Sun Ra & His Space Arkestra What planet is this? (1973)

Aparte de Ornette Coleman, el Jazz free jugo una importante baza en músicos tan puntuales como Sun Ra. Un pianista que no se centraría en ninguna base amoldada, buscando el intercambio de culturas y estilos recreando ambientes tan dispares, como el propio sonido de una jungla llevada por trombones, tambores, y metales. Solo aptas para gente que busque sonidos nuevos aunque estos no contenga en algunos casos musicalidad. Y este puede ser el claro ejemplo, What planet is this? es más bien un cúmulo de sensaciones, de visiones. Es un directo más bien para disfrutarlo en vivo (llevando un escenario y una presentación adecuada) que en disco. Para muchos críticos de música, Sun Ra fue uno de los músicos que más llego a arriesgar dentro del Jazz, experimentando dando un paso por delante. Ese paso que muchos no entendieron a dar. Eso si, cuando el se ponía serio dentro de un disco de Hard Bop, el era único dentro de su escena. Dando clases magistrales de autenticidad. Digamos que en el Rock, le podríamos comparar con Frank Zappa. Ellos experimentaban sensaciones aunque a la hora de la practica no llegasen a ser comprendidas por un numero mayoritario de público, al mismo tiempo que cuando querían sonar dentro de el Jazz o el Rock, hicieron autenticas obras maestras.



 What planet is this? es un disco con un gran director como es Sun Ra. Dirigiendo un orquesta que se basa en la música experimental, acompañados de la voz de Ruth Wright. Grabado el 6 de julio de 1973 y editado el 16 de mayo de 2006.

Duke Ellington La música es mi amante

Para hoy os quiero recomendar uno de los más grandes libros que se han llegado ha escribir en la historia del Jazz. Este libro más de ir a ser una autobiografía es más un verdadero espectáculo, donde pasan muchos nombres de músicos que el destino no les otorgaron el sillón en el mundo de la fama que ellos se merecían. Y todo relatado por el más celebre compositor de su historia. Duke Ellington. Director de la mayor Big Band (con permiso de Count Basie), que ha llegado a escribir con letras de Oro todas su partituras, siendo a la vez la lanzadera al estrellato de músicos que hoy en día siguen siendo tan esplendidos como lo fueron e su entonces.

El libro fue editado por primera vez, poco antes del fallecimiento del gran ilustre (en castellano se edito en el 2009). Donde nos cuenta todas sus vivencias y deja claro que entre amigos siempre sale la música más espontanea, más de corazón. Por su manera de expresarse y su visión de como ha sido una vida llena de grandes experiencias este es un libro que si amas la música, no te lo tienes que perder.

Monty Alexander - Harlem-Kingston Express Live (2011)

Cuando hablamos de la isla caribeña de Jamaica lo primero que se nos viene en mente es el reggae ,esta corriente musical tiene calado en sus raíces mas profundas al jazz y el pianista Monty Alexander da prueba de ello . Este año se ha despachado con un directo en donde realiza un viaje de ida y vuelta por estas dos músicas tan emparentadas ,haciendo escalas en las estaciones Calipso , Ska y Dub con notable resultado .
Una muestra mas de este extraordinario pianista que si hubiese nacido en la gran manzana gozaría de una popularidad mas acorde a su talento .
Desde muy joven recalo en Miami y gracias a la buena fortuna y el buen oído de un empresario que lo llevo a New York para actuar en su club con muy buena aceptación para de ahí en mas dominar la escena jazzistica de la ciudad que nunca duerme . Ha llegado a trabajar con nombres de la talla de Ray Brown y participado de los mas prestigiosos festivales alrededor del mundo (su recordado directo en Montreux es altamente recomendable ) se acerca mas a la escuela del gran Oscar Peterson por su estilo clásico pero cuando deambula por otros estilos sabe salir bien parado .
Un disco recomendable para pasar un momento agradable en compañía de mojitos que corren por cuenta del amigo Pedro jejeje


Monty Alexander - Harlem-Kingston Express Live (2011)

01 - Strawberry Hill
02 - High Heel Sneakers
03 - King Tubby Meets The Rockers Uptown
04 - Eleuthera
05 - Sweet Georgia Brown
06 - Freddie Freeloader (Riddim)
07 - The Heathen
08 - Compasssion
09 - Running Away
10 - Day-O (Banana Boat Song)
11 - No Woman No Cry

Personnel: Monty Alexander (piano); Yotam Silberstein (guitar); Andy Bassford (electric guitar); Hassan Shakur (acoustic bass); Hoova Simpson (electric bass); Karl Wright, Obed Calvaire (drums).

Web


Monty Alexander (Live from Jazz at Lincoln Center) - Harlem to Kingston Express

Paul Chambers Quintet (1957)

Uno de los mayores bajistas que ha dado la historia del Jazz acompañando a grandes iconos como Miles Davis, John Coltrane, Sonny Rollins, Chet Baker, Wes Montgomery... o en sus propias bandas a sido sin duda el maestro Paul Chambers. El supo impregnarse de la cultura musical de grandes maestros a los que les acompaño en estudio y en directo, para luego llevar ese mismo carácter a sus propios proyectos. Este Quintet viene acompañado de grandes figuras como Donald Byrd, Cliff Jordan, Tommy Flanagan y Elvin Jones, experimentando en un disco lleno de melodías clásicas. A primera vista suena muy clásico, limitándose ha hacer Bop sin fisuras pero de este quinteto saldrían músicos que años después empezarían a codearse con el Jazz fusión. Como Donald Byrd, que fue uno de los pioneros en mezclar el Bop con el Funky y el Soul.

Paul Chambers.

Paul Laurence Dunbar Chambers Jr. nació un 22 de abril de 1935 en el estado de Pennsylvania, trasladándose pronto a Detroit, después del fallecimiento de su madre. La música le vendría en el colegio, siendo el bombardino su primer instrumento musical. Dentro de su carrera amateur, Chambers a llegado a ejercitar con el Violonchelo, la tuba, el saxo barítono, el barítono cuerno. Con 15 años empieza a interesarse por la música que traía genios como Charlie Parker, y en especial e su contrabajista Jimmi Blanton, un genio de las 4 cuerdas que empezaría a cambiar el modo de ver al contrabajista, dejándose de ser un simple acompañante. A Chambers le apasiono el instrumento y su forma de tocarlo. Poniéndolo como su instrumento principal. Sus más claras referencias a la hora de tocar las podemos encontrar en nombres como Milt Hinton, Paul Chambers, u Oscar Pettiford... Y como a muchos de las grandes promesas, el reconocimiento le llegaría en la década de los '50, integrándose en las bandas de Miles Davis, Sonny Clark, John Coltrane (creando el mejor cuarteto que tuvo en la carrera de Coltrane como líder), Gil Evans, y liderando sus propias bandas, siendo "Chamber's music" su primer álbum grabado para la Alladin/Jazz West en el 1956.

