Mingus AH Um es un disco tributo que el gran contrabajista Charles Mingus grabo en el 1959, homenajeando a los músicos que le hicieron amar a la música, teniéndola como un fiel devoto a los sonidos más clásicos del Jazz, al las nuevas tendencias del Jazz como el Bebop, o hacia el Blues. En el disco suenan compases de Duke Ellington, Jelly Roll Morton, o Charlie Parker, además de un sentido homenaje a el saxo Lester Young, el cual acababa de fallecer. Este disco no es un disco homenaje tal y como se puede comprender. Los discos homenajes están hechos a base de interpretar canciones de otros artistas. En Mingus AH Um recoge todas las técnicas de estos grandes maestros y las utiliza para crear canciones propias, siempre con la mirada detonante de los grandes maestros.
Goodbye pork pie hat es un tema que el propio Mingus escribió tras la muerte de el saxofonista Lester Young. Con el paso del tiempo, la canción se re-bautizaría bajo el nombre de Theme for Lester Young. 20 años despues la cantante Joni Mitchell la pondría letra dentro del álbum que realizarían los dos músicos juntos, en Mingus'79.
El álbum estaría compuesto en su primera edición de 9 canciones para el sello discográfico Columbia, bajo la producción de Teo Macero (Miles Davis, Duke Ellington, Stan Getz, Tony Bennett). El mismo tuvo una gran acogida, llegando a ser clasificado como uno de los 50 mejores álbumes según la biblioteca del congreso en Estados Unidos.
En su 50 aniversario, el disco ve una nueva edición con 3 grabaciones recuperadas de las sesiones. Ya que el disco sufrió unos cuantos recortes en lo que se refiere musicalmente. Debido al escaso presupuesto que tuvieron en el. Este es otro gran disco a tener en cuenta.
Otro de los discos más enigmáticos dentro de la carrera musical del trompetista Miles Davis es este 'Round about midnight, grabado en los estudios de el sello discográfico Columbia entre octubre de 1955 y junio y septiembre de 1956. Junto a Miles estaría una de las mejores formaciones que ha llegado a tener Miles para mi. En el saxo estaría John Coltrane, al piano Red Garland, al bajo Paul Chambers y como maestro de batería "Philly Joe" Jones. El resultado de las grabaciones sería este esplendido álbum que vería su salida al mercado en el 1957.
Nunca me cansare de mencionar la magia que desprendían el dúo Davis/Coltrane, dos músicos que sabían bien encontrarse en el punto exacto. Para Miles Davis, la canción 'Round about midnight sería un antes y un después dentro de su vida personal. La canción fue compuesta por Thelonius Monk en 1944, anticipándose mucho a las nuevas tendencias que llegarían una década después y con un resultado totalmente nefasto. Siendo muy criticado por un publico que aun estaban recogiendo las grandes mieles del sonido Swing. Viendo al Bebop como algo frio. En 1955 junto a una sesión de varios músicos en los que se encontraban Percy Heath y Connie Kay. Miles Davis toco por primera vez este gran tema, acababa de salir de la adición de las drogas. El propio publico o la prensa llegaron a decir que la forma de tocar de Miles era totalmente distinta, que había avanzado mucho después de superar sus adiciones. Pero a Miles no le llego a gustar mucho este tipo de cumplido, ya que el llego a manifestar que su técnica no había cambiado en ni un momento.
El disco llego a tener una gran acogida, tanto como el publico como para los críticos musicales. El cual lo llegaron a considerar como un paso entre los sonidos del Bebop y el Hard bop. Melódico al mismo tiempo que un tanto agresivo. Con unos momentos de ritmos desenfrenados aderezados por el gran pianista Red Garland. El cual aprendió la técnica de golpeo de uno de los más grandes maestros del Jazz e inventor de Hard bop, Horace Silver.
En el 2002 el disco será re-editado con cuatro bonus tracks, y un segundo disco en el que aparece el concierto que ofrecieron en el festival de Jazz del Pacífico en 1956. Si quereis adentraros en el mundo musical de Miles Davis, 'Round about midnight es uno de los discos que hay que tener.
