Richard Berry and the Faraohs Louie, Louie (1957)

Richard Berry aparte de ser recordado por la mítica canción Louie, Louie fue todo un icono en el mundo del Rhythn & Blues y el Doo Wop. Muchos músicos se fijarían en el como un ejemplo a llevar dentro de sus carreras musicales.

Richard Berry 

Nace en el estado de Louisiana, nada más nacer su familia lo traslada a Los Ángeles. Sus primeras actuaciones en los pequeños escenarios serían marcadas a ritmo de Doo Wop, grabando junto a bandas del calibre de The Cadets, The Chimes... después se une a la banda afroamericana The Flairs. Los cuales se llegaron a poner varios nombres para actuar, como The Flamingoes o The Debonaires allá por el 1953. Ese mismo año graban uno de sus primeros éxitos "She Wants To Rock" para Modern Records. La canción seria producida por Leiber y Stoller (productores de renombre dentro de la escena musical pos-segunda guerra mundial). Ellos más tarde necesitarían una voz para cubrir la canción "Riot in Cell Block # 9" de la banda The Robins, para el sello discográfico Spark Records. Pero su voz no pudo acreditarse dentro de la canción por su compromiso contratado con Modern Records, además de grabar su voz en el primer disco de la cantante Etta James el cual tuvo un enorme éxito, y como es normal, también sin acreditar. En 1954 Richard Berry abandona la banda de Flairs para confeccionar su propia, la llamaría The Faraohs, además de seguir poniendo sus cuerdas vocales y composiciones para otros grupos. En 1957 graba una canción para la cara b de single "You are my sunshine" que con el tiempo se convierte en el emblema de toda su carrera, Louie, Louie. Al principio pasa totalmente desapercibida, teniendo una pequeña repercusión dentro de su estado y nada más. Hasta que el propio sello discográfico Flip Records decide un año después relanzarla como nombre de su propio single, al paso por su gira en el Pacifico del país, muchos grupos se harían con una versión de la canción. Por motivos personales el propio Richard Berry vendió los derechos de la canción a la casa discográfica, y cuando esta se convierte en un éxito dentro de todo el país el llegaría a ganar muy poco con ella. Dentro de su carrera musical no encontraría mayores éxitos que la canció Louie, Louie. Aparte de ser el responsable de las canciones "Have love, will travel" gran éxito del grupo The Sonics o "Crazy lover" canción que graba la Rollins Band dentro de su primer disco. En 1993 la canción Louie, Louie vuelve a ser propiedad de Richard Berry, llegando a ganar una buena suma de dinero además de ser el primero que recibe de la canción en 36 años. En 1996 daría su último concierto, siendo este un concierto benéfico. Un 23 de enero muere de una insuficiencia cardíaca.

Wayne Shorter "JU JU" (1964)

Wayne Shorter es uno de los mejores alumnos que pudo tener el saxofonista John Coltrane, y a la vez Shorter es un músico que es considerado como uno de los mayores que hubo dentro de su generación, que con sus 77 años todavía sigue levantando pasiones con su saxofón.

Wayne Shorter

Nace en New Jersey un 25 de agosto de 1933, su padre era un gran apasionado por la música he hizo que el y sus hermanos se decantasen por ella. Su hermano Alan se convertiría en un trompetista,  el se tiraría más por el saxofón. Después de graduarse en la Universidad de New York en 1956, se alista en el ejercito donde llega a tocar junto a Horace Silver. Nada más salir del ejercito se junta con la banda de Maynard Ferguson. Hasta que en 1959 se une a la banda de Art Bakley con el que tocaría durante 5 años, el saxofonista abandona la banda de Art Blakey no lo haría con un cualquiera, lo hizo para tocar con Mile Davis, en un nuevo quinteto, en el que contaría con la presencia de Herbie Hancock, Tony Williams y Ron Carter.Wayne Shorter entra en sustitución de John Coltrane. El quinteto fue musicalmente orientado hacia el Hard-bop, el se haría con la parte compositora de los discos, entusiasmando a los demás miembros de la banda, por sus dotes de composición y la manera de la que llevaba al quinteto. Así que se hizo con su propio cuarteto con el que firmo varios discos para la Blue Note, entre los que se encuentra este fenomenal Ju Ju acompañado de Elvin Jones a la batería, Reggie Workman al bajo y McCoy Tyner al piano. Siendo un disco muy cercano a la manera de tocar John  Coltrane. En el aparece una de sus composiciones más famosas Mahjong. Un disco compuesto por 8 canciones encarriladas hacia músicos como el propio Coltrane o Sonny Rollins siendo estos músicos su mayor influencia a la hora de tocar, no en este disco, si no en toda su carrera musical.

Pero el cambio de orientación de el quinteto, que quería llevar el propio Miles Davis hacia el Jazz fusion, hizo que el quinteto desapareciese en el 1968, Shorter duraría hasta el disco de Bitches Brew, acompañado por músicos de la talla de John McClaughlin o Chick Corea. La última vez que subió a un escenario junto a Miles Davis fue en la gira de 1970. Llegando a tocar en esos últimos años de saxo soprano y Tenor. Después de su salida forma un grupo de Jazz fusion...

El álbum JU JU cuenta con una remasterizacion del año 1999, con la que entra dos bonus tracks, JU JU (alternativa take) y House of jade.

Bill Evans The alternative man (1996)

Aunque haya quien le asocie con el famoso pianista Bill Evans personalmente, entre ellos hay poco o nada que sean asemejados entre ellos dos. El saxofonista americano nacido en Illinois es como suelen decir muchos críticos de música, un aventurero derrotando barreras dentro del Jazz haciendo fusiones tanto con el Rock como en el terreno del Rap. El ya lleva 31 años dentro de la escena musical y en su curriculum se permite presumir de haber tocado con los grandes que quedaban todavía en el mudo musical, como Miles Davis, Herbie Hancock o Ron Carter entre otros, ellos le aportarían experiencia y libertad a la hora de transmitir su música en directo o en estudio. En este fabuloso disco se codea con un artista invitado y un gran guitarrista apasionado por el flamenco John McLaughlin.

Sin duda es un gran disco en el que explorar muy ampliamente los terrenos del Rock progresivo. Exponiéndonos 9 canciones de lo más variopintas. Luciéndose en melodías con un sonido sacado de la década de los '80. John McLaughlin mete guitarra en la canción "Survival of the fittest".