Paul Chambers fallecio a la temprana edad de 33 años de una tuberculosis en el 1969 un 4 de enero. Jin Stinnett llega a crear una obra llamada "La música de Paul Chambers" inspirada en su carrera musical y recogida de varios fragmentos grabados en directo.

Blues La música del Delta del Mississippi por Ted Gioia

El músico, compositor, productor y profesor de Jazz Ted Gioia nos acerca al mundo del Blues. En el nos llevara a un gran viaje amenizado por el inconfundible sabor a Delta, empezando por la cuna donde le vio nacer. Haciendo connotaciones de la zona, y un breve resumen de como se vivía en aquella época en las orillas del rio Mississippi. En el libro también relata sus primeros protagonistas que se dieron a conocer y que aunque todavía no se sabe a ciencia cierta de quienes fueron los primeros Bluesman, en el libro no falta nombres de la tala de Robert Johnson, B.B. King, Howlin' Wolf... describiendo un estudio sobre sus vidas y como llegaron ha hacerse los grandes músicos que hoy en día conocemos.

Ted Gioioa en una gran obra maestra nos muestra con pasión todo lo acontecido dentro de el Blues. El profesor y músico, además de producir álbumes para bandas de Jazz. Es un celebre escritor de libros referentes al Jazz y el Blues. Llegando a tener estos una gran acogida entre los lectores y los críticos. Llegando a ganar varios premios y sellando los libros como Best-seller gracias a sus ventas. Ahora mismo en Estados Unidos se ha publicado su nueva obra: The birth (and death) of the cool. Esperando impacientemente su traducción al Castellano.

The best of the Gerry Mulligan quartet with Chet Baker (1991)

En la década de los '50, muchos músicos de la nueva ola del Jazz empezarían a buscar su valía dentro de la música profesional. Por otro lado ante el futuro tan prometedor y con tantos talentos jóvenes, los músicos ya asentados dentro de la industria musical. Buscarían en ellos nuevas miras para poder ampliar y no estancarse ante los nuevos sonidos que impregnarían por la noches los clubs de Jazz. En este caso fue Gerry Mulligan quien dio una oportunidad a un joven trompetista llamado Chet Baker. El joven trompetista se uniría al cuarteto que en esos momentos, el propio Mulligan habría decidido prescindir de piano, para poder intesificar su sonido, pero que a la hora de la practica quedaría un poco cojo. Notándose claramente su ausencia.  El resultado fue una unión de el dinamismo de Mulligan con la melancolía del Baker. Bajo este cuarteto grabarían varias sesiones, las cuales no llegarían a convencer a Mulligan, y que saldría en formato de The best, con lo mejor de las grabaciones que fueron hechas para el sello Pacific Jazz en 1953. Junto a ellos en dichas grabaciones estaría uno de los mejores baterías que dieron el mundo del Jazz como es Chico Hamilton. Sin duda es uno de los grandes maestros que todavía nos sigue dando alegrías musicales encima de un escenario.

Dentro de las grabaciones destacaría un tema que estaría presente en la carrera musical del propio Baker durante toda su vida "My funny valentine".

En el mismo año de la salida de las grabaciones, Gerry Mulligan fue detenido por consumo de heroína. Dando por acabado el cuarteto. Aunque el propio Mulligan nada más salir de el correccional se empeñaría en volver a contratar a Baker, el trompetista ya habría reconducido su propia carrera musical. Desestimando totalmente la oferta de su amigo. Eso si, ellos tendrían en un futuro la oportunidad de volver a salir juntos en un escenario años más tarde.

John Coltrane Art Blakey's Big Band and quintet (1957)

En 1957 un elenco de grandes figuras del Jazz, se unen al quinteto del batería Art Bakley para dar vida a una Big Band repleta estrellas de Jazz del momento. Ellos serían claros maestros de la cultura Bop de finales de los '50, que llegan a unirse al ritmo de swing, (en cierta medida) además de dejar clara su postura hacia los sonidos de el bop llevado a una banda de 15 músicos. En el álbum también hay un pequeño espacio para un par de canciones grabadas por el quinteto, siendo Coltrane testigo invitado que hará las delicias con su saxo.



Desde el puro sentimiento por el Blues y los compases melódicos a cargo de notas impregnadas de Bop. O las claras melodías que muchos músicos en las primeras décadas del siglo XX decoraban las películas de la edad de Oro, al cual fue bautizado como el Swing. Pero La Big Band de Art Blakey no llega a ser la usual Big Band que se dio a conocer en su plenitud. Muchos tachaban al nuevo estilo de surrealista y frio. En esta grabación reivindican un homenaje a sus antiguos sucesores, al mismo tiempo que marcan un nuevo camino al que seguir. Poniendo sus propios conocimientos dentro de un Swing que se codea con el Bop sin que ni uno de los dos pierda ni un ápice de fuerza. Con ellos estarían músicos de la talla de Donald Byrd, Idrees Sulieman, Bill Hardman,y Ray Copelan, como trompetistas, Melba Liston, Frank Rehak, y Jimmy Cleveland a los trombones, Sahib Shihab, y Bill Graham al saxo alto, John Coltrane, y Al Cohn, como saxo tenor, Bill Slapin como saxo baritono, Walter Bishop Jr. como pianista, Wendell Marshall al bajo y Art Blakey a la batería.

Bill Frisell - All We Are Saying : The Music of John Lennon (2011)

El prestigioso guitarrista de jazz ,Bill Frisell ha publicado este año un disco tributo a una de sus mayores influencias ,el beatle John Lennon .Después de haber hecho lo mismo en trabajos anteriores con Dylan y Madonna ,este 2011 lo encontramos con 16 canciones ,algunas conocidas y otras no tanto del creador de "Across the Universe" .Esta ves contó con la colaboración de su grupo de confianza (Jenny Scheinman , Tony Scherr, Greg Leisz y Kenny Wollesen) y la idea la tuvo en su cabeza desde la temprana edad de 13 años en su Colorado natal .
 "La música de John Lennon ha estado conmigo desde siempre, las canciones son parte de nosotros ,esta  en nuestra gen , nos hemos estado preparando toda la vida para esto ".
Y ha decir verdad tiene mucha razón ,seguramente este trabajo no sera el ultimo en homenajear a Sir John .
Principalmente inspirado por los sonidos de la World Music (Paul Motian, Thelonious Monk, Charles Ives, Sonny Rollins y John Zorn) ,Frisell en varias oportunidades se ha apartado del jazz y ha salido airoso en mas de una oportunidad y con "All We Are Saying" no es la excepción .
Un acertado tributo para los amantes del beatle como así también para con  sus seguidores jazzeros



 Bill Frisell - All We Are Saying (2011) The Music of John Lennon

 Tracks :