El trompetista y compositor Louis Armstrong en 1955 lanza un álbum tributo en la memoria de su amigo Fats Waller. Aunque ellos dos estuvieron en muy pocas ocasiones tocando música. Solo llegando a realizar dos sesiones a mediados y finales de 1920. La magia que desprendía el mítico pianista, llego a conmover al propio Armstrong. Dejando una huella patente dentro de su carrera musical. Decidiendo rendirlo homenaje como tributo a una carrera musical, que se apago un invierno de 1943.
El disco original tiene unas 9 canciones, cantadas por el propio Armstrong y Velma Middleton. El cual sería editado en el 2000 por el sello discográfico Columbia/ Legacy con 11 canciones extra, de las cuales 4 son tomas alternativas.
Formación:
Louis Armstrong.- trompeta y voz.
Trummy Young.- trombón.
Barney Bigard.- clarinete.
Billy Kyle.- piano.
Arvell Shaw.- bajo.
Barrett Deems.- batería.
Velma Middleton.- voz
Tossed Salads and Scrambled Eggs es el tema principal de la serie de el Doctor Crane Frasier, en Frasier. La canción fue elegida por la particularidad que hay en sus letras y el tema de trabajo que llevaba el doctor Frasier dentro de el mundo de la radio. Siendo este un locutor analista. La canción esta interpretada por el actor que da vida al doctor Fraiser, Kelsey Grammer, la canción estaría compuesta por Bill Jennings.
The Dave Brubeck quartet es un grupo formado por el pianista Dave Brubeck y el saxofonista Paul Desmond. En el diccionario de Jazz de MANOM TROPO considera al cuarteto como una de las mayores bandas de todos los tiempos. Siendo esta admirada por las revistas de finales de los '50, como una de las bandas más innovadoras en esos tiempos, recogiendo todo tipo de halagos cuando editaron este maravilloso álbum. Un disco grabado en directo dentro de un tour universitario en 1954, llegando a recoger grabaciones en varias universidades.
Si en la anterior entrada hablaba de la canción compuesta por Billy Strayhorn, Take the "A" train, personalizada por el gran Duke Ellington en tono de Swing, esta vez nos volvemos a encontrarnos con ella pero a modo de bebop. En esta ocasión se suprimen las letras para dar varios compases por el pianista Brubeck, haciéndonos alguna delicia a manos del saxo alto Paul Desmod.
Producido por George Avakian (Benny Goodman, Louis Arsmtrong) el disco recoge 7 grabaciones con una banda formidable. Junto a Brubeck y Desmond estarían Bob Bates al contrabajo y Joe Dodge a la batería.
Cuando los sonidos del Jazz estaban a punto de girar hacia otro lado, muy diferente al Swing. Todavía había grandes maestros que demostrarían lo mucho que quedaba por decir. Para mi Duke Ellington fue el padre de la primera época del Jazz, el más grande sin diferencia posible. El recogió todos los elementos y creo las mejores melodías, a tenor capricho de poder encontrarse con unos músicos en boga. Músicos que estarían a punto de introducirse dentro de un estilo musical, que se llegaría a ramificar en muchas direcciones. Pero que en mucho de los casos de ellos, elegirían los caminos de las grandes Big band como carrera profesional dentro de la música. Ellington uptown fue grabado entre 1947 y 1952, en las ciudades de New York y Fresno (California). En una época en donde los críticos ya empezaban a percibir las horas más bajas del grandioso compositor. Pero en contra de todas esas quinielas, el propio pianista deja grabada otra obra maestra repartida en 5 canciones. Viendo en su edición del 2004, 8 bonus tracks, con canciones del disco Liberian suite '47.
El disco empieza con una fabulosa Skin deep, en ella se refleja a un soberbio batería Louis Bellson (siendo el quien firma esta maravillosa canción). Otro de los grandes músicos a estudiar si queréis meteros dentro de la técnica de las percusiones. El valía tanto para canciones muy swing, muy movidas muy rapidas, con un toque bailable muy alto. Con una destreza muy agresiva, pero que también daba cabida a canciones lentas y melódicas. Para mi Louis Bellson fue uno de los baterías con una personalidad muy definida, con un toque personal donde se hacía presente en muchas de sus grandes composiciones, tanto acompañando a músicos de la talla de Ella Fiztgerald, Benny Goodman, Count Basie, o con las bandas que el llego a liderar. Siendo al mismo tiempo compositor y director de orquesta. En el disco original saldría el como único batería que llego a grabarlo. En su edición del 2004, Bellson llega a grabar las primeras 7 pistas, mientras que en las restantes aparece Sonny Greer. Batería muy asociado a Duke Ellington en toda su carrera musical.
