No quería despedirme de ustedes en este año sin mencionarles de otra gran obra de Jazz, deseándoles una buena salida y entrada de año. Para esta ocasión nos guiamos por la magia de un quinteto que hizo furor entre los grandes amantes del bop y de los sonidos más melódicos y dispares que hubo y siempre habrá en el Jazz de después de la segunda guerra mundial. El cual nos llega bajo la influencia de clásico, pero que en su día fue toda una revolución musical.Señoras y señores con ustedes el quinteto de Curtis Counce, Jack Sheldon Harold Land, Carl Perkins y, Frank Butler.
Curtis Counce fue un bajista que vivió muy rápido, muriendo muy joven de una ataque de corazón. Dejándonos 7 años de música inolvidable, donde la casa discográfica Gambit, recupero en el 2006 unas cuantas sesiones que hacen vibrar dese sus primeras notas. Estas sesiones fuero realizadas entre el 1956-1958, arropado por 4 impresionantes músicos que hacen dinamizan y llenan de sabiduría unos temas que te hacen llevar por nos momentos a esa época tan enigmática para el Jazz.
disfruten de una gran noche en compañia de sus seres más queridos, y sobretodo que este año que entra sea mejor para todos. Nos leemos el próximo año
Lo peor que te pueda pasar cuando te compres un disco de Artie Shaw, es que no este Artie Shaw como maestro de ceremonias (sobretodo, estando el con vida). Pero lo más maravilloso que puedas llegar a apreciar del álbum, es poder disfrutar de una banda que rinde tan magníficamente, un tributo al clarinetista y compositor, llegando a dar un do de pecho de profesionalidad, y hacia un álbum tan suculento como este tributo que hoy os presento. Dirigido por los miembros de la orquesta de Artie Shaw.
En el 2001 el guitarrista de Bebop Jimmy Bruno, regalo a su audiencia este exquisito álbum, impregnado de los sonidos más fantasticos del Jazz clásico, impregnados con ritmos de Funk. Hecho en la década del 2000. Haciendo un recorrido de 12 canciones, con un gran talento, en el que se rodea de músicos de la talla de Veasley Gerald, un talentoso bajista de Philadelphia; Ron Kerber al saxo; Dave Hartl al pìano; y, Marc Dicciani a la batería.
Jimmy Bruno no ha sido un músico muy habitual dentro de la guitara eléctrica, y muy pocas veces llego a utilizarla como instrumento, hasta que llego con Midnight Blue. Un disco elegante con un gusto musical muy variado, y nada encajonado, que llega a rejuvenecer su música, otorgándola una vida muy especial. Dando mucha importancia a los músicos que le acompañan que hacen a la escucha del álbum, un recorrido sutil por los lados más profundos del Jazz y y el Funk. Donde en algunos momentos se visualizan de una forma muy suave y relajada, a muy densa o muy rapidas y virtuosas como en la canción Hypertension. Terminando el disco con una maravillosa cover de John Coltrane, Impressions.
La dulce y melódica voz de Barbara Hendricks se une al trío de Monty alexadre, para rendir un glamuroso homenaje hacia la figura de el compositor más grande de su historia, Duke Ellington. Dejando para la posterioridad un maravilloso concierto encartado en un cd de 18 canciones, al mismo tiempo editado en VHS. Diez años después fue sacado de nuevo a la luz bajo un DVD.
El concierto fue grabado en el celebre festival de Montreux y, para ser más exactos en el Montreux Jazz café, 17/18,07,1994.
Ira Coleman.- bajo.
Ed Thigpen.- bateria.
Monty Alexander.- piano.
Barbara Hendricks.- voz.
Aparte de Charlie Parker, Dizzy Gillespie, o Miles Davis; Oscar Pettiford fue otro de los grandes pilares del Bebop, el cual rubrico con oro, todas las notas que esculpían de su contrabajo o su violonchelo. Con la llegada de la década de los años 50, Oscar Pettiford; y tras haber estado tocando en las orquestas de Duke Ellington y Woody Herman. Decidió establecerse en New York, donde empezaría a liderar sus propias banda, su propias formaciones. La verdad es que según la fama que se había labrado como músico de grandes talentos del Jazz, esto sumo a la hora de encontrar acompañantes, en los que nos encontramos a Harry Babasin, Walter Bishop Jr., Quinci Jones, o Charlie Smith entre otros...
