Tras la muerte de Count Basie en 1984, su banda decidió seguir encima de los escenarios en homenaje a uno de los más grandes compositores y directores de orquesta que ha existido en el mundo del Jazz. Este disco para mi es un disco especial, ya que se edito 2 años después de la muerte de Ray Charles. Siendo un gran legado hacia su propia figura. Demostrando que el Jazz corría por su venas. Ya nos lo demostró con ese esplendido álbum Genius + Soul: Jazz '61 para la casa Impulse!. Y de nuevo lo demuestra con una de las grandes orquestas, las cual al quedarse huérfana de su padre Count Basie, reciben el refuerzo de grandes tallas del Jazz como Diane Schuur, o Tony Bennett entre otros.
Ray sings Basie swings es una maravillosa obra compuesta por 12 canciones inéditas y grabadas por Ray y Basie a principios de los '70. Descubierta la cinta en el 2005 en el sello Concorde. Deciden darla un lavado de cara conservando la voz del desaparecido Ray, metiendo de nuevo los instrumentos de la orquesta de Basie. La cual me parece un verdadero feo, a la figura de Basie, el no dejar su legado totalmente intacto.
El resultado no es otro que la voz potente del R&B y el Jazz de la vieja escuela, envasado en una buena barrica, siendo los testigos y alumnos de Count Basie los que llenan de notas musicales a una obra. Que a pesar de algún fallo táctico, en lo técnico. Es una verdadera joya que recomiendo que escuchéis.
El prestigioso director y productor de cine Francis Ford Coppola bajo la batuta de solo director, se adentra en el mundo del Jazz, bajo la visión del productor Robert Evans. Basándose en una historia ficticia, con el telón de fondo de uno de los Clubs más enigmáticos del barrio del Harlem, el Cottom Club. En el reparto nos encontramos con figuras tan destacables dentro del cine Norteamericano, como Richard Gere, Bob Hoskins, Gregory Hines, Diane Lane, Nicolas Cage, James Remar, o haciendo un cameo el sensacional Tom Waits.
En la década de los años '20. El Cotton Club se consolida como el mejor
club de Jazz de la ciudad de New York, el cual reside en el barrio de
Harlem. Allí un trompetista Dixie Dwyer (Richard Gere), una noche salva a
un mafioso, cuando un par de matones disfrazados de policías, intentan matarlo echado un
cartucho de dinamita debajo de su mesa. Dutch Schultz (James Remar) le
queda totalmente agradecido, el cual le dará un trabajo que le cambiara
totalmente su vida. La ciudad en esos momentos estaba disputada por
varias bandas de gansgters, y el sitio de reunión sería el propio club.
Del cual era muy fácil que saliese más de uno con los pies por delante.
El cual Owney Madden (Bob Hoskins) el gangster propietario del club, que
sera quien controla a las bandas, haciendo firmara entre ellos una
tregua muy efímera.
Pero volviendo a la historia del joven trompetista, este tendrá que cuidar de la novia del gangster Vera Cicero (Diane Lane) a todas las horas. La cual es muy ambiciosa, hasta que la atracción entre Dixie y Vera se vuelve pasional. Haciendo correr sus vidas peligro, si Dutch lo llegase a descubrir.
Cotton Club es una fabulosa fabula ambientada en el celebre club, impregnada de la música de John Barry. Donde el Swing hará mover a las estrellas encima de uno de los más lujosos clubs que haya existido en su historia. En la película salen personas tan importantes como Duke Ellington (Zane Mark), el cual solo es mostrado de pasada, en una imagen mientras ensayaba para el show. El bailarín Sandman Williams (Gregory Hines) haciendo un gran papel, el cual el propio actor borda totalmente al sensacional bailarín. Por otro lado esta la sensacional actuación de Nicolas Cage en el papel del hermano de Dixie, Vincent Dwyerel cual empieza a trabajar para el mafioso Dutch Schultz, pero que poco a poco la codicia por tener parte del control de Harlem le llevara a situaciones muy comprometidas.
La unión de Francis Ford Coppola y Robert Evans, sería una relación muy turbia. La cual les llevaron los dos a los tribunales. Cuando el propio Coppola le impidió que entrase en el plato durante todo el rodaje. Francis decía que estaba harto de que Evans siempre le quisiese hacer la cama, en cada uno de los proyectos que hacían juntos. El propio Evans en un principio se mostró muy agresivo por el hecho. Pero al final abogaba por una conciliación entre ellos, admitiendo la gran labor que el propio Coppola hizo con la película..
Estrenada en las salas el 14 de diciembre de 1984, mientras la critica la aplaudió, no llego a conmover a un publico. Siendo esta cinta otro gran fiasco, en forma monetaria de la industria de Hollywood. Nota.-10/10
En 1961 Cannonball Adderley y Bill Evans se juntan para dar vida a un disco enigmático, melódico y con un toque clásico que se saldría totalmente de las tablas del Bebop. El enfoque romántico, denso y suave del saxofonista Cannonball Adderley con un pianista que transcribió las tablas de la música clásica europea al Jazz más vanguardista Bill Evans. Waltz for debby para mi es una de las mayores creaciones que se han llegado ha hacer dentro de la nueva era del Jazz. Una era donde el glamour del Jazz impregnaban las más prestigiosas salas de las ciudades.
Los dos músicos se conocerían en la grabación de el famoso disco Kind of Blue, creada por el sexteto de Miles Davis. A lo largo del primer trimestre de 1961, se reunieron en tres ocasiones en New York para grabar el álbum en Bell sound studios. Bajo la producción de Orrin Keepnews (Thelonious Monk, Wes Montgomery), para el sello Riverside.
Con ellos estaría Percy Heath al bajo. Mas conocido por haber trabajado en la segunda mitad de los '50 junto a Miles Davis, y Connie Kay un batería que sustituiría a Kenny Clarke en la Modern Jazz Quartet, y que sería habitual tocando junto a músicos como Charlie Parker, Stan Getz o Van Morrinson.