Muchas son las revisiones que se han llegado ha hacer sobre el tema mítico por Ellington Take the "A" train. Canción compuesta por Billy Strayhorn, siendo la canción como el tema estrella de la banda de Duke Ellington. El cual a llegado a ser grabado junto a Ella Fitzgerald o Betty Roché en esta ocasión. La letra de la canción es una invitación a subir a un tren que te llevara a los lugares más apasionantes de Harlem, siendo esta la canción cabecera de todos sus conciertos. Duke Ellington llego a decir que Betty Roché era una gran dama con una poderosa voz de Soul, la cual nunca llego a imitar a nadie. Su voz era muy personal, dulce y contagioso, que te atrapaba desde el primer momento. Betty Roché se unió a la Big Band de Duke Ellington, a principios de la década de los '40.
Duke Ellington fue un padre inspirador para muchos músicos. Siendo sus grandes orquestas, una gran lanzadera para gente joven con un gran talento. Muy pocos músicos que han llegado a triunfar dentro del Jazz de la primera época, no han pasado por alguna orquesta de Duke Elington. Hoy en día su música sigue presente en las nuevas Big Band.
Lioness es el mayor legado que nos ha podido dejar Amy Winehouse, tras su triste fallecimiento. Una gran voz que llevo a todos sus extremos el significado de gran diva del Jazz. Tanto musicalmente como personal. Su vida estuvo llena de improvisación siempre acompañada del filo de una navaja. Con la que jugaba constantemente durante toda su vida. Todavia recuerdo la primera vez que llegue a oir cantar a esta gran dama. Pero para mi triste recuerdo, era que alguien me decía lo que llegaba ha hacer en privado, rebajando su gran talento. Pero ella era mucho más que eso, ella era la pura esencia del Jazz. Que como he dicho antes, lo llevo tatuado en su corazón hasta que vio un final. El cual nos recuerda que todo lo que siembras acabara recogiéndolo. Ella recogió una fama muy repentina, que de alguna forma llego a matarla. Pero al mismo tiempo esa fama la dio múltiples posibilidades con las que más de alguna desafortunada voz, no ha llegado a recibir. El talento o se crea en uno mismo o es un don que muy pocos han llegado a concebir para demostrar que si pueden a ser grandes. Amy fue una de las más grandes, vivió rápido, aprovecho su juventud en todos los sentidos, y al final se fue con una figura intacta. La cara más dulce y mas oscura de una escena de Jazz, a la cual ella siempre la llevo como su propia vida.
Lioness es un disco recogido en varias etapas de su vida, con una canción grabada en el 2011, Will you still love me tomorrow. Con ella estaría de invitado en una canción el gran Tony Bennett, haciéndonos las delicias de un dúo espectacular en el tema Body and soul. O haciendo un guiño a los ritmos brasileños en la canción The girl from Ipanema. 12 canciones para pasar un velada inolvidable escuchando a una verdadera diva, la cual no esta entre nosotros., pero dejando su música imperecedera. Amy Winehouse ya es inmortal.
Al final del disco dejan sus palabras sin música, como forma de despedida. Que tristes son las despedidas... ¿verdad?
En el 2006 dos grandes pesos dentro del Jazz de nuestro tiempo. El guitarrista Pat Metheny, y el pianista Brad Mehldau. Se unieron para crear dos fabulosas obras. Ese mismo año con Metheny-Mehldau y en el 2007 con un cuarteto echo como banda. Con la que llegaron hacer una gira, a modo de dar presentación a sus creaciones. No es la primera vez que dos grandes músicos de la escena del Jazz se unen con visiones muy distintas hacia como dirigir su técnica. Pat Metheny es una recreación del Jazz fusión. Mientras que Brad Mehldau mama más del Post-bop, o del Jazz. Pero cuando dos músicos saben entenderse y respetarse, suelen salir maravillas como la que hoy os recomiendo.
El golpeo de los dedos del pianista Mehldau, evocando al más puro clasicismo del Jazz. Con la visión de el guitarrista Metheny a forma de fusionar estilos y sonidos diferente en cada una de sus composiciones, al mando de su guitarra. Hicieron deleitar una obra donde deja claro que aunque dos estilos o músicos no puedan llegarse a comprender. Si que pueden llegar a entenderse. Dejando grabado un último álbum entre ellos dos con 11 canciones, de las cuales subrayo Towards the light, Fear and trembling, o Santa Cruz slacker.