Su primera creación fue en el 1952, llegando a liderar varias formaciones, que llegan a ser recogidas en este cd, editado en el 2007. El cual es una gran muestra de los primeros años, como líder del contrabajista y mentor de Charles Mingus. El cual falleció en 1960. Dejando aparcada una de las más grandes carreras musicales dentro del Jazz.
En 1999 deciden juntarse el maestro Jim Hall y, el gran innovador de la guitarra Pat Metheny, para ofrecernos un exquisito álbum en estudio, donde las guitarras acústicas con las eléctricas fusionaran ritmos de bebop, con un sabor y un toque moderno. Como si dijéramos,;"el pasado y el presente se unen para crear un sonido para un futuro".
Bajo una premisa de 17 canciones (11 canciones en estudio y 6 en directo), los dos guitarristas hacen un pequeño recorrido por creaciones propias, además de algunas canciones creadas por los dos guitarristas y temas de compositores como Steve Swalow, George Gershwin, DuBose Heyward.
Lista de canciones:
1. Lookin' Up
2. All the Things You Are / Jim Hall, Hammerstein, Oscar
3. The Birds and the Bees / Jim Hall, Attila, Zoller
4. Improvisation, No. 1 / Jim Hall, Metheny
5. Falling Grace / Jim Hall, Swallow, Steve
6. Ballad Z / Jim Hall, Metheny, Pat
7. Summertime / Jim Hall, Heyward, Dubose
8. Farmer's Trust / Jim Hall, Mays, Lyle
9. Cold Spring / Jim Hall
10. Improvisation, No. 2 / Jim Hall, Metheny
11. Into the Dream / Jim Hall, Metheny, Pat
12. Don't Forget / Jim Hall, Metheny, Pat
13. Improvisation, No. 3
14. Waiting to Dance / Jim Hall
15. Improvisation, No. 4 / Jim Hall, Metheny
16. Improvisation, No. 5 / Jim Hall, Metheny
17. All Across the City / Jim Hall
Tal vez Charlie Parker nunca llegase a abandonar las orillas del continente americano. Sin que en algún momento de su vida se decidiese a cruzar el océano e improvisar en las grandes salas Europeas o Asiáticas. Pero su música ya era universal, siendo el gran padre del Jazz moderno, el señalo el camino por el cual, muchos músicos venideros recorrerían artísticamente. No solo en el continente americano si no en todo el mundo. Siendo una clara influencia, que hizo dar un paso de gigante a los nuevos ritmos de la música clásica del siglo XX. Entre los músicos que decidieron rendir homenaje no voy a reflejarme en su propio país, ni tampoco me quedare por Europa. Sino que iré aun más allá, al continente asiático y para mejores reseñas a Japón.
Sadao Watanabe es un saxofonista nipón más conocido por grabar música de Bossa nova. Llegando a codearse con músicos de la talla de Chick Corea, George Benson, o Hank Jones entre otros. Que tuvo la gran idea de grabar un concierto dedicado exclusivamente a la música de Charlie Parker haciendo de ella un jubilo impresionante. Donde la magia de canciones como "Parker's mood", "A song for Bird" volvieran a coger un gran brillo a través de un saxofonista, que ha sido condecorado en varias ocasiones en Japón.
La grabación fue recogida en el 1969, en el Ginza Yamaha Hall. Liderando un cuarteto con la invitación del trompetista Terumasa Hino (otro gran nombre dentro del Jazz en Japón, que actualmente reside en la ciudad de New York). Quedando en la posterioridad un álbum con seis canciones que harán las delicias para todos los degustadores del Be-bop en su pleno auge.