1. Across the Universe
2. Revolution
3. Nowhere Man
4. Imagine
5. Please Please Me
6. You've Got Hide Your Love Away
7. Hold On
8. In My Life
9. Come Together
10. Julia
11. Woman
12. #9 Dream
13. Love
14. Beautiful Boy
15. Mother
16. Give Peace a Chance
17. Strawberry Fields

Line up :

Bill Frisell (guitars)
Jenny Scheinman (violin)
Greg Leisz (steel guitars, guitars)
Tony Scherr (bass)
Kenny Wollesen (drums)

Bill Frisell - The making of.... "All We Are Saying"





Elvis Costello & Bill Frisell - If I Only Had a Brain

The Horace Silver Quintet Song for my father (1965)

Atraído por los nuevos ritmos que empezarían a expandirse dentro del Jazz de la mano de uno de los mayores saxos de su historia Charlie Parker y su bebop. Muchos músicos se subieron a ese dinamismo musical yendo un paso más hacia adelante, siendo mucho más agresivos, al mismo tiempo sin perder el aroma del sabor al Blues . También fusiono el Jazz con ritmos latinos como la bossa nova, el cual seria un ejemplo a la hora de seguir Stan Getz en su carrera musical. Horace Silver fue uno de los pianistas clave para poder llevar el hard bop a escena. Siempre franqueado por músicos de la talla de Joe Henderson, Blue Mitchel o Carmell Jones... Llegando a grabar uno de los mayores discos que tiene en su haber la historia del hardbop como es el "Song for my father", registrado en varias sesiones, entre los años 1963 y 1964 con dos quintetos, a los cuales estarían presentes Carmell Jones a la trompeta, Joe Henderson al saxo tenor, Teddy Smith en el bajo Roger Humphries a la batería, y un segundo con Blue Mitchel a la trompeta, Junior Cook al saxo tenor, Gene Taylor al bajo, y Roy Brooks a la batería, al mismo tiempo sien Horace Silver pianista y confeso unas grabaciones donde las fusión de estilos empezarían a dar forma una nueva moralidad de ver el Jazz moderno. Horace Silver se muestra muy clásico al mismo tiempo que dominante dentro de la estructura de sus canciones y a la vez que muy agresivo a la hora de enfocarlas, con una base muy simple que al poco tiempo va desatando un raudal de emociones con el codeo de unos grandes músicos que daban la talla en todo momento. Y es que querido lector así era el Jazz, imprevisible y con una pasión en cada nota desorbitada.

Martin Silva Tavares.

Nace en Norwalk, Connecticut (USA), sus comienzos musicales correrían a cargo de un saxofón, pero con el tiempo entraría el piano en su vida estableciéndose como su instrumento con el cual toca durante toda su carrera profesional. Su mayor influencia dentro del piano fue Bud Powell, músico clave para el bebop. Su primer grupo The Silver en forma de trio. Con ellos tocaría en el Cavo Verde cuando todavía era un músico amateur. En un concierto que dio Stan Getz en Hartford, el grupo de Silver fue el invitado a acompañarle, el propio Stan quedo tan impresionado que decidio contratar a los tres músicos.

En 1951 se traslada a vivir a New York donde daría conciertos todos los lunes por la noche en el emblemático Club de Birdland. Allí se ganaría una buena reputación llegando a firmar su primer contrato discográfico con el sello Blue Note. Con ellos grabaría álbumes hasta 1980. De esa alianza saldría grandes formaciones de grupos donde la más destacada sería el Jazz Messengers que creo junto a Art Blakey. La formación llegaría a durar unos 4 años, llegando a grabar el directo ofrecido en el Birdland "A night at Birdland vol. 1", al mismo tiempo que se haría músico de sesión llegando a grabar para el grupo de Miles Davis "All Stars" con quienes graba el álbum "Walkin'" en 1954. Este disco sería el último que llega a grabar fuera de la casa Blue Note, dedicándose exclusivamente a ella durante 26 años.

La consagración del Hard bop.
Uno de los grandes aspectos que tuvo su entrada en el sello de Blue Note, fue la total libertad que le dejo Alfred Lion, co-fundador del sello, a la hora de producir sus discos. Creando un nuevo estilo musical, en el que juntaba el rhythm-and-blues, y el Jazz con el gospel. Su música sería muy bien acogida por un numeroso publico el cual encontraban en el la melodía y al mismo tiempo la amplitud de los sonidos del bop. Este dejada de ser frio y en ocasiones menos técnico para pasar a ensayos más románticos y bailables. En su haber cuenta con la ayuda en sus obras de grandes talentos como Blue Mitchel, Hank Mobley o Junior Cook, llegando su mayor reconocimiento musical a finales de los '50. Con discos que pasarían a ser indiscutibles dentro de cualquier colección de la nueva época del Jazz moderno.

Horce Silver abandona Blue Note para crear su propio sello discográfico, su música se iria hacia caminos más espirituales y sus composiciones así lo reflejarían en discos como "Continuity of spirit" en 1985, también haría alguna colaboración durante la década de los '90. Muchos son los músicos que salieron a dar vida a el Jazz bajo la influencia de Silver y que con el tiempo se harían piezas fundamentales para dar continuidad al Hard Bop.  En la actualidad vive retirado del mundo de la música en California, siendo su familia su única ocupación.

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Lee Morgan:Tom Cat (1964)

En 1964 el trompetista Lee Morgan registra junto a su sexteto el álbum Tom Cat, el cual no llego a ver la luz hasta el 1981, siendo editado por el sello Blue Note. Junto a el estarían músicos de la talla de Art Blackey a la batería, Curtis Fuller al trombón, Jackie McLean al saxo alto, McCoy Tyner al piano, y Bob Cranshaw al bajo. El disco es toda una gran experiencia para la gente que se inicia dentro de el Bop. En el se registra composiciones muy básicas dentro de el movimiento del Jazz moderno de la última década de los '50 primera de los '60. A si mismo se puede apreciar a una banda en estado de gracia, con un empiece en el disco muy básico pasando por el recorrido de este ha hacer grandes virguerias.

Lee Morgan.
Edward Lee Morgan nació un 10 de julio de 1938 en Philadelphia. Sus inicios musicales irían ligados a el Vibráfono, pero el destino hizo que la trompeta fuera su mejor compañera musical desde los 13 años. Su primer profesor de música seria el trompetista Clifford Brown, al poco tiempo Morgan entra a formar parte en la banda de Dizzy Gillespie. Su aportación a la banda no sería muy duradera, ya que por motivos monetarios la banda de Gillespie desapareció de escena. Aunque este fuese un gran traspié para su carrera, esta misma se giraría a un enorme éxito siendo fichado por la casa Blue Note, figurando como a una de sus grandes estrellas del momento. En el sello llegaría a grabar junto a John Coltrane en su disco Blue Train de 1957, y después de su union a los Jazz messengers de Art Blakey en 1958. Blue Note sería su sello de confianza, con el que trabajaría durante toda su vida, a excepción de algún álbum que lo haría con Vee-Jay records.