Como celebración de su 50 aniversario, el disco fue remasterizado este año. Con 3 canciones extra y nuevas lineas de notas. No se le pierdan, es una gran disco.
Este año el dibujante Norteamericano Robert Crumb. Encarta bajo un mismo libro. Las portadas y las viñetas que hizo en homenaje al mundo musical, durante toda su carrera profesional. En una entrevista que le hicieron hace años. El dijo que la música se murió después de los '40. Después fue toda una repetición de si misma. Pero en su trabajo realizo una portada para el grupo de Rock Big Brother & the Holding Company, con uno de los retratos más nombrados de la cantante Janis Joplin.
En su totalidad el libro es un verdadero homenaje al Blues primitivo, el Swing y el Jazz. Donde retrata a nombres tan indispensables como Cliff Edwards, Big John Wrencher, Charley Patton, Bessie Smith, tanto anuncios a compañías discográficas, o a si mismo con el grupo que regentaba R. Crumb and his Cheap Suit.
Este libro es muy fundamental para todos los seguidores del Blues, el Jazz y los que quieran profundizar dentro de las raíces de la música Folk americana de sus comienzos. Escrito y animado por uno de sus mayores fans de la música de primeros del siglo XX. Haciendo más que un retrato, un sentimiento en cada tono que dibuja. Recogido en una vida llena de música, que inspira toda su obra.
Para celebrar el 80 cumpleaños del pianista Oscar Peterson. El sello discográfico MPS subsidiario de la Universal remasteriza uno de sus grandes álbumes de 1971, ofreciendo un recital de 7 canciones. Donde entran composiciones suyas y de compositores muy variados. Llegando a co-escribir un tema el actor Charles Chaplin, junto a John Turner, y Jeoffrey Parsons, para la canción "Smile". Con el estarían dos grandes pesos dentro de la carrera musical de Oscar Peterson. Como son el contrabajista danes Nils-Henning Osted Pedersen, y el batería Louis Hayes. Haciendo demostrar la propia teoría del pianista. Donde decía que sus mejores interpretaciones, siempre van ligadas hacia un trío.
Great connection une a tres magos del Jazz, provocando estos momentos simplemente espectaculares dentro de la mejor formación que haya tenido el pianista Oscar Peterson. La década de los '70, es la mejor que tubo el pianista a nivel de ventas. Donde se muestran con una gran compenetración entre ellos, haciendo las mil y una delicias en canciones como, Youngerthan Springtime, con melodías muy densas en Smile, dejando un disco muy enigmático e imprescindible de escuchar por cualquier aficionado al mundo del Jazz.
Hace poco os hable de figuras tan importantes dentro del llamado free Jazz como son Sun Ra, o Jaco Pastorius. Para hoy os traigo otro de sus grandes exponentes, el gran saxofonista Eric Dolph, bajo la tutela de un gran directo recogido en Illinois, con el acompañamiento de Herbie Hancock, Eddie Khan y J.C. Moses. Aunque el disco fuera grabado en el 1963, no vería la luz hasta el 1999, rescatado por la Blue Note. Siendo este una escucha imprescindible para cualquier seguidor del free Jazz.
Eric Allan Dolphy
Nace un 20 de junio de 1928 en Los Ángeles. Sus inicios musicales estan ligados al Bebop junto a las bandas de Gerald Wilson y Roy Porter. Alabado y admirado por el saxofonista John Coltrane, con el que tocaría en su quinteto. Con el que graba los primeros álbumes para la Impulse a principios de los '60. Como el "Africa/ Brass '61". Con John Coltrane grabaría unos 4 álbumes. Su música se alegaría mucho de lo que acostumbraba el propio John Coltrane a su audiencia, llegando a ser muy criticado y en otros términos les llegaron a acusar de matar la esencia del Jazz.
Dentro de la banda que el lideraba llego a crear grandes obras como el aclamado "Out to lunch '64", editado poco antes de su fallecimiento y este imprescindible directo. Los dos grabados para la Blue Note.
Eric Dolphy fallece un 29 de junio de 1964 en Alemania.
Luna Llena es el primer álbum que graba Pedro Ruy Blas para la casa Polydor. Rodeado de grandes talentos en la música como es Jorge Pardo, Tomás San Miguel... entre otros. Luna llena es una de las más grandes canciones que he llegado a escuchar dentro del Jazz vocal. Ya le gustaría a muchos cantantes de Jazz tener este gran tema dentro de su repertorio.
El disco que os quiero presentar, es un disco que recoge unas cuantas sesiones realizadas en New York, por dos grandes genios como son el saxofonista John Coltrane y el pianista Thelonious Monk. Las sesiones fueron recogidas en el 1957 y fueron editadas en varios álbumes bajo el nombre de el propio Thelonious Monk, siendo recopiladas tiempo después dentro de un doble álbum.
Con ellos estarían un gran elenco de músicos y amigos de la pareja. Con los que ya era muy habitual verles u oírles conjuntamente en otros proyectos. Entre ellos están Coleman Hawkins, Ray Copeland, Wilbur Ware, Shadow Wilson, y Art Bakley. El disco demuestra una gran base demoledora a cuenta de unos genios que sabían bien con quien codearse y como llevarlo después a la practica, con canciones tan significativas como Ruby, my dear, Blues for tomorrow, u Off Minor.
Este es un gran disco que recomiendo a todos los seguidores de los dos músicos, y a todos los que le llegue el Bop al alma.
Siempre que llegue a escuchar la palabra armónica para darla vida por un músico. Me vinieron secuencias de Blues, o de un viejo marinero retratando su barco en medio de las olas de un mar o un océano. Pero cuando escuche por primera vez a Toots Thielemans y su forma de interpretarla me quede asombrado totalmente. Su forma de en raigar un instrumento, como es la armónica para un cuarteto de Jazz es pura ambrosía.