Jimmy Raney lo tuvo todo para poder llegar a ser uno de los guitarristas más grandes de la historia del Jazz. El sonido de su guitarra era muy limpio, y a la misma vez tenía una gran técnica.Considerado como uno de los guitarristas más influyentes, el empezó desde lo más alto. Para ello a los pocos años de empezar su carrera se traslada a París. Para dejar impreso un concierto tan maravilloso como el que hoy os demuestro. Un gran relato de Jazz mainstream, Swing, donde su guitarra coge caracteres que te llega a recordar a Django Reinhardt. Representando este álbum en directo rodeado de músicos franceses. El concierto sería grabado el 10 de febrero de 1954, en la capital francesa. Dejando inscritas 12 canciones. Interpretando clásicos de Ray Noble, Cole Porter o dejando escapar dentro del repertorio una creación propia "Très chouette."
Como degustar un buen vino aromático, intensificando todas las melodías que te llega el paladar a apreciar y, en algunos momentos hasta las que no podrías legar a describir. La visita a París de músico Norteamericano, fue uno de los grandes pasos que llego a realizar para poder fijar un buen punto de partida para una carrera tan brillante; pero al mismo tiempo, un tanto infravalorado. Mostrándonos todo su portento en directo, el cual le valdría para poder codearse con músicos de la talla de Stan Getz, Woody Heman, Hank Jones, Tommy Flanagan o perteneciendo al trío de Red Norvo.
El Free Jazz volvió a coger un merecido pulso, gracias a uno de los alumnos más aventajados que tuvo Coleman, Greg Osby. Al mismo tiempo, Osby dejaría impresa sus mejores grabaciones para el sello Blue Note. Destacando un disco tan majestuoso como este The invisible hand. En el que se rodea de músicos de la talla de Jim Hill, Andrew Hill, Gary Thomas, Scott Colley, y Terry Lyne Carrington. Desenvolviéndose en los ritmos más melódicos de Blues, pero con la naturalidad que le daba el Free Jazz.
The invisible hand tampoco es un álbum de Free Jazz al uso ya que el gran Osby recoge en su esencia los ritmos más clásicos del Be-bop. Con temas tan profundos y melódicos como "The watcher", donde muestra claramente una influencia directa a saxofonistas de la talla de Paul Desmond. Con Andrew Hill golpeando duramente las teclas y haciendo más largas los sonidos de estas.
Lo más grande que llego a realizar Greg Osby no fue la música (que por un lado es simplemente maravillosa), si no el empeño de seguir buscando, y quererse rodear por gente que amase el Jazz tanto como el, dentro de una década tan difícil como fueron los años 80. Llegando a descubrir a talentos como Jason Moran. Un pianista de Jazz, que a lo largo de su carrera se codearía con estilos musicales que van desde la música clásica hasta el Hip-hop. También os recomiendo el tributo eléctrico que hizo a Miles Davis.
Uno de los más grandes discos de la banda inglesa Shakatak, basada en el Jazz fusión, es sin duda este maravilloso Night birds editado en el 1982. El cual valió para que entrase la banda en el top ten de las listas de éxitos inglesas japonesas, pero que al mismo tiempo no recogería un gran reconocimiento en Norteamérica. Con Night birds se les abrió un gran mercado entrando en los escenarios europeos. Empezando a girar al rededor del mundo sin descanso, dentro de unas giras interminables. Las cuales les allanarían más el camino para seguir metiéndose en estudio y crear nueva música. Latinoamérica sería otro punto clave de su gran éxito gracias a evocar dentro de su música movimientos que llegan a recordar mucho a la Bossa nova, o bailes latinos. Donde el grupo meten una gran base concentrada en las congas o los silbatos, como en la canción "Rio nights".
Su música es tan abstracta como melódica, muy orientada hacia la época en la que estaban viviendo. Es decir, la presencia de los sintetizadores pegados a ritmos de Funk hace un disco más orientado a las discotecas. En la que intervienen las voces de Jill Saward, Jackie Rawe y, Lorna Bannon. Tal vez al principio el disco suene un tanto pomposo y demasiado comercial, pero con el tiempo se le va cogiendo un cierto cariño gracias a los numerosos detalles que van anotando en cada canción el pianista Bill Sharpe, o la pegada que le da al bajo el músico George Anderson. Para mi es de lo mejor del álbum.