Odradec Trío (2011)

Tras haber sido compañeros en formaciones como Arvak o La crisis del gato cósmico, los músicos Cesar Diez (El hombre astral) y Antolín Olea (Neverness) vuelven a juntarse para dar vída a un nuevo grupo con un enfoque a Jazz Progresivo. El grupo lo completa el pianista Rubén Villadangos bajo el nombre de Odradec Trío.

3 músicos de la categoría de ellos, solo pueden dar discos tan brillantes como el que hoy os presento. Con un teclado muy dinámico y a la vez muy melódico conjugando con un bajo totalmente envolvente con unas bases de batería que harán poner los pelos de punta en algún momento. Con un gran empiece que es Drunked Spider, pasando por una versión de J. Bach, o dando vida a Lark's Tongues in Aspic (part two) de King Crisom. Una canción muy técnica con cambio de ritmos muy trepidantes y una dulce armonía. Canciones muy cuidadas hasta el último detalle y dinamismo descomunal. Con una versión muy libre de Bach in 7.

Si te gusta el piano clásico de Jazz y la música progresiva este será un gran disco que te envuelvan este año.

Una vida ejemplar por Art y Laurie Pepper

Hubo críticos musicales que llegaron a decir que después de la muerte de Charlie Parker, nos quedo la inmensa vida de Art Pepper como a uno de los mejores saxo alto. Art supo impregnar a su saxo de una personalidad totalmente propia llevandole a figurar entre los primeros puestos de el mundo del Jazz.


Una vida ejemplar no es solo la vida de un gran músico como llego a serlo. Es más el olor que le impregno hacia el en el recorrido de esta. La facilidad, elegancia y simpleza con la que la llega a relatar en este gran libro, co-escrito junto a Laurie Pepper y con prologo de Gary Giddins, nos relata desde el nacimiento, hasta la consagración del saxofonista a la sombra del mejor saxo alto que haya existido dentro del Jazz. Charlie Parker.



Este pequeño post se lo dedico a un buen amigo Lorenzo que me lo aconsejo en Vitoria. Gracias, este va para ti. 

Blue Lu Barker la voz dulce del Blues

Blue Lu Barker es una de las voces más dulces de Blues que ha dejado como legado en el estado de Louisiana, New Orleans para ser más exactos. Una de las mayores influencias musicales que llego a tener la cantante Billie Holiday llenando de buen Blues con su voz y guitarra los escenarios de los clubs, escenarios con los que ocasionalmente tocaría junto a su marido Danny Barker, músico y compositor de Jazz.

Louise Dupont nace un 13 de noviembre de 1913 en New Orleans, hija de un tendero que tendria sus negocios con el alcohol de contrabando en la época de la ley seca. Ella se casa muy joven, a la edad de 13 años con Danny Barker, 4 años después se trasladan a New York, en 1930 empezaría a grabar junto a su marido, hasta que en el 1938 encuentra un hueco musical donde grabaría por primera vez ella como voz principal. Llevando a ser los primeros éxitos musicales. En su primera producción su nombre pasaría a ser  Blue Lu Barker como nombre artístico. Además de cantante era guitarrista siendo "A little bird told me" uno de sus mayores éxitos grabado en 1948, este llegaría al puesto nº16 de las listas llegando a estar varias semanas.Considerada como una gran dama del Blues, llegaría a tocar junto a Charlie Parker en el Apolo.

En 1997 fue reconocida en el Salón de la fama de Blues de Louisiana, un año después fallece a la edad de 84 años.

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Charlie Parker posiblemente el mayor saxofonista de la historia del Jazz

Su música vivirá por el resto del tiempo como uno de los grandes músicos de la historia. Relatada por su saxofon o misma mente por sus andaduras y por supuesto del testimonio de sus amigos. Su manager llego a decir que solo el Y Walter Bishop Jr. le llegaron a conocer realmente. Sobretodo cuando llegaba a su casa de madrugada con una gran borrachera y ganas de armar bronca, sus delirios y coqueteos con la droga le pasarían factura, pero aun así sus grandes amigos siempre estuvieron dispuestos a perdonárselo todo. Joder el era el gran BIRD. Un hombre que amaba tanto a su propia música, donde llegaba a rozar los limites de lo establecido y dando mil zancadas hacia adelante, llego a demostrar que sin duda fue un principal referente a la hora de escribir el nuevo Jazz. Todos querían ser como BIRD, tanto en lo bueno como en lo malo. Cosa que a el le enfurecía mucho, no llego a comprender por que la gente se drogaba, el solo lo hacia poniendo de pretexto que era lo único que le hacia quitar el dolor, pero el que pensase que drogándose llegaría a llevarle a ser tan buen saxo o músico como el estaba totalmente equivocado.

Su música atrapo a muchos grandes músicos, y es que de un grande solo se puede sacar grandezas. Miles Davis le debe el haber subido a un escenario, su gran amigo Gillespie, con el que tuvo una de las grandes formaciones y sin duda una de sus mejores etapas. Donde dejarían como legado a tantas futuras estrellas musicales, que adornarían como ramas el gran árbol del Jazz.

Señoras y señores con ustedes BIRD.-

Chet Baker Sings

Chet Baker en el álbum Sings pone voz a la melodía de sus canciones en un álbum muy emotivo donde resalto la presencia de la bella canción My FunnyValentine. El álbum sería publicado en el 1956 con Richard Book como productor, donde llena de sentimiento y lo impregna con su carismática trompeta o una dulce y densa voz. Con el un elenco de músicos que van desde Kenny Drew, Russ Freeman o Jimmy Bond (en lgunas ediciones le nombran como James Bond).

Pero sus adiciones a la heroína le llevarían por el peor camino, haciendo que su carrera se viese frustrada en algunos momentos de su vida. Sin duda el siempre será la voz del trompetista suicida...

Maynard Ferguson High Voltage (1987)

Maynard Ferguson siempre sera recordado por ser uno de los últimos grandes directores de Big Band. Llegando a apostar por ellas hasta en los últimos momentos, cuando estas grandes bandas estaban ya a punto de desaparecer de la escena musical. Pero al mismo tiempo supo innovarse a si mismo, llegando a tocar en lo largo de su carrera desde be-bop, Jazz fusión hasta Jazz progresivo.