Jean-Baptiste Frédéric Isidor
Nace en Bruselas (Bélgica) un 29 de abril de 1922. Como músico profesional empezaría tocando la guitarra, y en 1949 comparte escenario en París, junto a grandes figuras del Jazz como son Charlie Parker, y Miles Davis...entre otros, para tocar una Jam sesión. En la década de los '50 cruza el Átlantico para mudarse a New York, allí empezaría a trabajar en la banda del propio Bird y también con Dinah Whasington. Una década después empieza a decantarse por la armónica, llegando a registrar la canción "Bluesette". Su forma de tocar la armónica entusiasmo mucho tanto al público como a los críticos. Llegando su música a el cine y la televisión. Demostrando su habilidad en películas como "Cowboy de medianoche", o en el espacio de televisión infantil "Barrio Sesamo". Dentro de su carrera profesional ha llegado a tocar y grabar junto a músicos de la talla de Jaco Pastorius, Ella Fitzgerald, o Quincy Jones entre otros...
En el 2009 se une a el guitarrista Philip Catherine para rendir homenaje a el 100 aniversario del nacimiento de Django Reinhardt.
Cuando el Blues de raíces se junta con el Gospel, siempre te conducirán a un gran camino, interpretado por una de las mayores figuras que ha dado el Blues como es el Reverendo Gary Davis. Su forma de interpretar cada tema y como hacerla llevar a los escenarios es todo un verdadero espectáculo. Y es que la pasión por el Blues no se ve en la estructura de cada canción, si no en su forma de interpretarla. Puedes ser muy técnico, pero si no posees ese brillo, esa chispa que te enganche en cada canción, no sentirás el Blues. Pero con el Reverendo era una teoría muy diferente, el tenía una gran técnica y su forma de cantar y en cada gesto que transmite en directo es todo una poesía. Que el deja como gran legado en este imprescindible álbum en directo, grabado en el Newport Folk Festival en un julio de 1965.
Blind Gary Davis.
Nace en Carolina del sur un 30 de abril de 1896, llegando a ser un profesor de la escuela de Ragtime en la década de 1920. Del cual es uno de los más brillantes profesores del estilo, dentro de su sabiduría musical. Prácticamente ciego, autodidacta como guitarrista. Empezando a procrear su pasión por el instrumento desde la temprana edad de 6 años. Atraído por músicos de la zona de Greenville, como son Willie Walker, Sam Brooks y Baby Brooks. En 1911, cuando su familia se muda de residencia, teniendo Gary Davis tan solo 11 años. El sería uno de los primeros guitarristas que empezarían a cambiar las estructuras de como escribir el Blues, siendo claro maestro, e influenciando a músicos de la talla de Blind Boy Fuller. Por otra parte el no haría un Blues básico, si no que uniría varios estilos como es el Jazz, el Gospel, creando su propio sonido basándose en las estructuras musicales de grandes guitarristas de la época como es Arthur Blake o Willie Johnson entre otros. Sus primeras grabaciones datan en la década de los '30, compaginando el Gospel-Blues y el Ragtime. Una época muy dura para un joven guitarrista callejero. Que interpretaría en sus letras al evangelio. Motivo por el cual le daría menos problemas con la policía. Hasta que decide mudarse finalmente a la ciudad de New York en la década de los '40. En un principio sus progresos artísticos no recalarían en las gentes de la gran manzana. El no empezaría a ser reconocido hasta en la década de los '60, bajo el movimiento de renacimiento popular . Hasta esos momentos, muy pocas veces habría firmado una canción en estudio. Llegando a ser tan solo 7 en la década de los '50. Su fama se acrecentaría, llegando a tocar delante de miles de personas, influenciando a músicos como Bob Dylan, Donovan, o Ray Cooder entre otros...
El Reverendo Gary Davis falleció en 1972 a causa de un ataque al corazón en New York.
¿Que puedo llegar a decir de Jaco Pastorius que no se haya dicho hasta ahora?A mi entender el a sido uno de los principales responsables, de que el Jazz rejuveneciese en una década tan difícil para el Jazz, como fue la década de los '80. Gracias a su técnica, manejando el bajo le ha echo un indiscutible para cualquier coleccionista de Jazz y de todos los seguidores de grandes talentos . Aunque su faceta más reconocida fuera la del manejo del bajo, el sería multo-instrumentista. Llegando a tocar el mandocello, el piano o la batería. Sus álbumes son un claro síntoma de grandeza, donde se dejaba llevar por las nuevas tendencias del Jazz fusión combinando con el Jazz clásico, dejándose hacer quererse por los sonidos de las grandes Big Band. En un principio si metemos todos estos estilos en una coctelera, seguro que el resultado sería totalmente explosivo. Pero a sabiendas de que es Jaco Pastorius el maestro de orquesta. El hará que nadie salga insatisfecho del resultado de cada una de sus grandes canciones.
The Florida concert es un directo grabado en el Fort Lauderdale. En el se celebraba su 30 cumpleaños. Su primera edicion saldría en el 1982, bajo el sello germano Jazz door, el cual fue re-editado tras su muerte en 1995 bajo el nombre de The Birthday concert, con un tema extra, "Happy birthday". Con el se asomaría en el escenario un gran elenco de músicos de la orquesta de Peter Graves, con Don Alias, Mitchel Brecker, Dan Bonsanti... entre otros muchos más que dieron homenaje a un gran músico como fue Jaco Pastorius.
Desgraciadamente la leyenda que cierne bajo los grandes maestros del Jazz, también recalo en el. Cuando en una noche de 1987 es golpeado hasta la muerte, y casi olvidado por completo. Marcus Miller rindio una canción a su figura "Mr. Pastorius", haciendo de su nombre una leyenda que sigue viva entre nosotros.
Después de diez años desde su ultimo trabajo juntos el matrimonio Alpert & Hall vuelven en este 2011 con un disco en donde recrean canciones de los 60 y 70 en tono de jazz,bossa y ritmos africanos . El "Moondance" de Van Morrison ,el "Fever" de Peggy Lee, y los clásicos beatlemaniacos como "Here Comes The Sun" y "Blackbird" son de la partida .
I Feel You fue grabado en Los Angeles y contó con la coparticipación de Bill Cantos en el piano, Michael Shapiro en la batería y Hussain Jiffry en el bajo.