Uno de los álbumes más prodigiosos y guardados para los más adeptos del Jazz fusión, es esta obra maestra que el flautista y saxofonista Yusef Lateef grabo en 1969 para la Atlantic. En un álbum donde por encima del Jazz pasean ambientes de R&B, Funk o Soul. Un álbum vanguardista en el sentido más estricto de la palabra, donde pasan un innumerable numero de músicos para aposentar unas nuevas tablas dentro del Jazz fusión, con algún adorno de Bebop que hace más enigmático el álbum. Haciendo y desenvolviendo la música sin ninguna atadura más allá de expresar sus emociones y sentimientos en cada nota musical. Dando un paso adelante, pero al mismo tiempo llevando una muesca del pasado en forma de tributo a los grandes maestros que hicieron que ellos se subieran a un escenario. Dejando demostrado que la música no es una atadura a ningún estilo, sino una sucesión de melodías contrastadas entre si.
Detroit Latitude 42º 30' Longitude 83º es un álbum que te hara meterte dentro de sus melodías desde los primeros compases con canciones como "Bishop school", "Eastern market", "Rusell and Eliot" o, "That lucky old sun". Un álbum que aunque en algunas ocasiones nos llegue a sonar un poco a free, estos dos estilos musicales no tienen una conexión sujeta entre ellos. Mientras que el Free Jazz fue una liberalización de sonidos dentro de los términos de las nuevas corrientes del Jazz. El Jazz fusión fue un encuentro entre los sonidos del Occidente y el Oriente. Yusef Lateef es uno de los músicos que más supieron amoldarse a la fusión, con el saxo le podemos apreciar en varias facetas: Su lado más clásico emulando al más puro estilo de Be-bop o acoplando nuevos sonidos que le acercaban al Free Jazz. Y con la flauta se desenvolvía en los sonidos más orientales, frente a la cultura occidental.
En el 2010 el saxofonista americano Chales Lloyd nos regalo un disco lleno de melodías suaves, densas y melancólicas. Haciendo una mirada al pasado, trasladándose a los sonidos más clásicos de la era del Bebop. Donde recoge muchas entonaciones de músicos como Gerry Mulligan, Thelonious Monk, Charlie Parker, llegando a unos extremos del Blues que te apasionaran desde su primera escucha.
Mirror recoge una nueva visión de clasicos del Jazz con 12 canciones interpretadas por un cuarteto de lujo liderado por el saxo de Charles Lloyd, con Reuben Rogers al bajo, Jason Moran al piano, y como batería Eric Harland. Siendo un disco totalmente recomendable para los apasionados del Jazz clásico en todo su esplendor.
Van Morrison vuelve a a la actualidad discográfica con un nuevo trabajo "Born to sing: No plan B", el cual estará publicado por el legendario sello discográfico de Jazz Blue Note. Este significara su 35 álbum en estudio de Van Morrison como artista solista. Donde abordara la crisis financiera en la que esta sumergida el mundo. En unas declaraciones que ha publicado el propio Morrison se muestra como a un hombre que observa el mundo, dando su propia opinión sin tener que ser una protesta a lo que esta viviendo. Por eso no se siente como un músico de protesta.
El álbum estará en las calles el próximo 2 de octubre.Siendo el álbum "Whats wrong with this picture?" del 2003 la última grabación que realizaría el músico para la Blue Note. Eso si, el disco ya lo ha advertido el propio Morrison, sera sin etiquetas abarcando todos los estilos musicales por los que ha recorrido su trayectoria musical.
El guitarrista Norteamericano Al Di Meola más celebre por su participación en el grupo de Jazz progresivo Return to Forever o haber participado con guitarristas como Paco de Lucia o John McLaughlin. Estara el próximo 21 de Julio en la plaza de la Trinidad en Donosti dentro del festival Jazzaldía sustituyendo al grupo Jamaican Legends. La suspensión del concierto a sido debida a que el pianista Monty Alexander no puede viajar por prescripción facultativa.