Con los Jazz Messengers viviría su época más dulce dentro de su carrera a nivel profesional. En la banda se haría como compositor y a nivel de músico se iría creciendo dentro de una banda plagada de estrellas dentro del mundo del Bop. Pero todo lo bueno también tiene su lado malo, siendo la heroína su peor amigo que pudo haber cogido, teniendo que abandonar la banda en 1961 regresando el a su ciudad natal. Atrás quedaría grabados grandes álbumes como el "The freedom rider" o el "Moanin' ", por su cuenta llego a introducir en la banda al saxo Wayne Shoter.

 A su regreso a New York en la década de los '60, en 1963 graba el álbum The Sidewinder" en el 1963, siendo este su mayor éxito comercial, para después grabar "Search for the new land" que aunque no tuviese tanta repercusión si que llegaría a estar codeándose con los primeros puestos de las listas. Al poco tiempo se reúne por un tiempo breve al grupo de Jazz Messengers para ocupar la plaza bacante que dejaría Freddie Hubbard, la formación se llego a reunir con el saxo tenor John Gilmore filmando el programa Jazz seminal para la BBC . Tras su paso por las mayores listas de discos vendidos, Lee Morgan llego a grabar una veintena de álbumes como líder de la banda, además de tocar y grabar para músicos de la talla de Wayne Shorter, Stanley Turrentine, Joe Henderson, entre otros... Al final de la década se habría convertido en una de las mayores figuras del Jazz y al mismo tiempo se haría participe dentro de la política en el llamado Movimiento  social.

En sus últimos años de vida llega a grabar varios directos, además de sus apariciones en televisión, protestando por el poco caso que se les daba a los músicos de Jazz en aquella época. En una noche de 19 de febrero de 1972, Lee Morgan fue asesinado por su mujer en el Club donde iba a dar su actuación. Morgan no llegaría al escenario, recibiendo un disparo por su mujer en pleno corazón, muriendo casi al instante.

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Bill Evans The París concert Edition two (1979)

Si hubo un músico que dio un foque nuevo al piano re-diseñando toda su estructura. Este sin dudas fue Bill Evans, el padre del Jazz moderno. En su haber cuenta con la grabación de más de 50 discos por parte de la banda que lideraba el, más los discos que llego a grabar con músicos de la talla de Miles Davis, Charles Mingus, o Art Farmer entre otros...

Bill Evans dio un toque muy personal, pausado y melódico, al mismo tiempo que muy técnico y pasional. heredero de Horace Silver. Al mismo tiempo que Evans sería la pieza clave,y la mayor influencia musical de grandes pianistas como Herbie Hancock, Chick Corea, o Don Friedman...

William John Evans.
Nace en New Jersey un 16 de agosto de 1929. Su primer acercamiento a la música vendría de su madre, pianista no profesional que tocaba en la iglesia, ella era muy aficionada a los pianistas clásicos, la cual heredero a su hijo. Empezando a aprender piano en la propia iglesia de su madre, a la temprana edad de los 6 años. El piano no sería el único instrumento que aprendería a tocar, con 13 años sabía tocar también el violín y la flauta. A la edad de 12 años crearía su primera banda junto a su hermano Harry, ellos tocarían música clásica. Pero su pasión por el Jazz empezaría a brotar en el, ya que lo que realmente le gustaba hacer es improvisar. En 1940 conseguiría una beca en la universidad de Southearsten de Louisiana, llegando a graduarse con el concierto que dio, Bethoveen concierto's piano. Mostrando un alto nivel en conocimiento musical, en 1950. Ese mismo año se estrena dentro de la música profesional en la banda de Herbie Field's. Con ella cantaría la gran dama del Jazz Billie Holiday. Con ellos se completarían el trompetista Jimmy Nottinghan, el bajista Jim Aton y Frank Rosolino al trombón. Junto a ellos dieron varios shows por la costa este del país, dando grandes espectáculos en el teatro Apollo de Harlem Philadelphia, Baltimore y Whasington D.C. A su regreso a Chicago, tocaría a duo con el bajista Jim Aton y la preciosa voz de Lurlean Hunter. Al poco tiempo ingresa en el ejercito de Norteamericano. Una vez terminado su servicio en el ejercito Bill Evans se une al clarinetista  Tony Scott dando conciertos los dos en los Clubes nocturnos de New York.

Su carrera musical empezaría a tomar forma en los '50 llegando a consolidarse como unos de los mejores pianistas del nuevo Jazz, o el llamado Jazz de después de la segunda guerra mundial. Tocando composiciones de George Russell, pianista que se llego como uno de los primeros contribuyentes en la teoría de la música. En pocos años se haría un hueco en las grabaciones de grandes músicos como Charles Mingus, Nelson Oliver, Art Farmer. En 1956 graba el primer álbum con su propia banda para Riverside records, "New Jazz Conceptions". Dos años más tarde Miles Davis le ofrece un puesto dentro de su sexteto. El no duraría mucho dentro de la banda, pero de aquella formación dejaron grabadas cosas realmente increíbles. Como El "Flamenco Sketches" o el mítico álbum "Kind of Blue".

Con la entrada de la década de los '60, Bill Evans da forma a un nuevo trío junto a Scott LaFaro como bajista y el batería Paul Motian. Este fabuloso trío sería uno de los más nombrados dentro de la escena musical del Jazz en aquella época. El trío llegaría a grabar 4 álbumes, dos en estudio y dos en vivo. Su música se basaba en composiciones personales con una gran presencia de la improvisación. El nuevo trío para Bill Evans sería uno de los mejores que tuvo (por no decir el mejor) ya que la compenetración entre los tres músicos era totalmente perfecta. Ellos se sabían las reglas de cada uno de sus compañeros he hicieron que en realidad, encima de un escenario no hubiese un líder real sobre el. Los tres eran los lideres de aquella banda.

Con la entrada de la nueva década de los '70, a Bill Evans le saldría todo a pedir de boca. Ya en 1968 con la llegada a un nuevo trío, junto al batería Marty Morell y el bajista Eddie Gomez, (en el álbum From lefth to right contarían con el guitarrista Sam Brown) con el que más tiempo estaría hasta 1975. Y el fin a su adición a la heroína, lograría grabar unos cuantos álbumes, con los que llegaría a dejar un poco aparcado el piano clásico para ponerse en manos de el eléctrico. Con The Bill Evans álbum llegaría a ganar un premio Grammy,el álbum llegaron a presentarlo en directo en Japon, el cual se reflejaría en un nuevo disco en directo, "The Tokyo concert". En la gira europea se unirían a la gira de Stan Getz, de la gira se grabarían varias sesiones, las cuales fueron editadas en un álbum en el 1996. Los músicos que acompañaban a Evans eran muy buenos, pero la critica en aquellos días no les supo juzgar muy bien, poniéndolos como una época de poco crecimiento para el pianista.  En 1976 deja el grupo Morell para dar paso a Eliot Zigmud. Pero este trío no llegaría a editar nada en dos años. "I will say goddbye" y "You must believe in spring", el primero sería el último en grabar con el sello Fantasy records, mientras que el otro álbum no llegaría a ver la luz hasta después de su fallecimiento, quedando como un álbum póstumo. En 1978 vuelve a buscar nuevos músicos, llegando a decidirse por un viejo amigo, Joe LaBarbera y Marc Johnson, último trío del pianista antes de fallecer. Con ellos grabaría los dos volúmenes de los conciertos en París. Según el propio Evans este fue su mejor trío musical de su carrera.