Siempre fue un músico que no quiso enterrar su sentido musical en una etiqueta, o dejando una firme escritura de como se pueda llegar a clasificar su música. El como a muchos de los grandes quiso vivir en la honda de los tiempos, es decir iban al mismo sentido de todas las modas sin despuntar de su sonido original. Llegando a grabar este agradable disco en el 1987, impregnándolo de melodías pop-Rock y dejando claro que lo suyo siempre fue el ser director de una gran Big Band, llevando su sonido a rebautizarlo mucho más allá de donde muchos ya consideraron a las Big Band como un recuerdo del pasado.

Maynard Fegurson nos dejo un 26 de agosto de 2006.

The dual role of Bob Brookmeyer (1954)

Bob Broonmeyer es un músico nacido en Kansas en 1929.Su estilo musical abarca desde el post-bop llegando hasta el Jazz progresivo. El juega con el trombón y el piano ademas de haber sido director de la banda del batería Mel Lewis.
Bob empezaría tocando el piano junto a Stan Getz en el 1953, ya en el 1954 lideraría su primera banda, junto a Teddy Charles al bajo y Jimmy Raney a la guitarra.


The dual role of Bob Brookmeyer esta grabado por dos cuartetos distintos. Las primeras 4 canciones son grabaciones de 1955 junto al batería Mel Lewis. Mientras que el resto de 4 canciones siguientes son grabaciones de el 1954. Este cuarteto lo lidera el músico Teddy Charles al bibráfono junto al batería Eddie Shaughnessy, Bob Brookmeyer al trombón de válvulas y piano además de contar con la cantante Nancy Overton poniendo cuerdas vocales a la canción "Nobody's heart". El disco técnicamente es una verdadera lección de puro Jazz, con unas maravillosas formaciones en las que sacan lo mejor de si en cada nota. Siendo el guitarra Jimmy Raney un gran virtuoso que te hará pasar un rato con su magnifica técnica, o del cuarteto de Teddy Charles haciéndose presente en todos las canciones, sobretodo en la cantada por Nancy, una voz que a mi no me llega a gustar, parece más que esta relatando la canción sin ni un tipo de sentimiento. Pero bueno para gustos ...

Al Cohn Broadway (1954)

Albin Gilbet Cohn nace en Brooklyn en 1925, saxofonista más conocido por haber sido el marido de la cantante de Jazz Marilyn Moore. Empezaría su carrera musial en la década de los '40. Dentro de la banda de Woody Herman. En dicha banda también se encontraría Stan Getz, en unos tiempos donde el propio saxofonista iria cogiendo buena fama dentro del seno de la banda como saxofonista. Al no tardaría en buscar acomodo en otro lugar fuera de la banda de Herman, marchándose a crear la propia suya y buscar nuevas emociones junto a otros músicos. El critico musical Scott Yanow llego a decir que Al Cohn fue eclipsado totalmente por la figura de Stan Getz y Zoot Sims, causa por la que dejaría después la banda. Com lider de sus proyectos llegaría a grabar 12 álbums donde se encuentra este maravilloso Broadway.-



Supervisado por Gus Grant en los estudios del ingeniero Rudy Van Gelder un 29 de julio de 1954. El disco no sería publicado hasta el 1970 cuando fue rescatado por la casa Prestige. Junto a Al Cohn estarían Hal Stein como saxo alto, Harvey Leonard al piano Red Mitchel al bajo y Christy Febbo como batería. Despachando un disco de 6 canciones donde se encuentran estas dos partes de Suddenly it's spring, como una verdadera poesía acentuada por unos músicos dando toda su personalidad en casa solo de las canciones.


El disco es remasterizado porPhil de Lancie para Fantasy studios en 1992.

Charles Brown The cronogical 1944-1945

Hoy volvemos al Blues de la mano de un gran pianista llamado Charles Brown.
Charles Brown nace en Texas en 1922, ya de muy joven demostraría su pasión por la música y aprendería a tocar el piano clásico mudándose a Los Ángeles, allí fue influenciado por los músicos de los clubs nocturnos. Su primera referencia fue Nat King Cole. Cuando este dejo la ciudad fue sustituido por el grupo de Charles Brown con Johnny Moore y Eddie Williams, bajo el nombre de Moore's Three Blazers. En 1945 consigue su primer contrato discográfico siendo"Driftin 'Blues" su primer single. El single tuvo mucha repercusión en USA, dando un paso de gigante en la interpretación del Blues en la costa Californiana.



 Tras su primer éxito en la década de los '50 sería muy fructífera para el con singles " Blues Trouble ", "Get Yourself Another Fool"...  Aunque el no pudiese con la ola nueva del Rock N' Roll el tuvo su público y si que se mantenía dentro del mundo de la música. De el se influenciaron músicos de la talla de Ray Charles, Floyd Dixon. Ya en los '60 graba "Please come home for christmas" justamente en el 1968 llegando a vender un millón de copias, además de grabar dos álbumes para Mainstream. En la siguiente década un documental le volvería a hacer pisar los escenarios "That Rhythm those Blues", y en la década de los '80 Bonnie Raitt ayudo a Charles Brown con la gira de su disco "One more for the road". Su música volvió a renacer y como en la década de los '50 volvió a visitar más a menudo los estudios de grabación. Sin duda los '90 volvió a ser su década. En 1999 se le otorgo la entrada en el salón de la fama del Rock N' Roll. Pero desgraciadamente ese mismo año, el 21 de enero Charles Brown fallece de una insuficiencia cardíaca  a la edad de 76 años y no pudo llegar a ver su trofeo. El cual Bonnie Raitt le llego a coger por el entre lagrimas.

BIRD por Clint Eastwood (1988)

El actor de cine Clint Eastwood debuto tras las cámaras con un homenaje a la figura del saxofonista más grande que haya tenido la época del Jazz moderno, Charlie Parker (BIRD). Con una pequeña pincelada de su niñez hasta que se convirtió en el saxofonista que todo músico quiso ser. Tanto en el lado bueno como en el malo, por su camino por las drogas. Un joven Forest Whitaker es el encargado de encarnar a la figura del gran saxofonista a esta magnifica fabula de Jazz, donde nos recuerda al icono del bebop en todo su apogeo siendo una clara referencia para todos los músicos de la época. Por otro lado tiene u fallo bastante gordo. En la época de Charlie Parker el odio racial estaría más en su apogeo, y el Birdland aunque fuese un club en homenaje a el gran músico, en los clubs no era permitida la entrada a con la tez negra y Clint Eastwood muestra todo lo contrario. Por otro lado también se le echa en falta la figura de Miles Davis. La banda de Charlie Parker fue su primer contacto en los escenarios.