Aquí abajo os pongo la nota de la directiva del festival donostiarra.
Al Di Meola World Sinfonia + Gonzalo Rubalcaba Al Di Meola (guitarra), Gonzalo Rubalcaba (piano), Kevin Seddiki (guitarra), Fausto Beccalossi (acordeón), Peter Kaszas (batería)
Al Di Meola y Gonzalo Rubalcaba ocuparán el lugar de Jamaican
Legends en la Plaza de la Trinidad el 21 de julio debido a que el
pianista jamaicano Monty Alexander no puede viajar por prescripción
facultativa.
En el informe médico que ha sido remitido a la organización, se
especifica que Monty Alexander ha sido sometido recientemente a cirugía
abdominal y que debe abstenerse de viajar en los próximos tres meses,
para recibir el tratamiento adecuado y vigilar su evolución.
El concierto de Al Di Meola con Gonzalo Rubalcaba dará la
oportunidad de escuchar a uno de los guitarristas y uno de los pianistas
más influyentes del jazz actual. El estadounidense Di Meola, conocido
por su época en Return to Forever y sus giras con Paco de Lucía y John
McLaughlin, se reúne con el cubano Rubalcaba, unánimemente alabado por
su técnica y por su habilidad para mezclar el jazz con los ritmos
latinos.
No es que su música sea muy polifacetica, pero si que ha llegado a enmarcar sus ritmos con varios estilos musicales que van desde la clásica hasta el Punk-Rock o el Ska. Seguramente gracias a esto se le de muy poca credibilidad a sus grabaciones, pero como siempre ha dicho el espía ingles más famoso al servicio de su majestad "Un Martini con hielo, mezclado, no agitado". Pues es eso lo que hacía el multi-instrumentista Joe Jackson, siempre llevaba el sonido en el que trabajaba en su puro estado, huyendo de las fusiones. Para esta ocasión nos trajo un álbum repleto de los sonidos más Swings, representado por 12 canciones amparadas por los maestros más grandes del Jazz de todos los tiempos como Louis Armstrong, Lester Young... Siendo clásicos rescatados de la década de los '40.
Con un sonido muy de los '80, pero con el sabor de la vieja escuela. Sus aprendices se meten dentro de una maquina del tiempo para poder volver a revivir la última gran época dorada del Swing. Sus canciones suenan muy frescas y naturales. Siendo un disco muy ameno a la escucha que podra llegar a gustar a las dos generaciones de la vieja y nueva escuela. Donde su voz suena muy contundente, aspera y directa para un álbum donde se muestra a una banda con ganas de recrearse en la música que reinaba en medio mundo antes de la segunda guerra mundial.
Pat Metheny edita para la Geffen records en 1987 Still life talking, un disco cargado de melodías brasileñas, con el propio sabor inconfundible del Jazz fusión que nos tiene acostumbrados el guitarrista Metheny. El cual esta considerado como el segundo álbum dentro de la trilogía brasileña. Conteniendo 7 canciones siendo "Last train home" la más popular del disco llegando a ser acogida por un spot publicitario navideño en Florida. Además de llegar a conseguir el Grammy al mejor interprete de Jazz fusión.
Still life talking es un álbum suave y muy melódico donde Pat Metheny juega mucho con los arreglos de guitarra a cargo de los sintetizadores. Creando muchos ambientes que te llevaran hacia las costas de Brasil, sin tener que sonar a Bossa aunque esta presente en varias partes del disco. El propio Metheny logra crear un sonido muy personificado, con ambientes que pueden llegar a rozar la New age pero con un ritmo más acelerado, siendo más cercana a una fusión intercultural o como se llama World fusion.
Banda:
Pat Metheny.- guitarras acústicas y eléctricas y sintetizadores de guitarra.
Lyle Mays.- piano, teclados.
Steve Rodby.- bajo acústico y eléctrico.
Paul Wertico.- tambores.
Armando Marçal.- percusión y coros.