Bill Evans fallece un 15 de septiembre de 1980, a la temprana edad de 51 años. Muchos han sido los músicos que han ido tributándole con numerosos discos desde su muerte hasta nuestros días. Entre los que se encuentran Pat Metheny, John McLaughlin, Herbie Hancock o los músicos que le acompañaron durante el recorrido de su carrera.

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Pat Metheny - What's It All About (2011)

El gran Pat Metheny durante sus descansos entre giras se calzaba la guitarra acústica y deleitaba al personal de su entorno ,un poco para amenizar y otro poco para ir redondeando una idea que le venia en mente hace rato , este año y por primera vez en su extensa carrera edita un trabajo enteramente con composiciones ajenas . "What’s It All About" ,un disco completamente acústico ,con diez clásicos que lo han marcado durante la juventud en su Missouri natal ,Paul Simon, The Beatles, Burt Bacharach, Antonio Carlos Jobim & Vinicious De Morais, Carly Simon y Henry Mancini en covers como solo este genial artista lo puede realizar ,grabado en solo una noche en el estudio de su casa de New York con su guitarra  barítono . Después de haber transitado por todas las corrientes del jazz con su grupo o en solitario , este ultimo tiempo a Metheny se le ha dado por inclinarse por esta faceta mas intimista como lo vimos reflejado en "One Quiet Night" del 2003 . Una realización cargada de buenas melodías llevadas a un terreno mágico como solo el enorme Pat lo puede hacer ,para dar prueba de ello deleitarse con "The Sound of Silence" de Paul Simon nos dará la razón


Pat Metheny - What's It All About (2011)
Nonesuch Records / Warner

Tracks :

1. The Sound of Silence (Paul Simon)
2. Cherish (Terry Kirkman)
3. Alfie (Burt Bacharach & Hal David)
4. Pipeline (Bob Spickard & Brian Carman)
5. Garota de Ipanema (Antonio Carlos Jobim & Vinicius de Moraes)
6. Rainy Days and Mondays (Roger S. Nichols & Paul H. Williams)
7. That's the Way I've Always Heard It Should Be (Carly Simon & Jacob Brackman)
8. Slow Hot Wind (Henry Mancini & Normal Gimbel)
9. Betcha by Golly, Wow (Thomas Bell & Linda Creed)
10. And I Love Her (Lennon y McCartney)

Line up :

Pat Metheny (guitarra baritono, guitarra Pikasso de 42 cuerdas, guitarra de seis cuerdas, guitarra de cuerdas de nylon)

WEB

MYSPACE



Pat Metheny - The Sound Of Silence! (Paul Simon)




Pat Metheny - And I Love Her (The Beatles)

Rosemary Clooney Selected recordings 1945-2001

En la década de 1950 una de las voces más majestuosas que tuvo el cine en clave de Jazz fue Rosemary Clooney. Pero sus inicios no fueron muy buenos para su propia carrera musical. Llegando a cantar composiciones que pasarían más que desapercibidas por aquella época. Y a la postre se vería deteriorada y alejada de los escenarios por varias crisis personales. Su voz muy melancólica a la misma vez que dulce y serena impregnaba los escenarios y  a las películas las cuales llego a protagonizar, como "Aquí vienen las mujeres". Comedía de 1953 que llego a compartir el reparto con Tony Martin, Bob Hope y Arlene Dahl. De su discografía se destaca el álbum Blue Rose, grabado junto a Duke Ellington.

Rosemary Clooney.

Nace en Maysville un 23 de mayo de 1928. Ella era hija de emigrantes europeos la cual la educaron bajo la estricta educación católica. A la edad de 15 años sus padres se separan quedándose ella y su hermana Betty viviendo con su padre. Su hermano Nick (padre del famoso actor George Clooney) se marcharía con su madre a vivir a California. Su carrera musical daría comienzo en 1946 con la Big Band de Tony Pastor, con la que estaría 3 años, llegando ha hacer varias grabaciones. En 1949 empezaría su carrera musical en solitario. Su primer álbum "Come on-a my house" en 1951, este sería grabado por Mitch Miller. El disco obtuvo un gran éxito en ventas, pero el resultado de el no le sería del todo grato para la cantante, la cual no le gustaba nada. Sobretodo el tema principal el cual ella se negaba a grabarlo. La discográfica la enseño el contrato por el cual ella no tuvo más remedio de hacerlo. Un año más tarde se uniría a Marlene Dietrich como dúo musical, grabando varias canciones.

En 1954 daría el salto a las grandes pantallas de cine con la película "White Chritsmas". Bing Crosby, Danny Kaye y Vera-Ellen serían sus compañeros de reparto. La película fue muy bien recibida por el público. Con lo que la ofrecerían dar un programa en televisivo en la franja horaria donde más publico había. Así fue como en 1956 nacería el Show de Rosemary Clooney, el cual fue un éxito muy caduco, durando solo dos temporadas. La segunda temporada la hizo con la NBC. Pero no sería la última vez en salir en un programa televisivo, ya que acompañaría a su amigo Bing Crosby en varios especiales durante 2 años más. En esos momentos ya se había estrenado con su nueva compañía discográfica. Rompiendo lazos con la Columbia pasando muy desapercibida por la MGM records, hasta que se unió con la RCA Victor records. Todo en el 1958. Hasta 1966 grabaría con 3 discográficas más, pasando por la Reprise records, Dot records y United Artist records. Rosemary se uniría al candidato demócrata  Bobby Kennedy. Pero este fue asesinado en 1968, y Rosemary tuvo una crisis muy profunda, llegado a alejarse de los escenarios durante una década. Ella volvería en el 1977 con un nuevo disco bajo el brazo, "Everything's coming up Rosie". El álbum fue grabado para Concorde records, el cual grabaría unas 25 canciones. El disco contiene 10 canciones el resto de editan en varios álbumes hasta el 2002, año en el que fallecería. En las décadas de los '80 y '90 de dedicaría a la televisión en el terreno de la interpretación como en el musical. Apareciendo en series como "Fraiser" en 1993.

En 2002 recibe el premio Gammy por su trayectoria musical. Ese mismo año un 23 de junio fallece de cáncer de pulmón. Su último concierto lo dio en Hawaii en enero del mismo año. En el concierto presentaría su última canción "God bless América"

109 años de Barbecue Bob

Uno de los grandes guitarristas pioneros dentro del Blues fue Robert Hicks, o más conocido por su apodo Barbecue Bob, apodado así por su primer trabajo como cocinero. El fue una pieza fundamental en el Blues de Atlanta de la década de 1920.