La película tendría un gran éxito llegando a ganar el Oscar por la banda sonora y recibiendo los elogios a el actor Forest Whitaker ganando el galardón de mejor actor en el festival de Cannes y una nomimacion a los Golden Globe.

Nota: 8'5/10

René Marie vertigo (2001)

La descubrí este fin de semana en el festival de Jazz de San Sebastián Jazzaldia, y su voz se apodero de mi corazón rápidamente. Porque esta gran cantante no se limita a cantar sus canciones, si no las interpreta, las vive, las siente. Su expresión no tiene limites y sus conciertos son una cita obligatoria para cualquier aficionado de músicos vocales con una gran banda acompañándoles, siendo sin duda una de las mejores ofertas que tuvo el festival Donostiarra en su sección gratuita.

René Marie.-
Nace en Virginia un 7 de noviembre de 1955. El Jazz estuvo presente en toda su vida pero no de forma prioritaria. René se dedico exclusivamente a su familia hasta que a la edad de 40 años. Es animada para emprender su rumbo profesional por el camino del Jazz. Sus referencia musicales nos llevan a las grandes damas del Jazz como Ella Fiztgerald, Dinah Washington, o a Nina Simone. De su carrera se contemplan siete álbumes. Renaissance (1999); How can I keep form singing? (2000); Vertigo (2001); Live at Jazz standard (2003); Serene renegade (2004); Experiment in truth (2007); The voice of my beautiful country (2011).

Con una dulce voz, seductora y una gran puesta en escena. René Marie es una de las nuevas damas del Jazz a las que le deseo todos los éxitos posibles, y que nos siga regalando música tan buena como lleva haciendo en todo el recorrido de su carrera.

Amy Winehouse: Crónica de una muerte anunciada

Esta claro que quien conduce su coche a 200 kilómetros por hora en ciudad como mínimo acabara empotrado en la primera curva, y si esto lo ponemos como un ejemplo en la vida de Amy Winehouse, ella estuvo agarrada a un volante del cual conducía desenfrenadamente. Pero ¿realmente a alguien le extraña este trágico final? Amy tuvo todo lo bueno y todo lo malo de una diva del soul. Y si hubiera sido una cantante de Rock, hoy en día se la pondría al lado de Jimi Jendrix, Janis Joplin... Pero ella tuvo una vida llena de excesos, siendo en muchas ocasiones la música como segundo amigo común de ella, llegando a abandonarla por culpa de las drogas, o como se suele decir vivió a tope y murió joven, muy joven.

Ella ya lo dijo en su afamada canción. Los excesos ya eran parte de todo el escenario de su vida...

Descanse en paz...

Diggin' with The Miles Davis sextet

Después de estar en el quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gigespie. Miles Davis empezó a buscarse su sitio queriendo liderar su propia formación. Una de las primeras sería el sexteto, con el que contaría de la ayuda de grandes músicos de la talla de Sonny Rollins. Saxo tenor que le acompañaría en gran parte de su carrera, siendo expulsado de esta por problemas con las drogas. A el le sustituiría el flamante John Coltrane. Que paradojicamente también llegaría a tener serios problemas con tales sustancias, lo cual le apartaría de la banda, regresando otra vez a ella el propio Sonny Rollins.
Con ellos también se encontrarían Walter Bishop Jr. al piano, Jackie McLean al saxo alto , Tommy Potter al bajo y Art Blakey a la batería. 

El disco es toda una sesión de puro bebop muy elaborado, con grandes entradas de los dos saxos y un Miles Davis muy motivado queriendo coger la batuta en todo el momento, dominando a dos caballos salvajes que harán las mil y una delicias a todos los respetables. Junto a ellos un gran bajista Tommy Potter bajista reconocido por haber tocado con Charlie Parker, donde se conocería con Miles Davis , el cual también habría hecho sus pinitos en la big band de Count Basie, con Stan Getz o en este caso junto a Miles Davis. Art Blakey, músico de sesión con el que llegaría a grabar junto a los más grandes músicos de Jazz de aquella época, y que en este disco hace valer su buena reputación, conteniendo los ritmos desenfrenados de los músicos de metales, y como no, Walter Bishop Jr. hijo de otro gran batería que lega el piano con una tecnica impresionante.

kokomo arnold Original Kokomo Blues 1934-1938

James Arnold era un guitarrista de Blues Delta nacido en Georgia a principios del siglo XIX. Para ser más acertado en el 1901. Su primo le enseño a tocar la guitarra y en 1920 empezó a tocar en locales mientras el se ganaría la vida trabajando como peón en New York. En 1929 se traslada a Chicago durante la ley seca, llegando a trabajar en el negocio de contrabando de alcohol, suministrando a los clubes nocturnos de la ciudad.  Un año después haría su primera grabación bajo el seudónimo de Jim Gitfiddle para la RCA, trasladándose a Memphis. Su primer sencillo sería traducido bajo los nombres de Blues Rainy night ,y "Paddlin' Madeline Blues". En 1933 regresa a Chicago, con la novedad de que ya no existía la ley seca y el joven de Georgia tuvo que empezar a ganarse la vida con la música. Talento no le faltaba en un país hambriento de nuevos valores musicales, y la Decca records le abriría las puertas siendo esta su casa durante 4 largos años, en los cuales llego a grabar 88 piezas, de las cuales hubo alguna que se llego a perder la grabación. Una de sus más famosas canciones fue "Old Blues original Kokomo", canción que se basaría el gran clásico de "Sweet home Chicago" de Robert Johnson, siendo la canción totalmente fiel a la original.Otro de sus canciones más legendarias sería el Milk cow Blues, siendo visionada por Elvis Presley en "Boogie Milk Cow Blues", Aerosmith también harían una revisión de este gran tema en 1977 en el álbum Draw the line. En 1938 dejo el mundo de la música pasando a trabajar en una fabrica. El sería descubierto en 1962, pero la música ya no le llamaba la atención y rechazo la oferta de volver a subir a un escenario.