Marcus Ledford.- voz
David Blamires.- voz.
En la década de los '70 el Jazz fusión se hizo dueña de una etapa que se había desvinculado en parte del Bop para llegar a las fusiones con otros estilos musicales. Entre los músicos que se dieron a crecer dentro del panorama me gustaría recordar a Chuck Mangione. Un gran trompetista que logro acercar su música a las tediosas radio formulas. Siendo el tema principal del álbum "Feels so good" una canción que las emisoras la solían rodar a carro dentro de su programación diaria.
Feels so good es el álbum más emblemático dentro de la carera musical de Chuck Mangione. Con el conseguiría un éxito rotundo dentro de las listas de ventas a base de Jazz-Pop. Con una música muy suave y relajada dando a momentos las intervenciones de instrumentos de viento. Muy en el estilo del Jazz que se cocina en New York a finales de la década de los '70. Por eso sus melodías suenan a infinidad de series y películas que fueron rodadas en esa época. En el lado contrario su música puede parecer bastante plana, pero el sentimiento que daba el trompetista hacía que las canciones recobrarán mucha más fuerza.
Tommy Flanagan hace valer su puesto frente a un gran trompetista como es Kenny Dorham, el cual lidera un quinteto deshaciéndose a ritmos de Bebop, en un gran álbum como es "Trompeta toccata" grabado para la Blue Note en el 1964. En el disco se hace acompañar por Joe Henderson al saxo tenor, Richard Davis al bajo y como batería Albert Heath además del nombrado pianista Tommy Flanagan.
Trompeta toccata es un disco lleno de matices por parte de cada músico. Los cuales se hacen con cada canción haciendo un disco muy dinámico y alegre a la hora de escucharlo. Con un empiece muy romántico de parte de Kenny Droham, los músicos se van acoplando dando una versatilidad muy dinámica, al mismo que poco habitual dentro de la carrera del trompetista. Mostrando a una técnica muy clásica de Tommy Flangan la cual va redondeando las canciones los metales, llegando a sonar en algunos momentos con aires muy latinos y bailables. Aquí es donde me repito, que es algo nada frecuente dentro del Bebop.
Tal vez por su carácter tan introvertido hizo que no llegase a hacer buenas migas con muchos de los músicos que llegaron acompañarle dentro de un estudio de grabación o encima de un tablado escénico. Pero a pesar de todos los malos royos que podría dar entre los componentes de sus agrupaciones, nombrar a el señor Migus es mencionar a el músico que demostró que el contrabajo no tenía que llegar a ser tan solo un instrumento de acompañamiento, si no que podía llegar a recoger el testigo para intensificar las canciones, haciendo varios solos o introducciones, donde se hacía el principal protagonista dentro de una época más fertil hacía los instrumentos de metal o cuerda.
Compuesto totalmente por el propio Charles Mingus "Roots & Blues" es un álbum donde el contrabajo intensifica mucho las canciones por las que pasean varios instrumentos de metal. Creando un grandes atmósferas llenas de mucho feeling a lo largo de sus 6 temas. Un álbum que no debería dejar de pasar por la aguja de un tocadiscos por su intensidad, llegando a ser una obra maestra creada por uno de los genios más grandes que a dado la historia del Jazz de la posguerra.
Si tuviera que definir en una sola palabra la música del maestro saxofonista Ornette Coleman la adjudicaría imprevisible. Libero tanto los movimientos de la música del Jazz llegando a crear una propia escuela de seguidores y detractores. Pero el sentido y el sentimiento en cada punto musical de Nr. Coleman no iva ceñido a ni una tabla en la que un estudiante de música se pueda ceñir, seguro que el libro de como ser igual de bueno que Ornette Coleman en la primera pagina vendría la frase Se tu mismo, y así lo hacía valer en cuanto se arrimaba a un estudio de grabación y se soltaba musicalmente en discos como este Twins. Un álbum que recopila varias sesiones de Ornette Colleman entre 1959 y 1961. ¿Podría estar formado por arreglos o composiciones que quedaron fuera de los álbumes de la época? Todo puede ser posible, si nos centramos en un tiempo donde reinaban en el mundo del Jazz músicos de la talla de John Coltrane, Dexter Gordon, Lee Morgan, Miles Davis... La música que llego a ofrecer en Change of century era un disco de descubrimientos dentro del Bebop, pero que de alguna forma estaría ligado su música a el. Pero en estas grabaciones rompe con la pequeña unificación dejando un álbum de puro free Jazz, que en la lógica tiene más sentido el publicarlo en una década donde los músicos habían establecido la fusión o la liberación de los sonidos del Jazz aumentando considerablemente su público.