Robert Hicks.

Robert Hicks nace en el estado de Georgia un 11 de septiembre de 1902. La madre de otro de los pesos pesados del Blues Slim Gordon fue quien les enseñaría a tocar la guitarra a el, a su hermano y a su hijo. Ellos tres se juntan a Eddie Mapp un armonicista con lo que formarían su primer grupo. En 1925 se muda a Atlanta donde trabajaría en varios oficios donde el más reconocido fue el de cocinero. 2 años después grabaría para la Columbia records, Sus primeras grabaciones serían un éxito de ventas. Robert se decantaría con la guitarra de 12 cuerdas en las grabaciones, pero el en directo sacaría la guitarra de 6 cuerdas. Según cuentan sería el Bluesman que mas llego a vender en la década de 1920. En aquellos años se uniría a Nellie Florence, amiga desde la infancia de Robert con la que graba un single. Con la llegada de la década de los '30 y la terrible depresión que se avecinaba al país, el empezaría a tocar folk americano y canciones religiosas. Siempre siendo un guitarrista de Blues por delante de todo. En aquellos años se une a Curley Weaver y Buddy Moss. Ellos 3 llegarían ha hacer varios registros musicales, entre los que se encuentran "Diddle-Da-Diddle ".

Con un registro de 68 canciones grabadas. En 1931 su mujer muere a causa de una pulmonía, meses después,  Robert Hicks fallece un 29 de octubre de la misma forma, causada por un ataque de influeza a la edad de 29 años.

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Joe Lovano Us Five - Bird Songs (2011)

Metido de lleno en el jazz por parte de su padre también músico ,Joe Lovano es uno de los saxofonistas mas trascendentales del panorama actual . Este año ha sacado a la calle un nuevo trabajo junto a su banda "Us Five" que cuenta entre sus filas a la multipremiada contrabajista Esperanza Spalding y bajo la tutela de Blue Note Record su disco numero veinte titulado "Bird Songs" que como bien reza en su titulo abarca el catalogo de canciones de uno de los mas prestigiosos músicos del siglo pasado llamado Charlie  Parker .En el mismo deja bien en claro que el legado de "Bird" goza de muy buena salud a través de esta obra ,clásicos como  "Donna Lee", "Moose The Mooche", "Ko Ko" o "Yardbird Suite" son entonados por Lovano y su quinteto de una manera un tanto arriesgada pero con acertado final a mi gusto ,demostrando una ves mas que esta unión que empezó con "Folk Art" del 2009 nos seguirá deparando alegrías sonoras de la mano de este innovador nacido en Cleveland en 1952 . Una mirada propia del gran Joe .


 Joe Lovano - Us Five Bird Songs [2011] Blue Note Records.

 Tracklist :

01. Passport
02. Donna Lee
03. Barbados
04. Moose the Mooche
05. Loverman
06. Birdyard
07. Ko Ko
08. Blues Collage
09. Dexterity
10. Dewey Square
11. Yardbird Suite

Line up :

Joe Lovano: Saxo Tenor, mezzo soprano y aulochrome.
James Weidman: Piano.
Esperanza Spalding: Contrabajo.
Ottis Brown III: Batería y Percusión.
Francisco Mela: Batería y Percusión.


Joe Lovano - Ko Ko.



Joe Lovano & Us Five - Barbados

Ted Heath Swing session (1959)

Aunque en los finales de la década de los '60, las grandes Big Band ya eran un recuerdo del pasado. Todavía había directores orquestales que llegaban a hacer maravillas como este suculento directo grabado en el Kingsway Hall por Ted Heath. Mostrando que la música Swing no era ni por mucho una moda pasajera de antes de la segunda guerra mundial. Si no que todavía había bandas que podrían hacer cosas tan espectaculares, que hoy en día es como si pudiesen estar tocando en cualquier anfiteatro y desprender la magia que en su día lograron conmover a un mundo musical. Su música era muy agradable, muy humorística, sin llegar a ser un gran showman como fue Fast Waller, pero desprendía humor a raudales, haciendo sus conciertos una gran experiencia tanto musical como escénica.

Meterte en estos momentos en la música de Ted Heath es como meterte en una de las bandas sonoras de los hermanos Marx (Ted Heath llego a grabar varias bandas sonoras pero no me consta que realizase alguna junto a ellos), y si nos vamos más allá, en una época donde esta es la banda sonora que muchos han podido recordar viejas películas de la edad de Oro americana donde el cine humor o musical dejaban dar sus pasos y sus pasiones tras los sonidos de una banda de metales con su pianista marcado los gestos de grandes actores.

Ted Heath.
George Edward Heath es un ingles nacido en Wandsworth al sur de Londres un 3 de marzo de 1902. Su pasión por la música fue heredada por su padre, músico también de una banda de su ciudad natal. El en un principio empezaría a tocar el cuerno, pero su instrumento con el que se decanto fue el trombón. Tras la primer guerra mundial, sería difícil la subsistencia para su familia, llegándose a ganar el pan de cada día con una banda que formaría junto a otros dos amigos. Ellos llegarían a tocar para los viajeros del tren en una estación de Londres, al mismo tiempo que sería músicos de calle. En una de sus actuaciones fue visto por Jack Hilton, líder de una banda de músicos de Bolton. Músico heredero de las Big Band americanas que impregnaba las radios y los teatros de la capital de Inglaterra. La experiencia con la Big Badn de Hilton no fue en muy agradable resintiendo su poca experiencia, siendo muy corta su experiencia dentro de la banda, pero que al mismo tiempo le serviría para animarle a seguir en el mundo de la música. La década de los años '20 le darían una nueva oportunidad para encontrarse delante de un público mucho más amplio, llegando a visitar países de la Europa del Este. Con el estaría Benny Payton, el cual le enseñaría todo lo que tenia que saber sobre el mundo del Jazz. Sus logros musicales fueron infinitos pero en lo económico no conseguiría dar un salto hacia adelante, llegando a pasarlas bastante mal. Otra de sus primeras incorporaciones al mudo del Jazz sería de la mano del Estadounidense Al Starita. O la orquesta de Bert Ambrose, el cual le enseño todas las cualidades que había que tener para se un director de orquesta. Ya en la década de los '30 se asentaría como uno de los grandes trombonistas de Inglaterra, hasta que a finales de la década estalla la segunda guerra mundial. Así disolviéndose la banda en la que tocaba. Ted decide embarcarse hacia el oriente medio para animar a las tropas inglesas junto a la banda de Geraldo. En esta gira gracias a un poema de su mujer, el escribiría una de las composiciones que le salvarían económicamente "That lovely weekend" junto a otra composición "Gonna Love That Guy", harían inca pie para poder formar su propia banda.