La cálida voz de Hall recrea un viejo éxito (Berimbau) que grabo hace cuarenta años cuando participaba en la Sergio Mendez and Brasil ’66. Su marido también se saca el gusto de traer un éxito de antaño con "What Now My Love" de los Tijuana Brass redondeando un gran disco para tener muy presente en futuras listas navideñas .Grandes aportes y arreglos innovadores hacen de este nuevo proyecto una continuidad de la que seguro esperaremos mas en el futuro .
Herb Alpert & Lani Hall - I Feel You (2011)
Tracks :
1. Moondance
2. Cast Your Fate To The Wind
3. There Will Never Be Another You
4. Fever
5. Viola (Viola Fora De Moda)
6. Something Cool
7. What Now My Love
8. Here Comes The Sun
9. Blackbird
10. Club Esquina (Clube Da Esquina)
11. Berimbau
12. I Feel You
13. Call Me
14. `Til There Was You
Hablar de Pedro Ruy Blas es mencionar a uno de los más grandes interpretes de Jazz en España. En este doble cd recogen una de sus mejores épocas interpretativas al lado de una gran banda llena de ilustres músicos. Pedro Ruy Blas nunca a llegado a ser un músico para grandes masas pero su música podemos decir que es una pieza clave para entender el Jazz en España. Su estilo no se basa en el puritanismo, tal y como se entiende. El fusiona con raíces muy españolas como el flamenco, en el caso de la canción "El jaleo". También con algún enfoque hacia la copla, emulando a su madre. La cual fue cantante de copla, llegando a actuar en la compañía de Juanita Reina.
Con un contenido de 25 canciones donde destaco "Despertar", "Luna llena" o esa cancion con sabor a flamenco "El jaleo". Junto a le estaría una gran banda con nombres tan ilustres como Jorge Pardo, Tomas Vega, Tomás San Miguel, , Álvaro Yébenes, César Romero, y José A. Galicia. Dando vida a canciones sobre el amor, la revolución y en algunos casos evangelistas. En las cuales dedica una canción para su hermana en "Lina".
Dentro de una de las grandes tardes que se puede llegar a darse uno el gusto, es descansar en el sillón, y hacer poco más que dejarse llevar por las melodías de este gran disco. Milesin' no es un disco normal llevado al uso, si no la unión de tres grandes álbumes que le recogerían para encaminarlo hacia una fama que el realmente se iría forjando. Por su tenacidad a la hora de saber escoger con los músicos que el quería tocar, y por que no decirlo...el era ya sinónimo de pura música. Miles la llevaba en la sangre. Digamos que Milesin' es la union de varias grabaciones recogidas a partir de 1955 hasta el '56, con una formación de puro lujo, en la cual cabe nombres tan históricos para el Jazz como el señor (perdónenme pero cuando digo este nombre siempre me suelo poner de pie) John Coltrane. Muy pocos saxos han sabido llevar el puritanismo del Jazz y al mismo tiempo acoplándolo a una personalidad tan fuerte, que sería el icono para seguir por muchos músicos.Junto a ellos dos estaría un gran amigo que se pasaría media vida acompañándoles musicalmente, Paul Chambers. Uno de los mayores contrabajistas del Bop, llegando a grabar y tocar en las formaciones de Miles Davis y John Coltrane por separado. El fue uno de los músicos que daría vida a el mejor o más reconocido cuarteto de John Coltrane. A la base del piano esta Red Garland, el fue el pianista de Miles Davis durante casi toda la segunda parte de la década de los '50. Llegando a grabar 7 álbumes, su toque es muy clásico y melódico. Legando a recordarme mucho a Bill Evans. En la batería Philly Joe Jones, un batería con un curriculum impresionante, el llegaría a tocar cono los más grandes del mudo del Jazz, y es que habilidades no le faltaban. Tenía una gran técnica, siendo en momentos muy agresiva pero que daba mucho juego a las melodías.
En definitiva, Milesin' es una obra en la que se descubre a un joven Miles Davis queriéndose comer el mundo musical, junto a la estimable compañía de tres músicos de alto peso.
Cuando el saxofonista Lester Young dejo la banda de Count Basie en 1940. Su vida músical daría un giro enorme, tal y como el demostraba con su propio saxo con la banda de Count Basie. Desconcertante pero al mismo tiempo pasional. Unicamente le pudo frustrar por un tiempo su carrera musical. Cuando fue llamado a filas y se le hallo una bolsa de marihuana. El joven saxofonista fue recluido en la prisión militar, donde permaneció durante 5 años. Pero esto es solo el principio de una gran promesa que se llego a convertir en uno de los más grandes saxofonistas que llego a tener el sello Vervet. En sus grabaciones reposan el ritmo frenesí del Swing hasta la más melodiosa nota de una balada, haciéndola densas y emotivas. Con notas muy largas que llegaban totalmente al corazón.
Para TSI-NA-PAH ¡muchas gracias por este gran regalo!
El trompetista Winton Marsalis visitara Europa en el 2012. Por el momento solo ha dado fechas para Inglaterra. En las cuales tendrá por una noche como invitado especial a Chucho Valdes. Las fechas serán para el mes de julio. En ello me hace pensar que hay posibilidades que pueda pisar España. Teniendo en cuenta el festival de Jazz de Vitoria y el de San Sebastián, que se celebran por esas fechas. Bien se me hace la boca agua de poder ver a este genio de la trompeta. Heredero de Miles Davis, y miembro de una de las familias más respetadas del mundo del Jazz.
Fechas para Inglaterra.-
12-07-2012 Barbican Hall, Londres.
13-07-2012 Barbican Hall, Londres.
14-07-2012 Barbican Hall, Londres. Artista invitado Chucho Valdes.
15-07-2012 Hackney Empire o Victoria Park (TBA). Junto a JLCO.
25 y 26-07 2012 Barbican Hall, Londres. Junto a JLCO y la London Symphony Orchestra.