James Arnold muere en Chicago un 8 de noviembre de 1968 a causa de un infarto.

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The Alegre All Stars Nos vamos pa' la luna (2005)

Desde el corazón de Nueva York sale una de las mejores formaciones de la música Jazz cubana que ha llegado a existir. 11 músicos entre los cuales se encuentran figuras como Charlie Palmieri, Johny Pacheco o Bobby Rodriguez...Todos dando forma a  The Alegre All Stars. Y como no, recomendar este magnifico recopilatorio editado por la casa Vampisoul en el 2005. Recogiendo grabaciones que abarcan los años 1961, 1964, 1965 y 1966.

Herederos de la música del pianista Bebo Váldes llegan a fusionar la salsa con ritmo de Jazz. Un Jazz muy elaborado y fiel a su escritura clásica, sin perder ese sabor latino, dando mucho juego a la música convirtiéndola en bailable. Siendo su fama muy inmediata, llegándoles a nombrar como uno de los grupos favoritos de la música latina en aquella época. Una música y un grupo que perdura de por vida para todo aquel que quiera adentrarse a conocer el Jazz-cubano.

Ted Curson plays fire down below (1962)

Ted Curson siempre será recordado por su trabajo junto al gran Charles Mingus. Pero en su faceta como líder de banda, registraría unas cuantas maravillosas grabaciones.
Ted Curson nace en Philapelphia en 1935 y su primer instrumento lo obtuvo a los 10 años. Una vieja trompeta, aunque su padre siempre hubiese querido que se dedicase al saxo. Miles Davis es una de sus claras influencias, y por el se traslado a New York en 1956. Allí llego a trabajar para músicos de la talla de Cecil Taylor, Mal Waldron, Garlnad Red entre otros, aunque únicamente llegase a grabar para Cecil Taylor, en Love for sale (1950). Ya entrando en la década de los '60 llega a conocer a Charles Mingus con el que trabajaría en sendos discos, en estudio como en directo. Después de terminar de trabajar con el famoso contrabajista, empieza su carrera de líder de banda, llegando a co-dirigir con Bill Barron su primer quinteto. El cual duraría 5 años.

Entre ese periodo llega a grabar este magnifico álbum, pero fuera del quinteto de Bill Barron. Liderando un cuarteto con Roy Haynes en la batería, Gildo Mahones al piano, George Turcker al bajo y Montego Joe a las congas. Mostrando un disco muy versátil,donde el hard bop, y el Jazz free son su plato fuerte. Melodías pegadizas y ritmos que en el primer tema convocan a la samba. Con un ritmo desenfrenado a cargo del propio Ted Curson, y el comienzo de Montego Joe con sus congas es magistral. Ted Curson se muestra mucho más emotivo durante el resto del disco. Grabado en diciembre de 1962 y supervisado por Ozzie cadena para la marca Prestige records. En 1990 Gary Gelder remasteriza para Fantasy studios este magnifico disco.

The Walter Bishop Jr. Trio/ 1965

Otro de los grandes pianistas que nos lego la era del Bebop, fue sin duda Walter Bishop Jr. Hijo del compositor y baterista americano Walter  Bishop que llegaría a tocar con Billie Holiday y Ella Fiztgerald. Su técnica era muy clásica la cual demostró con amigos desde su infancia, con los que encontramos a Sonny Rollins, Art Taylor o el pianista Kenny Drew. Su carrera profesional empieza en los clubs de Manhattan sobre 1947, dentro de las bandas de grandes músicos de la talla de Charlie Parker, Oscar Pettiford o Miles Davis entre otros. En la década de los '60 formaría su primera banda en formato de trío, siendo jimmy Garrison y GT Hogan sus primeros compañeros, dentro de su banda.





El disco que hoy os presento es una grabación de el 1962 y 1963 editada en el 1965 por la casa Prestige. En el se une el bajista Butch Warren, y como batería se compartirían los trabajos GT Hogan y Jimmy Cobb.  Dentro de un disco muy frenético con unas melodías muy desenfrenadas. Un toque Bebop con el aroma del swing, el cual le enseño su padre. Con un total de 16 canciones siendo estas remasterizadas en 1997 por Phil De Lancie para Fantasy Studios.

Roy Haynes Quartet Live at the Riverbop (1979)

Hoy os traigo a otro de los grandes maestros de la batería. Al gran Roy Haynes. Aunque sus discos son muy difíciles de conseguir, también son muy poco valorados. Ya que el no sacaba discos con gran tirada, si no en discográficas independientes. El disco que os propongo hoy es una grabación en directo el 21 de diciembre en 1979 en París. Junto a el se encuentra Riccardo Strobert a la flauta y saxo alto, David Jackson al bajo eléctrico, y Marcus Fiorillo a la guitarra.



Este disco os lo recomiendo a todos los que os gusta el Jazz clásico. Sus armonías impregnadas de blues y con el jefe Haynes haciéndose de las suyas. Con una presencia muy palpable llegando a evocar momentos muy densos, con unos solos de batería magníficos. En la canción que os he puesto hoy, Riverbop Blues, el guitarrista Marcus Fiorillo. En la misma canción canta el propio Haynes.

Kyle Eastwood Songs from the chateau (2011)

Ya falta poco para que el próximo 13 de julio llegue a Vitoria el músico Kyle Eastwood. Después de 10 años sin pisar tierras españolas, viene con un nuevo disco bajo el brazo. Songs from the chateau, es una obra maravillosa donde combina el nuevo y el viejo sonido del Jazz. 9 canciones nos llevara al sabor indiscutible de las películas de su padre Clint Eastwood. Donde los dos juntos han compuesto las bandas sonoras para El gran Torino, Mistyc river o El Intercambio. Y es que según el músico la vocación por la música Jazz se la dio su padre. En casa siempre sonaban los disco de Duke Ellington o Miles Davis.
En el esta un guiño a Andalucia de la cual su padre se quedo prendado cuando rodó sus Spaghetti western, y que en este álbum su hijo hace un pequeño homenaje a esas tierras.

Este post se lo dedico a mi amigo TSI-NA-PAH. Gracias a el hoy estoy escuchando esta maravillosa obra.