Formación:
Pat Metheny.- guitarras
Brad Mehldau.- piano
Larry Grenadier.- bajo
Jeff Ballard.- batería
Fernando Trueba y Javier Mariscal nos presentan una dramática-musical de animación cargada de amor, mentiras, traiciones, rodeados de mafiosos, y droga. Todo esto ambientado por el influyente sabor del Jazz latino y el Bebop. La película comienza cuenda un anciano limpiabotas de la ciudad de la Habana. Regresa a casa después de un día de trabajo. Escuchando la radio, con los éxitos del ayer empieza a recordar su pasado. Siendo uno de los mayores pianistas y arreglistas musicales. Una noche en una bar conoce a una bella cantante llamada Rita, de la cual se enamora locamente. Pero el destino hace que los dos jóvenes no se junten. Partiendo Rita para New York, atraída por una oferta de un Norteamericano. Chico vende sus posesiones y junto a un amigo suyo, parten con destino hacia la ciudad, apodada por la gran manzana. Para descubrir las mieles del éxito y así reencontrarse con su amada Rita.
Con una banda sonora compuesta por el pianista cubano Bebo Vadés, la película en lo que se refiere musicalmente es apasionante. En la cual hacen un pequeño guiño a músicos americanos retratando a Charlie Parker o a Dizzy Gillespie. Siendo esta retratada en ciudades como La Habana, New York o París. Donde los celos, las mentiras, y las trampas de algún magnate americano, harán que la pareja no encuentren un sitio para estar juntos.
La película recrea un verdadero homenaje al Jazz latino y sus músicos. Retratando la vida que tuvieron que llevar ellos, trasladándose a el país Norteamericano. Pasando muchas calamidades para poder sobrevivir dentro de la gran manzana. Donde por menos de un pero a uno le pegaban un tiro entre ceja y ceja. También trata del acto del odio racial. El cual critica y pone voz a unos músicos que por su condición negra o latina, no podían dormir en los hoteles en los que ellos tocaban. O entrar a ver a los músicos que ellos representaban. Una película que te asombrara desde el principio, hasta el final. Donde no todo tiene que ser tan triste...
Uno de los mayores baterías de la era Swing tenían nombre propio Buddy Rich. Técnico, rápido y con un toque muy agresivo, se convirtió en una de las mayores estrellas musicales. Codiciado por muchos directores de orquestas y maestro musical de muchos músicos venideros. ¿Que más se puede decir sobre este gran músico? Que daba igual que fuera una canción rápida y desenfrenada, que una suave balada. El tenía el sello propio, con el que marcaba sus grandes composiciones. Llevadas al publico tanto acompañando a grandes directores como Count Basie, o en tono de Bop a Charlie Parker. Mientras también asentaba a su propia Big band.
Con una banda de 17 músicos, el gran Buddy Rich se presenta ante su público Californiano, en el Chez club de Hollywood en 1966. El cual deja registradas una 17 canciones. Golpeando todos sus estilos musicales, con los que el se enriquece y enriqueció al mundo de la música Jazz. En las cuales ofreció citas musicales creadas por Horace Silver, Fred Fisher o Duke Ellington. Dando una muestra de su gran talento a la hora de recrearlas, siendo muy clásico. Pero con una mira siempre puesta hacia adelante.
En marzo de 1958, el saxofonista Cannonball Adderley se mete en el estudio para grabar su octavo álbum, y único que llego a realizar con la casa Blue Note. Como líder de su propia banda. Para su realización contaría con la ayuda de un buen amigo suyo, Miles Davis. El cual compone la canción que da titulo al disco Somethin' else. Junto a Adderley y Miles estaría el pianista Hank Jones, Sam Jones al bajo y Art Blakey a la batería. Teniendo a Alfred Lion (co-fundador de la Blue Note) como productor del disco.
El disco recoge 5 canciones, más un bonus track, que no vio la luz en su primera edición. En el cual recoge una grabación de 4 imprescindibles dentro del Jazz. Haciendo unos pases de solos esplendidos. Con un Miles Davis metido de lleno en la grabación, y y Cannonball totalmente pletórico. Junto a ellos dos esta uno de los baterías más buscados en las sesiones de estudio, Art Blakey, que junto a sus Jazz Messengers, sería uno de los artistas más revelantes dentro de la ciudad de New York. el maestro pianista hank Jones haciendo sus delicias en la canción One for daddy-O. Sin duda este es otro disco imprescindible para la colección de Jazz.