En el 2010 uno de los más grandes baterías del Jazz, Al Foster comandando su cuarteto. Graban este magnifico disco en el Club Village Vanguard en New York. El cual daría pie a una gran gira, que le llegaría a acercar a Europa. Con el están Kevin Hays al piano, Douglas Weiss al bajo, y Eli Degibri a los saxos. Dentro de un cd con 6 canciones impregnadas de bop, Blues y unos músicos que te dejaran un momento de escucha inolvidable.
Aloysius foster.
Nace un 18 de enero de 1944 en Richmond, Virginia. De crio era un apasionado por la música y autodidacta, el mismo sin ayuda de profesores aprendió a tocar la batería con tan solo 13 años. Lo que le hizo valedor de grabar a los 16 con Blue Mitchel bajo su nombre real de Aloysius Foster para el álbum "The thing to do". Su gran oportunidad dentro de la música profesional vendría dad de la mano de Miles Davis, en 1969. Davis le contrato para su banda en la cual permaneció hasta 1985. Pero su carrera musical también esta ligada a músicos tan notables como Sonny Rollins, Thelonius Monk, o Joe Henderson entre otros. Una vez que termina su etapa junto a Davis, el propio Foster empieza a crear sus propias bandas, y en colaboraciones con otros músicos, pero estando totalmente por libre.
Este año 2011 el grupo londinense Led Bib han vuelto a dar una nueva descarga de Jazz progresivo. Con un nuevo trabajo llamado Bring your own. Su música esta basada en experimentar el Jazz con nuevas tendencias como el Rock, el Funk o la electrónica. Si ellos hubieran surgido en la década de los '60, su música hubiera sido comparada y expuesta al lado de grandes maestros del Jazz como Sun Ra. Leb Bib tienen la misma visión a la hora de componer que en su día el maestro Sun Ra. A través de notas crean y recrean ambientes muy dispares, con instrumentos nada comunes dentro del Jazz. haciendo un ejercicio de total autenticidad a la hora de interpretarlos. Sin duda Bring your own es un repertorio de 10 canciones que no dejaran indiferente a nadie.
Led Bib nada más nacer en el 2003 conseguirían rápidamente una gran aceptación llegando a grabar dos años después su primer álbum "Arboretum". El cual recibiría el premio Whittingham en el 2005. Su discografía hasta el momento es de 5 discos. Siendo Sensible shoes (2009) nominado a el premio Mercury.
Darnell Martin escribe y dirige una película homenajeando a uno de los sellos más importantes de el Blues, la Chess records. Las actuaciones están muy logradas, incluso la de Beyonce me llega a convencer. Pero la historia en si tiene más agujeros que un queso gruyere. Si fuera una historia con un sello ficticio, en el cual homenajean al blues en su totalidad, vale... cuela. Pero el sello discografico Chess existió en realidad y los integrantes, músicos de el también.
En primer lugar Chess fue fundada por los hermanos Leonard y Phil, este segundo no llegan a mencionarle en ningún momento de la película. Willie Dixon fue la principal causa por la que Muddy Waters y Howlin' Wolf se peleaban. Howlin' le acusaba de sobornar a Dixon para que le diese las mejores composiciones, y en la película dan más valor a un ataque de egos entre los dos que en lo que sucediera en realidad. Se olvidan de otra figura importante para el Blues como a Bo Diddley, sobretodo para los hermanos Chess, ya que ademas de ser propietarios de la discográfica conocida por su apellido, ellos también tendrían sellos subsidiarios como el Checker. En los cuales tendría en nomina a músicos de la talla de Flamingos, Aretha Fraklin, Little Milton...entre otros nombres. Little Walter muere solo en su casa a causa de las heridas de una pelea, en la película lo pone con un toque mucho más romántico. Junto a la mujer que nunca pudo llegar a amar. Si, es bonito. Pero no se ajusta para nada a la realidad.
Me gusta.
Es un buen homenaje para el Blues y así reivindicar su legado. Las actuaciones y la música que rodean a todo su conjunto es maravillosa. En ella muestran todos los tropiezos, lo que le puede hacer a alguno por su ego de músico y el mal del odio racial.
No me gusta.
Para poder ser una película, que con un buen documento para acercarse a la Chess, la dejan como una película de palomitas y poco documentada.
Antes de que Robert Johnson marcara un estilo a seguir dentro del llamado Blues Delta. El Blues era más caracterizado por ir de la mano del Folk americano. Entre ellos muy pocas bandas llegaron a ser registradas en sus días. Siendo la inmensa mayoría resucitadas por la biblioteca nacional estadounidense a finales de la década de los '50, primeros de los '60 o compañías discográficas que buscaban en algunas ocasiones profundizar en las raices de su música o que verían un negocio en ella. Para los que no los conozcáis Mississippi Sheiks es la banda que crearon los hermanos Chatmon a finales de la década de 1920. De allí saldría uno de los guitarristas más famosos que tuvo el Blues, Sam Chatmon (en su carrera como solista no sería descubierta hasta la década de los '60), siendo unicamente cantante en la banda donde comparte el protagonismo de la voz junto a Walter Vincson, guitarra y voz junto a sus hermanos Lonnie Chatman al violín, Bo Chatman a la guitarra. Es curioso por que en el disco en el que se recopila su apellido viene como Chatman y en solitario lo bautizaron como Chatmon. Su música es muy enérgica dando pie a el Folk de los años de la depresión americana. Fuera de lo que podríamos entender como la música evangelista. Música que muchos grupos de Folk blanco espiritualizaban en unos tiempos muy graves dentro de una crisis profunda que arrastraría a muchas familias a la pobreza. De su repertorio saldría una de las canciones más clásicas para el Blues de la mano de Robert Johnson, "Sitting on top of the world", renombrada como "Come on in my kitchen" por el propio Johnson. El juego del violín daría un toque especial, a un blues del cual era más caracterizado por la guitarra, la armónica, el banjo o el piano.