Amy Winhouse suspende su gira europea

Según he podido leer en el periódico de el mundo.es la cantante británica Amy Winehose, ha decidido suspender su gira europea. Incluyendo el festival de Bilbao BBK. Y es que después de hacer un ridículo total, donde dejo claro que no se había rehabilitado de nada. La cantante decidió suspender sus dos actuaciones siguientes. Llegando a tomar la decisión de suspender toda la gira. En Last Tour International, han declarado que ya están trabajando en traer un sustituto...

Según su manager, la decisión de suspender la gira se ha tomado por problemas de salud de la cantante... Bueno, si no te respetas a tu cuerpo, este siempre te pasará factura...

Gil Melle quartet with Kenny Dorham, Hal McKusick Gil's Guests (1956)

Gill Melle es un saxofonista más recordado por sus bandas sonoras para películas y por que dejo totalmente de lado al Jazz para adentrarse en la música electrónica. Además de músico era pintor y escultor. El fue quien diseño las portadas de los discos de Miles Davis entre otros músicos en la década de los '50. Gil llega a tocar junto a músicos de la talla de Oscar Pettiford, y dirigió sus propias grabaciones entre el 1953 y 1957. Para ello cuenta con la ayuda de Kenny Dorham y Art Farmer a la trompeta.


El disco muestra un gran paso hacia adelante con motivos muy densos causados por unas formaciones que se adaptan totalmente a los deseos del el director de ellas. Por otro lado siendo una gran selección de sesiones grabadas entre 1956 y 1957 por dos septetos y un sexteto. Entre ellos nos encontramos con músicos de la talla de Art Farmer, Joe Cinderella, Winnie Burke, Donald Byrd, Edmun Thigpen...
El disco es completado por 9 canciones. Tres de ellas son bonus tracks que no llegaron a salir en su version original. Siendo este remasterizado por Phil De Lancie pasa Fantasy Studios en 1990.

Herbie Harper Jazz in Hollywood (1953/54)

Herbie Harper natural de Kansas nace en 1920. El fue un músico más reconocido por sus trabajos de grabación en la década de los '50. Tras haber tocado son la orquesta de Charlie Spivak entre 1944/47. Se establecería en Los Ángeles como residencia fija del músico.También llegaría a compartir escena junto a músicos como Benny Goodman o Maynard Fegurson entre otros. También se une con Harry Babasin para su proyecto de Jazz in Hollywood. Sus grabaciones son recogidas en esta magnifico disco. Donde aparecen los dos músicos en varias formaciones. Un cuarteto con Al Hendrickson a la guitarra y Roy Harte a la batería, y dos quintetos con Bud Shank como saxo tenor y barítono, Marty Paich al piano y Roy Harte a la batería. Y Bob Gordon al saxo barítono, Jimmy Rowles al piano y Roy Harte a la batería. Entre las tres formaciones solo repite el batería Roy Harte. El tema que os propongo abajo esta grabado por esta ultima formación. Para todos los fanaticos de el trombon este va a ser un disco que les va a gustar mucho. Su corte es muy fiel y la variación de músicos y su forma de tocar, que distan mucho entre ellos. Hacen de este disco que no canse y que siempre puedas encontrar algo nuevo en cada tramo de el.

John Coltrane Lush Life (1958)

Lush Life sería el ultimo trabajo que el saxofonista John Coltrane graba para el sello Prestige. Además de que ese año sería el reencuentro con Miles Davis. 2 años después de que este le hubiese apartado de su quinteto, por culpa de la adición a las drogas que tenia el propio Coltrane. En esos dos años se unió al cuarteto de Thelonius Monk. Además de haber grabado 5 discos para la casa Prestige. Empezando con el Coltrane de 1957 y terminando en este maravilloso Lush life. Primer disco que empieza a componer. Como dije en el Giants steps, el fue el primer disco completo compuesto por el. Pero el primero en empezar a componer fue este Lush life. Del cual sale el tema Trane's Slo Blues.

En su primer tema entra con un emotivo piano, acompañando a Coltrane, dentro de una preciosa balada. Llena de profundidad. Con mucho feeling entre los dos. Al bajo les acompaña Earl May.

De una forma u otra Trane's Slo Blues, marca un poco el camino de donde va a ir el disco. Lleno de blues, unas magnificas baladas cargadas se profundidad, con unas notas muy largas... Alargándolas todo lo posible, creando una atmósfera relajada. Ideal para una cita romántica en una agradable cena. Es solo poner el disco y empieza Like Someone in love.- Es una balada compuesta por Jimmy Van Heusen, con Johnny Burker a las letras. La canción fue compuesta para una película del '44. Protagonizada por el cantante Bing Crosby (Belle of theYukon) la cual obtuvo un notable éxito en las listas de ventas. La canción tuvo muchas revisiones a cargo de músicos de la talla de Chet Barker, Frank Sinatra...

I love you es una canción donde deja aparcado un poco de lado el blues intenso, para apreciar el sonido del bebop. Un saxo mucho más rápido, más contundente. Con una fuerte presencia del bajista Earl May, haciéndose con unos solos y una pegada en toda la canción magnifica. Esta puede ser la canción más ligera más movida. Pero no pierde nada en encanto al lado de las otras 4. La canción fue escrita por Cole Porter para un musical mexicano Hayride. Bing Crosby se hace con la voz de el tema en forma de sátira. La cantante Jo Stafford sería otro de los artistas en cantarla.

Lush Life es el tema que conlleva consigo el nombre del disco. En este tema se hace con el prácticamente el pianista Red Garland.Alternandose entre el propio Coltrane con una solida base que le transmite Paul Chambers (El solo llega a grabar dos temas que recoge las grabaciones de su amigo en este disco, y en un futuro no muy lejano fiel compañero del cuarteto más famoso, que llego a tener Coltrane en su carrera.) como Louis Hayes a la batería. La canción esta compuesta por Billy Strayhorn en la década de los '30. Al poco tiempo se llego a consolidar como un clásico, llevándola a tocar Dule Ellington en el 1948 acompañado por la cantante Kay Davis y el compositor de la misma pieza. Tito Puente, Sarah Vaughan, Kurt Elling son unos de los muchos músicos que han llegado ha hacer una versión de este clásico.