Ya con su propia banda, en la década de los '40.Ted se basaría en la música de Glenn Miller, ellos dos se conocerían durante una visita de Miller a Inglaterra. Lo cual le gusto mucho la idea de plasmar una orquesta de Swing en el viejo continente, el cual le dio consejo para llevarlo a cabo.
A pesar de su gran curriculum al director de la cadena de radio de la BBC no le convencía el echo de meter aun banda con tantos músicos para tocar swing retransmitido por la radio. La banda fue apodada como All Star Band, y en 1944 logra grabar un programa para la misma BBC. Sus comienzos como banda no podrían ser mejores, haciéndose un hueco permanente en la propia BBC y girando por Europa o en el mismo Londres junto a Ella Fitzgerald. En aquellos años la industria cinematográfica inglesa, vería en la MGM un punto de partida para poder hacer sus producciones basándose en el éxito cinematográfico que esta compañía estaría recogiendo en aquellos momentos. Par ello  se involucraron junto a Ted Heath para componerles las bandas sonoras.

Su primera gira americana sería con la presencia de el pianista americano Nat King Cole. Su primera experiencia en la gira americana también vendría acompañada de malos presagios. La falta de coordinación de la propia empresa que llevaba el instrumental de la banda o los ataques contra el propio Nat King Cole, a cargo de grupos racistas blancos. Ted Heath estuvo siempre presente hasta la muerte de el pianista. Su fama se engrandecería tanto en su país de origen Inglaterra como en el mundo. En su discografía se ha llegado a contar con más de 100 álbumes grabados, su música ha sido reconocida por muchos críticos y músicos. Llegandole alagos por parte de músicos de la talla de Count Basie, Glenn Miller o Woody Herman entre otros.

Su muerte le vino en el 1969, dejando a una banda como tributo a su carrera. La cual pondría su música en los escenarios hasta el diciembre de el 2000.

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Miles Davis Bitches Brew (1970)

Llegado el fin de la década de los '60. El Jazz con muchas de sus figuras más representativas ya fallecidas pedía un nuevo cambio. Un rumbo para no quedarse estancado, los músicos de Rock se acercaban más a la vieja industria y los de Jazz empezaban a rejuvenecerse fusionando sus instrumentos con nuevos ritmos como el Rock, Funk... años más tarde el Hip-Hop o la electrónica. Pero hubo una figura que realmente llego a hacer girar el mundo de la música hacia un lado. Siendo la admiración de grandes músicos y sobretodo del trompetista Miles Davis. Fue sin duda Jimi Hendrix ellos dos conectaron rápidamente uniéndolos dos pasiones, el mundo de la música y Betty Mabry. En una de sus biografías el propio Miles Davis llego a comentar que una de sus grandes penas era la de no haber grabado nada al lado de Hendrix. El destino no les quiso cruzar en un mismo estudio de grabación, y eso que el pacto estaba echo para que grabasen un álbum. Pero la muerte de el guitarrista hizo que eso quedase en un proyecto...nada más.

Bitches Brew no sería el primer disco en el que Miles fusionara su música, pero si que es uno de los más grandes que a llegado a grabar. La época de grabar con un cuarteto o un septeto ya había acabado para el, llegando a contratar a músicos de sesión para grabar distintos temas del disco. Crear ambientes diferentes en cada una de las canciones. Dentro de la formacion que iria de gira para tocar con el en directo ya empezarían a sonar con más frecuencia nombres como Chick Corea, Herbie Hancock o John McLaughlin...

Al igual que todas sus grandes obras, Miles Davis se fue con un par de ideas y dejo que la música fluyera dentro de las grabaciones, sabiéndose rodear todo el momento con el músico exacto que el quería para cada canción, desde el principio con "Pharaoh's dance" o la propia que da nombre al disco "Bitches brew", las más largas del disco con momentos realmente espectaculares. Escucharlas es como meterte en un laberinto, al principio siempre andarás totalmente perdido, luego compruebas que muchas puertas dan al mismo sitio, pero si empiezas a saborear cada una de sus notas vivirás uno de los momentos más espectaculares que hayas tenido dentro de el mundo de la música. Para al final terminar saliendo pero con el buen sabor de volver a entrar.

La segunda parte del disco lo abre con la llave española, "Spanish key" seguida por "John Mclaughlin" en la cual improvisa el mismo guitarrista solo y punteos dentro de una canción que si fuera pintada, diría que enmarcaría dentro de una obra de Dalí. Llegando a los últimos momentos con "Miles runs the Voodoo down"o "Sanctuary" esta última con el empiece de Wayne Shorter, muy denso y emotivo, poniendo una linea más clásica a las composiciones, impregnadas de un teclado eléctrico, cediendo la batuta poco a poco a la trompeta de Miles Davis.

Desde la propia portada, pasando por el elenco de músicos que le rodean en una de sus mayores obras. Siendo uno de sus riesgos mayores que tuvo en su carrera músical, donde cada nota que llegaba a tocar o componer era pura poesia. En la edición de 1999 se incluyo una cancion que quedo fuera del disco en su día, "Feio".

¡Feliz cumpleaños Sonny Rollins!

Sonny Rollins es uno de los saxofonistas más longevos de la nueva era del Jazz, con sus 81 años.  Habiendo inmortalizado su saxo en grabaciones junto a Miles Davis, Art Farmer, o los propios Rolling Stones en el disco "Tattoo you (1981)". También representa un gran legado hacia una generación, de la cual es único superviviente. Poniendo voz y memoria a todos los que hoy ya no están para poder contarlo. Por otro lado se dice que el propio Sonny Rollins se tomaba algun tiempo de descanso, pero que por las noches se iba a un puente a tocar su saxo .

Sonny Rollins.

Theodore Walter nació en New York tal día como hoy en 1930. Su primer instrumento fue un  saxo pero el se iniciaría a la música con el piano pasando al saxo alto para final quedarse en el 1946 como saxo tenor. En sus comienzos con la música se vería rodeado de jóvenes talentos como Jackie McLean, Drew y Kenny, Art Taylor. De todos los nuevos talentos del grupo el sería el primero en hacer un registro musical. Este sería junto a Babs Gonzales bajo la atenta mirada de J. J. Johnson que hizo los arreglos de la grabación. Pero su carrera pudo verse frustrada en los al principio de la década de los '50, al verse encerrado entre rejas por culpa de su adición a la droga y ser acusado por cometer un atraco a mano armada. Una vez rehabilitado se une a artistas de la talla de Louis Jordan atraído por el sonido del R&B. Pero no tardaría en volver a los sonidos más clásicos del Bebop, llegando a coger el saxo tenor. Su habilidad a la hora de tocar el saxo le llevaría a la banda de Modern Quatert Band llegando a tocar junto a Miles Davis o Thelonious Monk. Muy rápido llegaría a su nivel más alto en lo que se refiere musicalmente hablando. Llegando a estar en la grabación del primer quinteto dirigido por Miles Davis en 1951, hasta que en 1954 llega a grabar  un álbum muy emblemático dentro de su larga trayectoria musical. Con canciones como "Oleo" o "Doxy" alcanzado la cumbre junto a Miles Davis. Con el cual al poco tiempo abandona el quinteto para unirse a la formación de Clifford Brown y Max Roach. Al poco tiempo son sorprendidos por la muerte de Brown, a la edad de 25 años. Dejando a el propio Rollins como líder de el quinteto, convertido en cuarteto. Ya que no sustituyeron el hueco vacío que quedo Brown. Un año más tarde graba para Prestige su álbum más famoso, "Saxophone colossus".