Aparte de Ornette Coleman, el Jazz free jugo una importante baza en músicos tan puntuales como Sun Ra. Un pianista que no se centraría en ninguna base amoldada, buscando el intercambio de culturas y estilos recreando ambientes tan dispares, como el propio sonido de una jungla llevada por trombones, tambores, y metales. Solo aptas para gente que busque sonidos nuevos aunque estos no contenga en algunos casos musicalidad. Y este puede ser el claro ejemplo, What planet is this? es más bien un cúmulo de sensaciones, de visiones. Es un directo más bien para disfrutarlo en vivo (llevando un escenario y una presentación adecuada) que en disco. Para muchos críticos de música, Sun Ra fue uno de los músicos que más llego a arriesgar dentro del Jazz, experimentando dando un paso por delante. Ese paso que muchos no entendieron a dar. Eso si, cuando el se ponía serio dentro de un disco de Hard Bop, el era único dentro de su escena. Dando clases magistrales de autenticidad. Digamos que en el Rock, le podríamos comparar con Frank Zappa. Ellos experimentaban sensaciones aunque a la hora de la practica no llegasen a ser comprendidas por un numero mayoritario de público, al mismo tiempo que cuando querían sonar dentro de el Jazz o el Rock, hicieron autenticas obras maestras.
What planet is this? es un disco con un gran director como es Sun Ra. Dirigiendo un orquesta que se basa en la música experimental, acompañados de la voz de Ruth Wright. Grabado el 6 de julio de 1973 y editado el 16 de mayo de 2006.
Para hoy os quiero recomendar uno de los más grandes libros que se han llegado ha escribir en la historia del Jazz. Este libro más de ir a ser una autobiografía es más un verdadero espectáculo, donde pasan muchos nombres de músicos que el destino no les otorgaron el sillón en el mundo de la fama que ellos se merecían. Y todo relatado por el más celebre compositor de su historia. Duke Ellington. Director de la mayor Big Band (con permiso de Count Basie), que ha llegado a escribir con letras de Oro todas su partituras, siendo a la vez la lanzadera al estrellato de músicos que hoy en día siguen siendo tan esplendidos como lo fueron e su entonces.
El libro fue editado por primera vez, poco antes del fallecimiento del gran ilustre (en castellano se edito en el 2009). Donde nos cuenta todas sus vivencias y deja claro que entre amigos siempre sale la música más espontanea, más de corazón. Por su manera de expresarse y su visión de como ha sido una vida llena de grandes experiencias este es un libro que si amas la música, no te lo tienes que perder.
Cuando hablamos de la isla caribeña de Jamaica lo primero que se nos viene en mente es el reggae ,esta corriente musical tiene calado en sus raíces mas profundas al jazz y el pianista Monty Alexander da prueba de ello . Este año se ha despachado con un directo en donde realiza un viaje de ida y vuelta por estas dos músicas tan emparentadas ,haciendo escalas en las estaciones Calipso , Ska y Dub con notable resultado .
Una muestra mas de este extraordinario pianista que si hubiese nacido en la gran manzana gozaría de una popularidad mas acorde a su talento .
Desde muy joven recalo en Miami y gracias a la buena fortuna y el buen oído de un empresario que lo llevo a New York para actuar en su club con muy buena aceptación para de ahí en mas dominar la escena jazzistica de la ciudad que nunca duerme . Ha llegado a trabajar con nombres de la talla de Ray Brown y participado de los mas prestigiosos festivales alrededor del mundo (su recordado directo en Montreux es altamente recomendable ) se acerca mas a la escuela del gran Oscar Peterson por su estilo clásico pero cuando deambula por otros estilos sabe salir bien parado .
Un disco recomendable para pasar un momento agradable en compañía de mojitos que corren por cuenta del amigo Pedro jejeje
Monty Alexander - Harlem-Kingston Express Live (2011)
01 - Strawberry Hill
02 - High Heel Sneakers
03 - King Tubby Meets The Rockers Uptown
04 - Eleuthera
05 - Sweet Georgia Brown
06 - Freddie Freeloader (Riddim)
07 - The Heathen
08 - Compasssion
09 - Running Away
10 - Day-O (Banana Boat Song)
11 - No Woman No Cry
Personnel: Monty Alexander (piano); Yotam Silberstein (guitar); Andy Bassford (electric guitar); Hassan Shakur (acoustic bass); Hoova Simpson (electric bass); Karl Wright, Obed Calvaire (drums).
Uno de los mayores bajistas que ha dado la historia del Jazz acompañando a grandes iconos como Miles Davis, John Coltrane, Sonny Rollins, Chet Baker, Wes Montgomery... o en sus propias bandas a sido sin duda el maestro Paul Chambers. El supo impregnarse de la cultura musical de grandes maestros a los que les acompaño en estudio y en directo, para luego llevar ese mismo carácter a sus propios proyectos. Este Quintet viene acompañado de grandes figuras como Donald Byrd, Cliff Jordan, Tommy Flanagan y Elvin Jones, experimentando en un disco lleno de melodías clásicas. A primera vista suena muy clásico, limitándose ha hacer Bop sin fisuras pero de este quinteto saldrían músicos que años después empezarían a codearse con el Jazz fusión. Como Donald Byrd, que fue uno de los pioneros en mezclar el Bop con el Funky y el Soul.
Paul Chambers.
Paul Laurence Dunbar Chambers Jr. nació un 22 de abril de 1935 en el estado de Pennsylvania, trasladándose pronto a Detroit, después del fallecimiento de su madre. La música le vendría en el colegio, siendo el bombardino su primer instrumento musical. Dentro de su carrera amateur, Chambers a llegado a ejercitar con el Violonchelo, la tuba, el saxo barítono, el barítono cuerno. Con 15 años empieza a interesarse por la música que traía genios como Charlie Parker, y en especial e su contrabajista Jimmi Blanton, un genio de las 4 cuerdas que empezaría a cambiar el modo de ver al contrabajista, dejándose de ser un simple acompañante. A Chambers le apasiono el instrumento y su forma de tocarlo. Poniéndolo como su instrumento principal. Sus más claras referencias a la hora de tocar las podemos encontrar en nombres como Milt Hinton, Paul Chambers, u Oscar Pettiford... Y como a muchos de las grandes promesas, el reconocimiento le llegaría en la década de los '50, integrándose en las bandas de Miles Davis, Sonny Clark, John Coltrane (creando el mejor cuarteto que tuvo en la carrera de Coltrane como líder), Gil Evans, y liderando sus propias bandas, siendo "Chamber's music" su primer álbum grabado para la Alladin/Jazz West en el 1956.
