. Uno de los álbumes que más guardo con cariño es este Silk & Soul. Donde la belleza musical es aromatizada por el alma de una poderosa voz clamando hacia el amor.
Silk & Soul fue grabado para la casa discográfica RCA bajo la producción de Danny Davis. Formado por 10 canciones compuestas por Billy Taylor, Terry Kirkman, Andy Stroud, o un tema compuesto por la misma Nina, "Consummation". De las cuales destaco Love o' love, I wish I knew how it would feel to be free, o Go to hell.
Nina Simone dejo una huella imposible de borrar dentro de la canción melódica. Donde su música siempre ha sido atraída y entonada por grandes músicos, haciendo de ella un legado imperecedero. Para mi Silk & Soul es otro disco a tener en cuenta. Uno que no debe faltar en su discografía.
Hoy me gustaría hablar de un gran trompetista de Hard Bop, Freddie Hubbard. Trompetista americano que en la década de los '70 se influyo por el Free-Jazz impregnándolo de Soul y Funk. Straight life es una maravillosa obra retratando los nuevos sonidos del Jazz que se iban acercando a la nueva era de los sonidos más vanguardistas del Jazz. Los cuales poco a poco se iban metiendo en las melodías y música de los grandes maestros. La portada, siendo un retrato hacia la estatua de la libertad. Es un sinónimo de la música que el estaba creando en esos momentos, el Free Jazz.
El disco esta grabado por un sexteto con músicos que hicieron muy grande la nueva etapa en la que se veía sumergida las nuevas corrientes del Jazz. Entre ellos hacen presencia nombres tan destacados como Herbie Hancock, George Benson, Ron Carter, o Joe Henderson. Con una base de percusión de Richard "Pablo" Landrum, haciendo dúo al lado de un gran baterista como es Richard "Pablo" Landrum. Creando un álbum con 3 canciones con momentos muy emotivos, muy brillantes. Pero si eres de los que los temas de más de 10 minutos no te atraen, este es un álbum que se te hará un poco cansado.
El disco fue grabado a finales de 1970, siendo estrenado en 1971 para el CTI records,siendo producido por Creed Taylor. Antiguo productor de la casa Impulse!. Para todos los aficionados al Frre Jazz, o al Jazz-Rock, este es otro disco que hay que tener en cuenta. Su dinamismo, su técnica y unos músicos que estaban en estado de gracia. Haciendo unos momentos memorables.
Formación:
Freddie Hubbard.- trompeta.
George Benson.- guitarra.
Ron Carter.- bajo.
Jack DeJohnette.- batería.
Herbie Hancock.- piano eléctrico.
Joe Henderson.- saxo tenor.
Richard "Pablo" Landrum.- percusión.
Ayer jueves 26 el saxofonista de New Orleans se presento ante su público de Valladolid para ofrecernos un recital de poco más de una hora y media plagado de ritmos de Bebop. Jesse Davis que lleva ya unos cuantos años residiendo en Europa, trajo una banda de ensueño, recitándonos pases de Charlie Parker, Thelonious Monk o Cannonball Adderley. En formato de cuarteto con el estaría el pianista Joan Monné ( Dick Oatts, Scott Hanilton) al contrabajo esta Ignasi González ( Marc Fosset quartet), y a la batería (Regular Partners).
El concierto empezaría suave, con ritmos de Bebop muy técnicos y con una compenetración que iría a más velocidad, al recorrido de este. A manos del piano, estaría un gran profesor como es Joan Monné, Ignasi González con su contrabajo que dejo unos cuantos momentos muy buenos y el batería Esteve Pi. Uno de los mejores baterías que hay en el momento, dando esta noche una gran lección, con unos solos y acompañamientos que provocaría en más de un momento la admiración del publico ante el ritmo de Esteve. Sobretodo la imagen del sonido de Jesse Davis, alumno de Ellis Marsalis y considerado como el sucesor de Charlie Parker. El cual hace de sus conciertos, un gran viaje a los sonidos más brillantes de New Orleans.