Otro de los guitarristas por los que siempre he tenido una gran empatia. A sido el guitarrista americano Jim Hall. Unos de los más grandes, y menos reconocidos en su trayectoria musical. Con una lista de 35 álbumes grabados como líder se su propia banda. Como músico de sesión o en directo, el a llegado a tocar con Ella Fitzgerald, John Lewis, y Bill Evans entre otros... Su estilo musical se basa en el Post-Bop, y el Jazz. Con una trayectoria de 55 años como músico profesional. Llegando a ser inducido en el salón de la fama del Jazz, en el 1997.
Para esta ocasión invita a un amigo suyo. El trompetista Tom Harrell, el cual pone una sutil melodía impregnando a las canciones de dinamismo, los cuales hacen un gran dúo en lo largo de las 10 temas que componen el disco. Siendo este un disco de Bop con todos su apelativos, con todos sus apelativos. Muy técnico, que en alguna ocasión lo deja algo frio, pero que en algún momento lo aromatizan con un toque latino a la percusión amenizado por Joey Baron. Del disco destaco Bimini, Cross court, o All too soon.
El próximo 26 de enero el saxofonista americano Jesse Davis, visitara la ciudad de Valladolid para ofrecer un concierto en la sala Borja a la 21 horas. Considerado como uno de los músicos más respetado en New Orleans. Jesse Davis es uno de los grandes talentos que ha tenido la última oleada del Jazz de New Orleans, habiendo sido alumno de Ellis Marsalis. Su música ha llegado a ser reconocida con uno de las más prestigiosos galardones como es el premio al músico mejor destacado por la revista Down Beat, en el 1989. Con una discografía de 9 álbumes liderando su propia banda, además de hacer múltiples colaboraciones con músicos de la talla de Jack McDuff.
La entradas se pueden recoger en el Teatro café Zorrilla por el precio de 15 euros en venta anticipada. En la misma sala se pueden recoger el mismo día por el precio de 18 euros.
Hoy me gustaría hablar de un pianista italiano Giorgio Gaslini. Uno de los músicos de Jazz más grandes de Italia. El cual denomina su música como "Music total", fusionando el Jazz avant-garde y el pop, con elementos de la música clásica italiana, como la ópera o el ballet. Giorgio nacio un 22 de octubre de 1929 en la ciudad de Milán. Con la temprana edad de trece años el empezaría a subirse a los escenarios dentro de un trío musical. A los 16 ya obtendría su primer galardón, el grabar su primer disco.Más tarde convertiría su grupo en un cuarteto, llamado por la música de Norteamérica el Down beat, sería uno de los músicos primerizos (no Americanos) el primer italiano en subirse a un escenario como invitado en New Orleans, para dar un recital en un festival. De allí se trajo a Italia grandes amistades, llegando a codearse con músicos de la talla de Don Cherry, Max Roach, o Anthony Braxton. También haría colaboraciones con el saxofonista argentino Gato Barbieri, o violinista frances Jean-Luc Ponty. Su forma de componer vería un gran giro al conocer a grandes talentos del Free Jazz como Sun Ra. Siendo este una gran fuente de inspiración para el músico italiano.
Giorgio Gaslini compondría música para películas, la cual ha llegado ha ejercer en más de 40 films, entre ellas la película de Michelangelo Antonioni, La notte de 1961. Además de operas y ballets, llegando a ser puestos en escena en teatros como La Scala de Milán, el teatro romano de Verona, entre los más prestigiosos teatros del país italiano.
Uno de los grandes saxofonistas, impulsores del Free Jazz fue el gran Ornette Coleman. Su forma de hacer improvisaciones dentro de unos esquemas donde el rompía todas las tablas establecidas. Hicieron que se metiese en un gran hueco dentro del gran mundo del Jazz. El dinamizo el bebop de una forma extenuante, creando grandes discos como este Change of the century, o el The shape of Jazz to come '59. Donde los críticos más puristas del Jazz, le considerarían un enemigo, acusándole de haber matado la esencia del Jazz.