Paul Chambers fallecio a la temprana edad de 33 años de una tuberculosis en el 1969 un 4 de enero. Jin Stinnett llega a crear una obra llamada "La música de Paul Chambers" inspirada en su carrera musical y recogida de varios fragmentos grabados en directo.
El músico, compositor, productor y profesor de Jazz Ted Gioia nos acerca al mundo del Blues. En el nos llevara a un gran viaje amenizado por el inconfundible sabor a Delta, empezando por la cuna donde le vio nacer. Haciendo connotaciones de la zona, y un breve resumen de como se vivía en aquella época en las orillas del rio Mississippi. En el libro también relata sus primeros protagonistas que se dieron a conocer y que aunque todavía no se sabe a ciencia cierta de quienes fueron los primeros Bluesman, en el libro no falta nombres de la tala de Robert Johnson, B.B. King, Howlin' Wolf... describiendo un estudio sobre sus vidas y como llegaron ha hacerse los grandes músicos que hoy en día conocemos.
Ted Gioioa en una gran obra maestra nos muestra con pasión todo lo acontecido dentro de el Blues. El profesor y músico, además de producir álbumes para bandas de Jazz. Es un celebre escritor de libros referentes al Jazz y el Blues. Llegando a tener estos una gran acogida entre los lectores y los críticos. Llegando a ganar varios premios y sellando los libros como Best-seller gracias a sus ventas. Ahora mismo en Estados Unidos se ha publicado su nueva obra: The birth (and death) of the cool. Esperando impacientemente su traducción al Castellano.
En la década de los '50, muchos músicos de la nueva ola del Jazz empezarían a buscar su valía dentro de la música profesional. Por otro lado ante el futuro tan prometedor y con tantos talentos jóvenes, los músicos ya asentados dentro de la industria musical. Buscarían en ellos nuevas miras para poder ampliar y no estancarse ante los nuevos sonidos que impregnarían por la noches los clubs de Jazz. En este caso fue Gerry Mulligan quien dio una oportunidad a un joven trompetista llamado Chet Baker. El joven trompetista se uniría al cuarteto que en esos momentos, el propio Mulligan habría decidido prescindir de piano, para poder intesificar su sonido, pero que a la hora de la practica quedaría un poco cojo. Notándose claramente su ausencia. El resultado fue una unión de el dinamismo de Mulligan con la melancolía del Baker. Bajo este cuarteto grabarían varias sesiones, las cuales no llegarían a convencer a Mulligan, y que saldría en formato de The best, con lo mejor de las grabaciones que fueron hechas para el sello Pacific Jazz en 1953. Junto a ellos en dichas grabaciones estaría uno de los mejores baterías que dieron el mundo del Jazz como es Chico Hamilton. Sin duda es uno de los grandes maestros que todavía nos sigue dando alegrías musicales encima de un escenario.
Dentro de las grabaciones destacaría un tema que estaría presente en la carrera musical del propio Baker durante toda su vida "My funny valentine".
En el mismo año de la salida de las grabaciones, Gerry Mulligan fue detenido por consumo de heroína. Dando por acabado el cuarteto. Aunque el propio Mulligan nada más salir de el correccional se empeñaría en volver a contratar a Baker, el trompetista ya habría reconducido su propia carrera musical. Desestimando totalmente la oferta de su amigo. Eso si, ellos tendrían en un futuro la oportunidad de volver a salir juntos en un escenario años más tarde.
En 1957 un elenco de grandes figuras del Jazz, se unen al quinteto del batería Art Bakley para dar vida a una Big Band repleta estrellas de Jazz del momento. Ellos serían claros maestros de la cultura Bop de finales de los '50, que llegan a unirse al ritmo de swing, (en cierta medida) además de dejar clara su postura hacia los sonidos de el bop llevado a una banda de 15 músicos. En el álbum también hay un pequeño espacio para un par de canciones grabadas por el quinteto, siendo Coltrane testigo invitado que hará las delicias con su saxo.
Desde el puro sentimiento por el Blues y los compases melódicos a cargo de notas impregnadas de Bop. O las claras melodías que muchos músicos en las primeras décadas del siglo XX decoraban las películas de la edad de Oro, al cual fue bautizado como el Swing. Pero La Big Band de Art Blakey no llega a ser la usual Big Band que se dio a conocer en su plenitud. Muchos tachaban al nuevo estilo de surrealista y frio. En esta grabación reivindican un homenaje a sus antiguos sucesores, al mismo tiempo que marcan un nuevo camino al que seguir. Poniendo sus propios conocimientos dentro de un Swing que se codea con el Bop sin que ni uno de los dos pierda ni un ápice de fuerza. Con ellos estarían músicos de la talla de Donald Byrd, Idrees Sulieman, Bill Hardman,y Ray Copelan, como trompetistas, Melba Liston, Frank Rehak, y Jimmy Cleveland a los trombones, Sahib Shihab, y Bill Graham al saxo alto, John Coltrane, y Al Cohn, como saxo tenor, Bill Slapin como saxo baritono, Walter Bishop Jr. como pianista, Wendell Marshall al bajo y Art Blakey a la batería.
El prestigioso guitarrista de jazz ,Bill Frisell ha publicado este año un disco tributo a una de sus mayores influencias ,el beatle John Lennon .Después de haber hecho lo mismo en trabajos anteriores con Dylan y Madonna ,este 2011 lo encontramos con 16 canciones ,algunas conocidas y otras no tanto del creador de "Across the Universe" .Esta ves contó con la colaboración de su grupo de confianza (Jenny Scheinman , Tony Scherr, Greg Leisz y Kenny Wollesen) y la idea la tuvo en su cabeza desde la temprana edad de 13 años en su Colorado natal .