Atrincherado en un refugio ubicado en la segunda guerra mundial, el soldado Thelonious Monk muestra su arma más temida y mortífera contra sus enemigos, la brillantez de su piano. Underground es un disco que cautiva desde que lo adquieres, con una portada muy brutal, muy sarcástica ¿que quería decir el propio Thelonious Monk a través de su imagen?. El significado de la portada se basa en los cambios que estaba sufriendo el mundo del Jazz. Poniendo a Thelonious Monk como un superviviente de la antigua época. Que resistía al invasor de los nuevos movimientos del Jazz. La portada fue creada por los diseñadores John Berg y Richard Mantel.Encargándose de la fotografía Steve Horn y Norman Griner. La cual recibiría el premio Grammy a la mejor portada de álbum en el 1969.
El disco fue grabado para el sello Columbia en 1967, al más puro estilo Bebop. Con una sintonía de 7 canciones orquestadas por el cuarteto que dirigía el propio pianista. En el que muestra una banda muy acoplada, y unas melodías sin ningún resalto, con intervenciones de el saxo tenor Charlie Rouse. Pero que al fin es un disco donde se muestra a un Monk dueño y señor. Del álbum destaco Easy street, Green chimney's, o la canción In walked Bud, tema cantado por Jon Hendricks. El cual Thelonious Monk se basa en la canción de Blue skies de Irving Berlin. Underground es un disco para escucharle tranquilo y relajado. Sus melodías son muy suaves a excepción del último tema que es donde meten un poco más de marcha al álbum. Con una gran presencia de Larry Gales al bajo.
The Electriflying es el segundo álbum que la reina del Soul Aretha Franklin grabó dentro de su carrera musical. Producido por John H. Hammond (Billie Holiday, Count Basie, Bob Dylan). En el que se descubre una artista con ganas de comerse el mundo a manos de su piano al compás de pases de Jazz. En el va demostrando, que la niña que cantaba gospel en la parroquia de su padre, se iba formando como una de las grandes voces del Soul a base de canciones compuestas por James Cleveland, Luther Dixon, o Joe McCarthy, entre otros...
El álbum fue grabado en la segunda mitad del 1961, para ser estrenado en el mes de enero de 1962, estando formado por 12 canciones en su versión original. De las cuales destaco Rock-a-bye your baby a with a Dixie melodie, Blue holiday, I surrender dear... Con una gran voz que te hará pasar las mil y una delicias en todos los pases del disco. Un timbre de voz muy personal, y una fuerza abrumadora. Aretha no es una cantante de Soul, Aretha es el Soul. Una gran dama que vive cada una de sus canciones, haciéndolas interprete de su propia vida. Una voz que contagia su brillantez desde el principio, y que no te soltara hasta que haya sonado la última estrofa. Sin duda este es otro gran disco a tener en cuenta.
Hablar de Lester Bowei es hablar de uno de los músicos que más llegaron a innovar dentro de la escena del Jazz. Dentro de su carrera musical esta la creación de uno de las bandas más enigmáticas del Jazz como es la Art esemble of Chicago. Y su truco consistía en unificar todos los estilos del Jazz, tocar un poco de cada época para luego unirla bajo una misma sombra, bajo una misma canción. De su carrera en solitario destaco este gran álbum, The great pretender en donde hace valer cada una de sus facetas, contagiándonos de grandes melodías. Que no dejan de ser una mueca más en un tiempo sin definir. En ellas están impregnadas de humor, donde se puede empezar con un corte muy clásico, hasta acabar en la misma canción con muchos golpes de Jazz free. En un principio esto puede ser muy arriesgado. Los seguidores más clásicos del Jazz no lo entenderían. Pero el jugaba con una faceta muy personal. Poniendo un sello de calidad en todo lo que escribía e inscribía.
Si en una entrada anterior hablaba de Paul Desmond junto a un gran amigo suyo David Brubeck. Hoy me fijare en su carrera en solitario bajo el brazo de un gran disco, como es el Desmond blue. Junto a su amigo el guitarrista Jim Hall, y provisto de una orquesta con instrumentos de cuerda como violines y un harpa. Re-escribe grandes canciones del Jazz, con una nueva mirada, con un nuevo tono haciéndose con ellas de una forma sutil y sin perder el hilo de clasicismo que siempre ha llevado en su saxo durante toda su carrera musical. Este disco es otra obra maestra donde se hace notable un perfecto dúo entre el propio Paul Desmond y el guitarrista Jim Hall. Dando pases de guitarra en la que se combina a la perfección con el saxo de Desmond, un saxofonista que llevaba el sonido de las baladas tatuado en el corazón. Este disco es un disco para escucharlo tranquilo, relajado, buscando la paz donde su música te reconfortara plenamente. Al mismo tiempo que sirve perfectamente para un buena velada romántica.