En 1957 decide dejar la formación como trío, prescindiendo de el piano. Pero no sería de forma definitiva, ya que en formaciones que haría más adelante introduciría al cuarteto de nuevo como en la grabación de Newk's time, esta vez con Wynton Kelly como pianista.

En 1958 graba un álbum con una fuerte critica hacia la política-social de Estados unidos. Denunciando el acoso y el racismo que había contra la raza negra, bajo el nombre de Freedom suite. La compañía discográfica lo retiro rápidamente del mercado, re-editandolo en un futuro bajo el nombre de " Shadow waltz". En 1959 se toma unos años sabaticos volviendo a escena en el 1962 con uno de sus álbumes más emblemáticos, "The bridge", el propio saxofonista dejo a un lado su linea más clásica mezclando otra clase de sonidos musicales a sus obras, llevando a hacer una especie de Jazz fusión con sonidos latinos. en la década de los '60 se une al sello discografico capitaneado por el flamante John Coltrane Impulse!. Sonny Rollins graba 4 álbumes, el cual destaco la banda sonora de la película protagonizada por Michael Kane Alfie.

Como era costumbre en su vida. En la década de los '70 se volvería a coger otros años sabáticos. Para volver impulsado por la nuevas olas de Rock, Pop o el funk. Llegando a grabar su saxo en el disco de su majestades satánicas "The Rolling Stones" para el álbum Tattoo you (1981). En 1986 Robert Mugge le rinde homenaje mediante un documental con el nombre de su disco mas reclamado dentro de su carrera musical Saxophone colossus.

 En la década de el nuevo milenio, recibiría varios galardones entre los que están un Grammy en el 2001 al mejor álbum de Jazz, y otro a su larga trayectoria en el 2004. Sonny Rollins recibe de manos del presidente Barack Obama la medalla nacional de las artes en el 2010.

Fats Waller The Essencial collection

Hablar de Fats Waller es hablar de uno de los iconos que tuvo el Jazz a principios de el siglo XX. Amigo intimo de Louis Armstrong, tocarían juntos en el grupo William's Blue Five en el club de Harlem Hofer's. Justamente cuando Duke Ellington era la máxima figura dentro de el mundo del Jazz. A mediados de la década de los '20. El aparte de músico sería actor cómico.

Fats Waller.

Nace el 21 de mayo de 1904, su nombre real era Thomas Wright Waller. A la temprana edad de 6 años se inicio en el piano y a los 10 de gradúa en la iglesia de su padre, predicador Baptista. 4 años después debuta tocando el órgano en el Lincoln Theater de el famoso barrio de Harlem. . en 1919 el compone su primera canción, la cual no llega a grabarse hasta el 1922 donde registra sus primeras composiciones.Después de ganar un concurso de jovenes talentos al piano, conoce a James P. Johnson representante de la escuela de Harlem strider piano, llegandole a apadrinar. Fast Waller fue uno de los músicos que mejor supieron canalizar el sonido de aquella época, teniendo en su haber grandes grabaciones "Honeysuckle rose" cuya canción fue compuesta por el y Andy Razaf. Fast Waller también tuvo un tiempo de polémicas en sus creaciones. Al principio Fast compuso canciones entre las décadas de los '20 y '30, que poco o nada le daban para poder subsistir, pero al parecer cuando esta grabaciones empezaron a dar sus frutos. Muchos músicos quisieron hacerse con ellas, denunciando que esas composiciones eran suyas. Fats Waller se junta a su amigo Spencer Williams y cruzan el Átlantico para buscar fortuna en el continente europeo, llegando a tocar en París, pero que poco o nada de éxito encontraron, teniendo que pedir dinero para poder volver al continente americano. A su llegada, como si de un milagro se tratase, las cosas habían cambiado mucho y la industria tanto musical como cinematográfica les abrieron las puertas del éxito. Colmados de grabaciones de discos y actuaciones el los programas radiofónicos bajo el nombre de Fast Waller and his Rythm.

El éxito le llego  traer otra vez a Europa tocando en Londres y Escandinavia. Llegando hacer alguna grabación en la visita a Europa. Poco antes de fallecer, en 1943 protagoniza una comedia junto a Benny Carter, Art Tatum, Mary Lou Williams, Joe Sullivan, y Ernol Garner. Producida por 20 th century fox y producida por Andrew Stoner. El éxito fue asegurado desde el principio, llegándose a ganar muy fácilmente a el público.

En una noche de navidad, Fats volvía a su casa en un tren de noche. La calefacción se estropeo y el músico murió de pulmonía. En su haber tiene más de 500 canciones compuestas y en el 2004 se le rindió tributo en el 100 aniversario de su nacimiento.

Biografia.

Art Pepper The Savoy recordings (2006)

Dicen los críticos musicales, que después de la muerte de Charlie Parker, al Jazz todavía le quedaba a Art Pepper. El fue sin duda uno de los mejores legados que tuvo el gran BIRD. Según se llego a comentar el único que le podría hacer frente a las manos de un saxo pero que vivió en la sombra de BIRD hasta su fallecimiento.

Art Pepper.
Su nombre real era Arthur Edward Pepper Jr. nació en Gardena (California) un 1 de septiembre de 1925. Su infancia estaría atormentada por unos padres alcohólicos. Su nacimiento fue para ellos un imprevisto llegando su madre ha hacer todo lo posible para abortar, pero el destino hizo que el pequeño naciese, teniendo que vivir con su abuela durante su infancia. Un crio bajo y muy delgado al cual de vez en cuando le visitaba su padre, al cual tenia una gran admiración.

Su carrera musical empezaría en la década de los '40. Junto  Benny Carter y Stan Kenton.Siendo uno de los saxos con más renombre el el Jazz de la costa oeste, junto a Dizzy Gillespie, Miles davis y Charlies Parker. Al cual la revista Readers publico una lista de los mejores saxofonistas del momento en 1952, poniendo a Charlie Parker en primer lugar seguido de Art Pepper. A lo largo de su carrera llegaría a tocar con músicos de la talla de Elvin Jones, Johnny Griffin o Richi Cole entre otros...

Su saxo estaba impregnado de sensibilidad, de fuerza con un sonido muy envolvente. Brilliant Jazz recupera en el 2006,  un doble cd sus grabaciones con la casa Savoy.