Uno de los mayores virtuosos del saxo como Ornette Coleman, era muy poco dado a conocer entre los saxofonistas de la época. Todos mamaban del Blues como fuente de inspiración, al contrario de Coleman. Que se fue por otra vertiente rompiendo la raíz fundamental del Jazz. Creando una nueva forma de interpretarlo. En este Change of the century podemos encontrar a un músico muy inspirado, siendo este su cuarto disco en estudio. Dejando grabadas 7 canciones, dentro de un nuevo contexto del Jazz. Con el estarían Don Cherry a la trompeta, Charlie Handen al bajo y Billy Higgins como batería.
En 1980 tres maestros de la guitarra, se unen para hacer un sensacional concierto. Entre ellos estaría Charlie Byrd, un guitarrista americano, enfocado musicalmente en el Jazz latino, como la Bossa nova, Jazz brasileño. Aparte el Swing. Herb Hellis el cual estaba afincado en los sonidos del Bebop, west coast Jazz, y para completar el trío, el sensacional guitarrista Barney Kessel, guitarrista de Jazz. Ellos tres se juntaron en el Paul Masson Mountain Winery Saratoga, California en julio de 1980.
El directo es un pase de Jazz guitar, lleno de pases que harían a uno levantarse de la butaca y aplaudir a raudales. Con momento memorables. Entre ellos les uniría la pasión por grandes guitarristas de la época dorada del Swing como Django Reinhardt, por parte de Byrd, mientras Kessel y Ellis son alumnos de Charlie Christian, guitarrista de Swing de la primera época (antes de la 2ª guerra mundial) . El directo quedo grabado con 9 canciones, de las cuales destaco Broadway, o Body and soul. En el directo les acompañan Jimmie Smith a la batería y Joe Byrd al bajo. Un disco que si eres aficionado a la guitarra del Jazz no debe faltar en tu colección. También para los que querréis meteros de lleno en la guitarra de Jazz.
De la película de animación del director Tim Burton. Hay una canción por la que siempre tuve una gran empatia. Y que razón tiene. Para morir primero hay que fallecer. La canción fue compuesta por Danny Elfman, un famoso compositor para el cine, y habitual en las películas de Tim Burton, como Alicia en el país de las maravillas, o Charlie y la fabrica de chocolate.
Sobre el ritmo de un piano muy dinámico y envolvente, el maestro Lee Morgan desliza las notas musicales de su trompeta acompañado por el saxofonista Joe Henderson. En la batería esta Billy Higgins. The sidewinder supone el décimo tercer álbum del trompetista como líder de su banda, noveno disco para la casa Blue Note. Cuenta una leyenda que he llegado a leer que la canción The Sidewinder fue cogida por una empresa de automóviles sin permiso del propio Lee, y la utilizo para crear un spot televisivo. Tras varios juicios, le dieron la razón al trompetista sobre los derechos de la canción, a la hora de ser utilizada. La realidad es que el anuncio existe y la canción llego a ser un gran éxito en ventas.
El disco es una de las mayores joyas que se han echo en el Jazz. Llegando a unos ritmos muy dinámicos con el pianista Barri Harris. El cual se luce en todo el momento, dando unos pases espectaculares. Metiendo ritmo a la base de metales. El cual se afinca como uno de los miembros, dejando la nota muy alta en todo el momento. Con ellos Bob Cranshaw al bajo. Un disco espectacular que no le debería faltar a nadie en su discografía.
A bote pronto, me he querido resarcir con una de las obras que identifican a Miles Davis, en su mayor apogeo. Editado en su original como Blue haze, álbum grabado entre 1953 y 1954. Este doble vinilo es una re-edición de dos discos en la cual muestran los 5 temas más otras 9 canciones como material extra. Con el titulo de Miles 1954. El disco contempla una de las mejores épocas del distinguido trompetista Miles Davis. En la cual iría acompañado por grandes talentos del Jazz, que años después, en su mayor o menor medida. Dejarían escritas las mejores notas del nuevo Jazz, o el llamado Jazz de la post guerra.
Thelonius Monk, Horace Silver, Art Blakey, Percy Heath, Charles Mingus. Tres serían los quintetos en grabar el álbum entre 1953 y '54. Dejando connotaciones de una época que estaba a punto de abrirse a lo grande. Ante un mundo ansioso de nuevas experiencias musicales.