Cerramos el disco con I hear a Rhapsody, y como no con un aire mucho más de fiesta, con una solidez magnifica de Albert Heath. Dando el último toque a un disco del cual se empieza a cuajar una nueva forma de tocar el Jazz.

Esta canción fue escrita por Jacke Barker, George Fragos, y Dick Gasparre en 1940. Jimmy Dorsey, Charlie Barnet, Frank Sinatra. A la misma vez que tuvo sus experiencias con el cine negro policíaco.

Gene Krupa posiblemente el mejor batería del mundo

Gene Krupa fue uno de los mejores baterías en la época de las bing bands, el swing y uno de los que más escuela crearon en el mundo del Jazz.

Eugene Bertram Krupa nace un 15 de enero de 1909 en Chicago. Hijo de emigrantes polacos, estudio en la escuela del batería Sanford A. Moeller, un batería de New York muy conocido por ser un batería rudimentario. A la misma vez que profesor de música y compositor. El joven Krupa empezaría a tocar en bandas profesionales en la década de los '20. En 1927 graba por primera vez para Thelma Terry, una mujer que lideraba su propia banda y que tocaba el bajo. En 1929 entra a formar parte de Mound city blue blowers. Banda que graba unas sesiones acogiendo a músicos de la talla de Glenn Miller, y Coleman Hawkins. Poco después en ese mismo año, se traslada a New York. Para trabajar en la banda de Red Nichols. Allí es donde conoce a Benny Goodman, Krupa entra a tocar en su Bing Band. Donde llega a grabar uno de los temas más influyentes. Sing, sing, sing fue la canción donde Kupra se deshace en un solo de batería. Pero la relación entre el clarinetista y el batería, no era tan buenas personalmente como profesionalmente. Ellos tendrían muchas disputas ente ellos. Hasta que un día en el teatro Earl de Philadelphia provocarían una pelea entre ellos dos en publico.

Krupa se marcharía para formar su propia banda junto a Anita O'day y Roy Eldridge. Los éxitos empiezan a asomarse en su puerta. Llegando a grabar bandas sonoras para películas, como la celebre Con faldas y a lo loco en 1939. Película que Marilyn Monroe junto a Jack Lemmon y Tony Curtis protagonizarían un remake 20 años después.  Tras tener unos problemas con la justicia por posesión de marihuana, Krupa es condenado a ir a la cárcel. Corrieron tiempos muy difíciles para el batería hasta que volvió a asomarse un viejo amigo suyo. Benny Goodman, con lo que firmarían la paz entre ellos. Goodman le abre de nuevo su puerta para volver a tocar juntos. Su publico lo agradecio totalmente y Kupra volvería a ser nombrado entre las grandes escenas del Jazz. A raiz el batería forma una nueva Big Band. En el conto con un saxofonista venido de Philadelphia Charlie Ventura. Justamente cuando las grandes Big Band estaría asomándose a su final.En la década de los '40. El numero de personas que componían las orquestas sería debilitadas hasta ser formadas por cuartetos, tríos, y en algunas ocasiones sextetos. La época del swing, estaba llegando a su final. Para ceder su testigo a movimientos como el bebop, Free Jazz, Cool...

Pro Krupa tenia un as bajo la manga. Sus contactos en Hollywood le llevarian otra vez a poner música en películas como la película Big Fire de Gary Cooper y Barbara Stanwick, o también harían cameos como actor en Los mejores años de nuestras vidas en el 1946. Dirigida por William Wyler. Allí en Hollywood empieza a trabajar musicalmente junto a Louis Armstrong, confeccionando un bio-pic sobre la vida de Glenn Miller. Las criticas se cebaron totalmente con Krupa, tanchando a la película como muy irreal y que en algunos tramos. Era totalmente identificativa con la propia vida de el batería.

Gene Krupa volvio a New York para tocar en clubes junto a tríos o cuartetos. Con músicos de la talla de Cozy Cole. El propio Krupa tuvo que dejar los escenarios por problemas de salud. Abriendo su propio escuela hasta el fin de sus días. Fallecio un 16 de octubre de 1973.

5 años después entraría a formar parte del salón de la fama. Hoy en día aun sigue siendo uno de los mejores baterías del mundo, llegando a influir su estilo entre mucho de los más grandes. No solo del Jazz si no de la música en general.

Harry Babasin and Bob Enevoldsen Jazz in Hollywood (1954-1955)

Para esta ocasión abandonaremos New Orleans y Chicago. Para adentrarnos en el lado del Pacifico de Estados Unidos. Trasladándonos hasta Hollywood, ciudad de las estrellas del cine. Pero que también tuvo un hueco para las estrellas musicales.Y el propio Babasin fue sin duda, uno de los músicos responsables de  innovar el sonido del Jazz en la costa Oeste del Estados Unidos.
Su nombre completo es Harry Von Babasin. Hijo de Armenios, que quiso que la música Jazz tuviera también un signo de importancia en la Costa Oeste. Pero no sería un estilo muy purista. Ya que coquetearía con otros ritmos como la Bossa nova. A mediados de los '50, Babasin se pone en un proyecto al cual le llamaría Jazz in Hollywood. Junto al trombonista y saxo tenor Bob Enevoldsen.

Ellos dos se intercambiarían entre varios quintetos, como el Harry Babasin quintet o el Bob Enevoldsen quintet. Donde suena muy clásico dentro del sonido Cool, pero innovando al mismo tiempo. Dos bandas con una forma diferente de ver la música. Pero que al mismo tiempo dan un toque de frescura. Gustando tanto a los más clásicos como a los que le gusta la fusión que se ejercía en esa época.


Bob Enevoldsen músico trombonista de válvula, varias modalidades de barítono, bajo y contrabajo, nacido en Billings (Montana), su primer instrumento sería el violín. Instrumento que le enseñaría a tocar su padre. Un Danes, que tocaría en uno de los teatros de cine mudo. El cual seguiría tocando esporadicamente.En la universidad tocaría el trombon, pero por problemas de salud tuvo que dejarlo pasando a tocar el contrabajo. Junto a Hary Babasin fue uno de los respònsables de la nueva ola de Cool en la costa Oeste americana.Muchos fueron los músicos de renombre que llegarían a subirse a un escenario junto a Bob Enevoldsen, Art Pepper, Gerry Mulligan, Marty Paich,Howard Rumsey, etc...
Bob Enevoldsen falleció un 19 de noviembre de 2005, por problemas de circulación.