"La música de John Lennon ha estado conmigo desde siempre, las canciones son parte de nosotros ,esta en nuestra gen , nos hemos estado preparando toda la vida para esto ".
Y ha decir verdad tiene mucha razón ,seguramente este trabajo no sera el ultimo en homenajear a Sir John .
Principalmente inspirado por los sonidos de la World Music (Paul Motian, Thelonious Monk, Charles Ives, Sonny Rollins y John Zorn) ,Frisell en varias oportunidades se ha apartado del jazz y ha salido airoso en mas de una oportunidad y con "All We Are Saying" no es la excepción .
Un acertado tributo para los amantes del beatle como así también para con sus seguidores jazzeros
Bill Frisell - All We Are Saying (2011) The Music of John Lennon
Tracks :
1. Across the Universe
2. Revolution
3. Nowhere Man
4. Imagine
5. Please Please Me
6. You've Got Hide Your Love Away
7. Hold On
8. In My Life
9. Come Together
10. Julia
11. Woman
12. #9 Dream
13. Love
14. Beautiful Boy
15. Mother
16. Give Peace a Chance
17. Strawberry Fields
Line up :
Bill Frisell (guitars)
Jenny Scheinman (violin)
Greg Leisz (steel guitars, guitars)
Tony Scherr (bass)
Kenny Wollesen (drums)
Bill Frisell - The making of.... "All We Are Saying"
Elvis Costello & Bill Frisell - If I Only Had a Brain
Atraído por los nuevos ritmos que empezarían a expandirse dentro del Jazz de la mano de uno de los mayores saxos de su historia Charlie Parker y su bebop. Muchos músicos se subieron a ese dinamismo musical yendo un paso más hacia adelante, siendo mucho más agresivos, al mismo tiempo sin perder el aroma del sabor al Blues . También fusiono el Jazz con ritmos latinos como la bossa nova, el cual seria un ejemplo a la hora de seguir Stan Getz en su carrera musical. Horace Silver fue uno de los pianistas clave para poder llevar el hard bop a escena. Siempre franqueado por músicos de la talla de Joe Henderson, Blue Mitchel o Carmell Jones... Llegando a grabar uno de los mayores discos que tiene en su haber la historia del hardbop como es el "Song for my father", registrado en varias sesiones, entre los años 1963 y 1964 con dos quintetos, a los cuales estarían presentes Carmell Jones a la trompeta, Joe Henderson al saxo tenor, Teddy Smith en el bajo Roger Humphries a la batería, y un segundo con Blue Mitchel a la trompeta, Junior Cook al saxo tenor, Gene Taylor al bajo, y Roy Brooks a la batería, al mismo tiempo sien Horace Silver pianista y confeso unas grabaciones donde las fusión de estilos empezarían a dar forma una nueva moralidad de ver el Jazz moderno. Horace Silver se muestra muy clásico al mismo tiempo que dominante dentro de la estructura de sus canciones y a la vez que muy agresivo a la hora de enfocarlas, con una base muy simple que al poco tiempo va desatando un raudal de emociones con el codeo de unos grandes músicos que daban la talla en todo momento. Y es que querido lector así era el Jazz, imprevisible y con una pasión en cada nota desorbitada.
Martin Silva Tavares.
Nace en Norwalk, Connecticut (USA), sus comienzos musicales correrían a cargo de un saxofón, pero con el tiempo entraría el piano en su vida estableciéndose como su instrumento con el cual toca durante toda su carrera profesional. Su mayor influencia dentro del piano fue Bud Powell, músico clave para el bebop. Su primer grupo The Silver en forma de trio. Con ellos tocaría en el Cavo Verde cuando todavía era un músico amateur. En un concierto que dio Stan Getz en Hartford, el grupo de Silver fue el invitado a acompañarle, el propio Stan quedo tan impresionado que decidio contratar a los tres músicos.
En 1951 se traslada a vivir a New York donde daría conciertos todos los lunes por la noche en el emblemático Club de Birdland. Allí se ganaría una buena reputación llegando a firmar su primer contrato discográfico con el sello Blue Note. Con ellos grabaría álbumes hasta 1980. De esa alianza saldría grandes formaciones de grupos donde la más destacada sería el Jazz Messengers que creo junto a Art Blakey. La formación llegaría a durar unos 4 años, llegando a grabar el directo ofrecido en el Birdland "A night at Birdland vol. 1", al mismo tiempo que se haría músico de sesión llegando a grabar para el grupo de Miles Davis "All Stars" con quienes graba el álbum "Walkin'" en 1954. Este disco sería el último que llega a grabar fuera de la casa Blue Note, dedicándose exclusivamente a ella durante 26 años.
La consagración del Hard bop.
Uno de los grandes aspectos que tuvo su entrada en el sello de Blue Note, fue la total libertad que le dejo Alfred Lion, co-fundador del sello, a la hora de producir sus discos. Creando un nuevo estilo musical, en el que juntaba el rhythm-and-blues, y el Jazz con el gospel. Su música sería muy bien acogida por un numeroso publico el cual encontraban en el la melodía y al mismo tiempo la amplitud de los sonidos del bop. Este dejada de ser frio y en ocasiones menos técnico para pasar a ensayos más románticos y bailables. En su haber cuenta con la ayuda en sus obras de grandes talentos como Blue Mitchel, Hank Mobley o Junior Cook, llegando su mayor reconocimiento musical a finales de los '50. Con discos que pasarían a ser indiscutibles dentro de cualquier colección de la nueva época del Jazz moderno.
Horce Silver abandona Blue Note para crear su propio sello discográfico, su música se iria hacia caminos más espirituales y sus composiciones así lo reflejarían en discos como "Continuity of spirit" en 1985, también haría alguna colaboración durante la década de los '90. Muchos son los músicos que salieron a dar vida a el Jazz bajo la influencia de Silver y que con el tiempo se harían piezas fundamentales para dar continuidad al Hard Bop. En la actualidad vive retirado del mundo de la música en California, siendo su familia su única ocupación.