En el álbum aparecen grandes maestros del Hard Bop o el Bebop, como son Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Don Cherry...
Otro de los saxofonistas más importantes dentro de la era del Bebop y el Hard-bop fue el maestro Sonny Stitt, el cual llego a grabar más de 150 álbumes dentro de su recorrido musical, tanto en sus propias formaciones, o músico de sesión. Llegando a actuar para músicos de prestigio como Dizzy Gillespie, Thelonius Monk, o Los Jazz messenngers de Art Blakey.. Herdero de la música de Charlie Parker, con el cual llego a actuar en alguna sesión privada, Sonny Stitt se hizo un gran hueco dentro de los grandes maestros del Jazz los cuales visualizaron en el la personalidad de un músico con mucho talento. Para mi sería muy difícil el poder apreciar un único disco dentro de su carrera tan extensa, pero uno de sus grandes álbumes fue el álbum homónimo Sonny Stitt, grabado en 1958 en Chicago. En el que recoge grandes temas del Bebop, cambiando el nombre de las canciones originales en algunas de ellas. Muy poco se sabe de las grabaciones del álbum, tan solo la posibilidad que sea Barry Harris estuviera dentro de la formación de músicos que acompañaron a el propio Sonny a grabar este magnifico y tan misterioso álbum.
Más conocida por haber sido la frotman del trió musical de Folk-Rock Stone Poneys, o haber actuado junto a Neil Young. Con el paso del tiempo llegando a una madurez vocal se arriesga para grabar unos álbumes nada habituales dentro de su carrera profesional impregnando las melodías de sus canciones con el toque de una Jazz muy suave y denso. Muy al estilo de grandes cantantes como Frank Sinatra o Tonny Benett. Dejando en el armario los pantalones vaqueros, para ensalzarse por un breve tiempo de los vestidos más glamurosos frente a la atenta mirada de la orquesta de Nelson Riddle.
Lush life es el segundo álbum de una trilogía de Jazz donde se junta el talento vocal de la joven Linda Rondstadt y el director de orquesta Nelson Riddle. Dando paso a unas canciones muy suaves con algunos momentos brillantes a cargo de los metales de la orquesta como en las canciones "You took advantage", donde el timbre de la fabulosa cantante Linda sobresalta en todo el álbum. Impregnándolo de sensualidad dentro de unas canciones que claman hacia el amor.
Su música es suave y romántica, la cual retrata con un saxo alto. Extraida de su ábum Pearls esta noche la música pondrá solo el eco de las palabras...disfrútenlo.
Con el paso de los años el grupo Spyro Gyra se ha convertido en uno de los grupos de culto dentro del Jazz progresivo o el Jazz fusión. No es que su técnica fuera muy desarrollada, siendo en algunos casos bastante plana. Pero sus melodías y su propia visión de recrear la música es muy agradable de escuchar. En este caso os resalto el disco Catching the sun. Un álbum grabado en el 1980 cuando el Jazz fusión había recogido su nivel más alto de aceptación dentro del publico, en el que llegan a intervenir en el 30 músicos.