Desmond blue es una grabación de 12 canciones, con dos temas compuestos por el propio Paul Desmond y un pequeño recorrido por grandes clásicos del Jazz como The funny Valentine o Body & soul. Siendo este otro disco a tener en cuenta para los aficionados del Jazz, por sus suaves melodías cargadas de buenas vibraciones.
En 1962 el saxofonista Sonny Rollins se mete en un estudio para grabar este fabuloso The Bridge. Para ello cuenta con nuevos miembros dentro de su banda. Haciendo un cuarteto junto al guitarrista Jim Hall, Bob Cranshaw al bajo,y Ben Riley como batería. Sonny Rollins fue muy conocido por sus retiros temporales fuera de la música. Siendo este disco grabado después de su primer retiro para la casa discográfica RCA.
Sonny Rollins tiene una magia en su saxofón que pocos la pueden llegar a imitar. Para mi este The Bridge es uno de sus mejores discos. Un disco que marcaría una etapa musical dentro de su carrera musical. Ya que después se amoldaría a la nueva era del Jazz fusión.Para ello cuenta con un acompañamiento de lujo, siendo el guitarrista de Jazz clásico Jim Hall quien debate entre melodías, frente a la autoridad del saxo de Rollins. Un disco que esta amoldado a muchos pases de Blues, en el que ya va coqueteando con el Jazz fusión, a manos de un Sonny Rollins que llego hacer pasar apuros a más de algún músico. Por sus tonos desconcertantes, o por que siempre se tiraba para un giro musical muy improvisado. como si fueras corriendo por el campo con una tropa detrás pisándote los talones, y de repente frenaras en seco. Una de dos, o te llevan por delante, o están tan metidos en tu ritmo que te entienden a la perfección cada paso que vas a dar. En el tema Where are you podréis comprobar los cortes que hace en el saxo. Dando a demostrar la gran labor de los músicos que le acompañaban dentro de este magnifico disco. Otro disco a tener en cuenta por todos los aficionados del Jazz.
Una de las voces más prodigiosas que nos dejo el barrio neoyorquino de Harlem, fue la voz de la dama Carmen McRae. Claro testimonio de las mejores divas del Jazz, de la cual poco o nada he llegado a oír hablar de ella. McRae con un timbre muy personal, una voz muy deliciosa y dulce, al mismo tiempo que potente y desafiante a las notas más largas. En esta ocasión nos regala con su maravilloso timbre una colección de canciones que fueron compuestas por el celebre pianista Thelonious Monk, a lo largo de 18 canciones.
Amiga intima de Billie Holiday desde su juventud, Carmen McRae fue contagiada por las melodías del Jazz, declinándose a seguir su vida profesional, a la música. La carrera profesional de McRae empezaría en la década de los '40 junto a músicos de la talla de Oscar Pettiford, Dizzy Gillespie, Count Basie o Benny Carter, con el que obtuvo su primer gran éxito. Al mismo tiempo de cantante ella era pianista, dejando grabaciones junto a la banda del trompetista. Mercer Kennedy Ellington. Su unión duraría dos años ('46/'47) en los cuales dejaron grabados un total de 12 discos. Pero su verdadero éxito la llego a mediados de los años '50. En 1948 al casarse con el actor George Kirby decidió mudarse de New York a Chicago. Donde se pasaría practicando con el piano durante 4 años. A su regreso a New York, el sello discográfico Bethlehem la ofrece un contrato, con el que empieza a recoger sus grandes mieles del triunfo. Llegando a grabar una tanda de 27 álbumes hasta 1990. Siendo su último álbum, otro tributo a la voz de Sarah Vaughan.
Otra faceta que tuvo Carmen McRae fue la de actriz, interpretando cine y televisión en la década de los '80. Dejándonos un 10 de noviembre de 1994 a causa de una hemorragia cerebral.