En el 2009 Harry Von Babasin se pone en manos de un proyecto cinematografico. En el cual quiere explicar mediante un documental, sobre su vida y obra con financiacion de las artes de New York.

Nostagia de Charlie Parker por Robert George Reisner

Nostalgia de Charlie Parker es una colección de anécdotas, que el escritor Robert George Reisner, recopila de la mano de sus mejores amigos y compañeros dentro de sus bandas de Bird. Para recordar a uno de los creadores del bebop. Sin duda fue uno de los músicos con mayor influencia, que ejerció dentro del mundo del Jazz, con todo lo bueno y todo lo malo. De sus bandas saldrían grandes talentos como Miles Davis, el cual también deja una pequeña huella en este libro, y que años después, en su biografia ya escribiría unas cuantas lineas sobre sus comienzos junto al saxofonista, y con un Dizzy Gillespie. Pasando por Charles Mingus, Anita O'day, Oscar Pettiford...hasta 82 artistas rindiendo el mejor homenaje que se le puede hacer. Seguir vivo en la memoria de todos.

 

 El libro fue editado en Estados Unidos en el 1962 por Citadel press. Traducido al Castellano por Ferran Esteve en el 2009 para Globalrithm.

Oscar Peterson trio retratando a Frank Sinatra

En 1959 uno de los mayores pianistas que han tenido el Jazz moderno. Graba en París para la Verve, un homenaje hacia la figura de la voz. Frank Sinatra, ayudado por Ray Brown al bajo y Ed Thingpen a la batería. Denso y melódico. Con Peterson suplantando a Sinatra mediante las notas de su piano. No es que llegue a ser una de sus mejores obras pero si que esta llena de esos matices. Los cuales le encumbraron hacia el éxito. Desde You make me feel so young, tema que te hará cantar en todo el momento, o Learnin' the blues hasta How about you. Siendo un total de 12 temas, donde se podra uno deleitear de las canciones de Frank Sinatra, en un tono más Jazz y con una banda que pondrá su toque especial para dar aún más colorido a los temas.

Ella Fitzgerald and Duke Ellington Sings Irvin Berlin (1957/58)

Una de las mayores parejas que dieron el mundo del Jazz. A mediados de la década de los '50. Fue la compuesta por Ella Fitzgerald y Duke Ellington. Para la casa Verve, en esos momentos también recogerían grabaciones la pareja Ella, Arsmtrong.  Ella era la voz del momento con uno de los más grandes compositores del Jazz en toda su historia. Sus grabaciones fueron recogidas en el 2008 por uno de los sellos más importantes del Jazz/Blues del nuevo milenio, Not Now. Y en formato de tres cd se recogen grabaciones de el compositor Irving Berlin y los otros dos cd son recogidas del registro del propio Ellington. Sutiles y con un voz prodigiosa como la de Ella, combinada con el piano de Ellington. Garantizan que cualquier velada sea inolvidable. Gracias a estas grabaciones, Ella sería premiada con un premio Grammy a la vez que grabo varios conciertos en su visita por Europa. Ella and Duke at the Cote D'Azur, o el Suecia Stockholm concert. Las dos en el 1966. Si con Louis Arsmtrong Ella se dedica a grabar canciones de otros compositores fuera de la pareja. Con Ellington, se arriesgan en tocar temas del propio pianista.

No es la primera vez que Ellington hubiera puesto una voz de mujer, dentro de sus composiciones. Y en esta pareja la química funciono a la perfección. Con el también habría pasado grandes damas como sarah vaughan. Pero eso es otra historia que os contare otro día...

John Coltrane Giant steps (1959)

1959 John Coltrane daría un paso de gigante al liderar su propio cuarteto. Por un lado se muestra por primera vez, un disco con composiciones suyas, y por que le serviría para emprender un camino fuera de la era de Miles Davis. Comenzando la suya propia, y le salio de maravilla, ya que poco después graba el Kind of Blue de Miles Davis con el que sería su adiós definitivo para empezar (como acabo de mentar) su propia carrera en solitario. Sobretodo por empezar a forjar su propio estilo musical, dejándolo como legado para muchos músicos que vieron en el a un maestro. Y por que estaría ya cerca de reunirse con uno de los cuartetos más impresionantes que tuvo en su carrera musical. Y como en un pistoletazo dando la salida, Giant steps forma también como nombre de su primer tema, donde los cambios de ritmo constantes que hay en ellos, hacen de el uno de los temas más consagrados de su carrera. En Cousin Mary, se muestra a un Coltrane mucho más asentado a su nuevo estilo, notas largas con mucha densidad. Esto puede sonar a Blues pero no es un blues. Es una perspectiva menos dura del hard-bop.En Countdown Art Taylor se asoma con un solo de batería impresionante, dando paso a la magia del propio saxo. Spiral es otro tema con mucha melodia mucho feeling. Y aunque parezca pausado es muy movido, su juego constante con el saxo, no lo hacen nada relajante. Syeeda's song flute sobresale un gran Tommy Flanagan demostrando el por que era uno de los pianistas, con más reputación dentro de las sesiones en estudio. En Naima entra a escena el batería Jimmy Cobb y el pianista Wynton Kelly. Y aqui si que puedo decir que esta basado sobre las tablas del Blues. Denso, emotivo y con un pianista menos técnico que Flanagan pero con mucho sentimiento en cada nota. Mr. P.C. o Mister Paul Chambers un tema hecho para lucimiento del bajista Paul Chambers. Una de las piezas basicas para su mayor cuarteto, que estaría a poco de llegar.

En el podemos encontrar rostros muy consolidados a la carrera del músico como el bajista Paul Chambers , o como no a uno de los pianistas más prodigos de la década del bop, Tommy Flanagan. Y es que con músicos de la talla de estos señores, solo se pueden sacar un obra maestra como este Giant Steps. Con ellos esta Winton Kelly al piano y Jimmy Cobb a la batería en el tema Naima. Art Taylor como batería. Nesuhi Ertegun como productor para la Atlantic. En una de sus muchas ediciones, el disco fue remasterizado junto a otro cd bajo el nombre de Lush life. Del cual ya os hablare más adelante...