El prolífico músico Ry Cooder se adentro en 1978 en los estudios de la Warner para grabar un álbum impregnado de las mejores melodías del ragtime y el swing, bajo el nombre de Jazz. Siendo este un disco que gustará mucho a todos los aficionados del Jazz más clásico, basado en la primera época del siglo XX. Alojando composiciones tradicionales, al mismo tiempo que temas adaptados por el propio Ry Cooder de Jerry Roll Morton como es el "The pearls/ Tia Juana", o la tradicional "Happy meeting in glory" la cual se muestra con la visión del compositor Joseph Spence. Llegando a recrear hasta 11 canciones, poniéndolas las notas musicales hasta 25 músicos, distribuidos en forma de cuarteto, hasta con una pequeña Big Band de 11 músicos.
Del Blues, el Country, el Folk, hasta el Rock N' Roll, y en esta ocasión rindiendo homenaje a los grandes maestros que pusieron una gran piedra angular, para que el Jazz fuera lo que es hoy en día. Estoy seguro que para muchos de nosotros, el poder recordar a Ry Cooder se nos hace más familiar con las bandas sonoras como "Crossroads", o "París, Texas" entre otras... Al mismo tiempo de haber colaborado con músicos como The Rolling Stones, Buena Vista Social Club, Van Morrison, o Captain Beefheart. Recorriendo muchos estilos musicales los cuales siempre le llevaban a explorar incesantemente el aroma de la cultura americana.
Jazz es un disco con una visión totalmente purista, en el que recrea totalmente la primera época de los años del Ragtime y las primeras Big Band emulando a la perfección, haciendo de estas un gran estudio para poder acercando un poco más a los sonidos incandescentes de grandes músicos de la primeriza New Orleans, con guiños al Dixieland. Un gran disco recomendado a todos los degustadores del Jazz más clásico.
Como ya os comente en la anterior entrada, Peter a los aparatos tuvo la gentileza de invitar al blog para hacer un programa especial sobre el mundo del Jazz clásico. El cual le expreso mi gratitud por haber dejado un espacio para que yo junto a el pudiéramos pasar un rato en la radio. Donde hablásemos de la gran música como es el Jazz. Para mi a sido una experiencia autentica, ya hace casi 20 años que no piso los estudios de una radio para poder hablar sobre la música, y como no, fue algo bestial. Sobretodo después escuchándome mi propia voz que me resulto algo peculiar. Uno no sabe si su timbre puede ser el más idóneo o nunca ha llegado a fijarse en el hasta que apareces en una grabación. A partir de ahí todo cambia. Y os puedo asegurar que fue para mi una experiencia que no lo olvidaré en la vida. El retorno al micrófono después de tantos años. Puedo deciros que habrá una segunda parte y que la fiebre de la radio se ha vuelto a apoderar de mi. Pero por el momento solo quiero dar las gracias de nuevo a Peter. Que desde la radio de Onda expansiva de Valladolid, hace una gran labor para la música. Deseándole toda la suerte que pueda llegar a obtener. Muchas gracias Peter. No me enrollo más y os dejo aquí abajo para que escuchéis el programa. Salud!
Como ya os he anunciado hace un semana. White moon for a black night será presentado en la radio por cortesía del blog Retur to the classics. Al cual agradezco a Peter a los aparatos. La oportunidad de exponer el blog y la música Jazz en las ondas digitales.
El programa lo podréis escuchar en el siguiente enlace.
El próximo sábado 21 de abril, White moon for a black night a sido invitado para realizar un programa en la radio del blog de mi amigo Pedro a los aparatos. Return to the classics. Para mi va a ser un gran honor el poder estar en la radio de una persona que vive con toda intensidad el Funk y el Jazz. El programa será grabado por la tarde y lo podréis escuchar en el siguiente enlace.
En el programa hablaremos desde sus comienzos, sobre las grandes Big Bands, los compositores más prestigiosos. Llegando al Jazz moderno, o el Jazz de la posguerra, así a llegar a el Free Jazz hasta nuestros días. Siendo un programa de dos horas donde haremos revivir el Jazz en todo su esplendor.
No lo duden, visiten el blog, bájense el programa y disfruten del Jazz de la mano de Pedro a los aparatos y un servidor. También recomiendo a todos los aficionados del Funk, y el Jazz una gran pagina donde emite programas en directo basándose en la música y así como especiales que no tienen nada de desperdicio, Return to the classics.
