Uno de los más grandes trompetistas de la transición entre el Swing y el Bebop, fue Cliffford Brown. De su corta carrera musical no se llegaría a sacar grandes discos. Éxitos inmediatos, ya que su música no estaría nada definida en aquella época. Su trompeta sonaba al más puro estilo de Fast Navarro, un trompetista Afro-americano, considerado como uno de los padres maestros del Bebop. Pero por su forma de tocar, el sonido tan envolvente y el punto cómico que desprendía en cada nota, recuerda otro de los grandes maestros, como es Louis Armstrong. Haciendo de su música una escucha fiestera. Al mismo tiempo que muy bailable, echa para levantar el animo y sorprenderte con grandes melodías.
The beginning and the end es un álbum que grabaría en 1956, poco antes de fallecer en un accidente de trafico recogiendo unas grabaciones de 1952. En el disco suena a una banda mucho más comprometida con el Swing, bajo el enfoque de una trompeta en modo de Bebop. Apreciando la evolución musical del trompetista. Como su música va evolucionando, y metiéndose más en los terrenos del Bebop.
Vivió deprisa y murió muy joven con tan solo 25 años. De su legado llego a influir a músicos de la talla de Lee Morgan, Feddie Hubbard, o Wynton Marsalis entre otros. En 1972 seria incluido en el Jazz hall of fame. The beginning and the end es otro gran disco para tener en cuenta por los grandes aficionados del Jazz, muy recomendable.
Taylor Hackford retrata la figura de uno de los músicos más grandes de la historia del R&B, como es Ray Charles. Siendo interpretado por el actor Norteamericano Jaime Foxx.
La película comienza cuando el músico en sus años jóvenes comienza a recordar toda su niñez. Con la pesada sombra de la muerte de su hermano, y como por culpa de una enfermedad se fue quedando ciego. Hasta perder la vista del todo. Por su condición de invidente el músico llega a ser ninguneado en muchas ocasiones, estando siempre su valor y exigiendo un respeto que en muchas ocasiones, se le es denegado. La película muestra un músico que lucha a contracorriente, por dejar una enorme huella dentro de la escena musical. Habrá cosa en ella que harás respetarlo y apreciarlo, pero como todo tiburón dentro de una gran pecera, se comerá a otros peces para poder estar en lo más alto. Sus adiciones con la droga, el poco respeto hacia sus compañeros o el menos precio que daba a las mujeres, como a sus esposas. Demuestran que detrás de los escenarios, no brillan tanto las estrellas como encima de ellos.
La película cuenta con un gran guión y un interprete (Jaime Foxx) que bordara totalmente el papel de Ray. El cual fue premiado por la academia cinematográfica y por la BAFTA o los premios Globo de Oro como el mejor actor de año, además de ser nominado y premiado en muchos más festivales cinematográficos. Otro de los puntos más grandes de la película irán con las excelentes actuaciones de Regina King como Margie Hendricks, una cantante que amo a Ray Charles tanto, hasta el día de su muerte. Si os gusta el R&B, y el Jazz clásico esta es una película que os aconsejo que veáis, disfrutareis mucho al ritmo de su música.
El escritor y critico musical francés Lucien Malson, nos adentra en un breve recorrido por el mundo del Jazz desde sus inicios a lo largo de 246 paginas. En las que hace reseñas de grandes maestros desde King Oliver, pasando por Louis Armstrog, Duke Ellington, hasta llegar a Miles Davis, John Coltrane. Terminando por hablar del rey del Blues, B.B. King. Desde los principios del Swing hasta la era del Bebop. Dando un estudio pequeño estudio sobre las formas de componer de cada uno de los músicos, sus discos más representativos haciendo una gran muesca dentro del mundo musical.
El libro me ha gustado por su forma de escribir, y recitar. Es de lectura rápida, sin profundizarse mucho dentro de cada músico. Al mismo tiempo le veo un poco desordenado, carece de un indice y no sigue una época paulatina. Es decir que no sigue el curso de una época. Aquí es donde te hace perderte un poco. Ya que si hubiese mostrado a los músicos con los acontecimientos de la época, hubiera sido como una novela dentro del mundo del Jazz. Dejándola tan solo como un libro al que le puedas coger referencias de tus músicos favoritos. Los maestros del Jazz, no es un libro que te llegue a enamorar pero se nota la buena mano de Lucien Malson, y sus conocimientos sobre el Jazz.
Otra de las grandes obras que ha editado el sello CTI. Es este magnifico disco del guitarrista norteamericano George Benson. Siendo producido por Creed Taylor, dando pie a un álbum de Jazz fusión. En el cual se recogen 5 canciones, haciéndose con una interpretación de Miles Davis con el tema So what. Junto a George Benson estarían Clarence Palmer al órgano, Ron Carter al bajo y a la batería Jack DeJohnette.
Beyond the blue horizon es para mi una de las más grandes obras que a llegado a crear el guitarrista. Haciendo un disco denso y muy enigmático. Con unas intervenciones a la guitarra donde la impregna de todos los sonidos que jugaron en su carrera profesional, como el Jazz, Soul, Funk, o el R&B.
Una de las mejores facetas que tenia el productor Creed Taylor, era la libertad absoluta que dejaba. Para que los músicos se pudieran explayarse mejor. Era muy meticuloso con el trabajo que le habían asignado. Pero daba fe a no entrometerse dentro de la labor de los músicos. Los cuales con total libertad sacaron lo mejor de si.
El disco vería varias revisiones, en las cuales añadieron 3 bonus tracks, con tomas alternativas de las canciones All clear, Ode to a kodo, y Somewhere in the east. Para todos los aficionados del Jazz guitar y el Jazz fusión, este es otro disco a tener en cuenta.
En cuanto la música de Nina Simone se mete en la radio de tu casa, no la dejaras soltar en la vida. Mágica y enigmática te atrapara, te seducirá. Haciendo de melodía para cualquier velada romántica. Donde el poema de amor siempre lo puso en los labios de la gran diva Nina Simone. Uno de los álbumes que más guardo con cariño es este Silk & Soul. Donde la belleza musical es aromatizada por el alma de una poderosa voz clamando hacia el amor.
Silk & Soul fue grabado para la casa discográfica RCA bajo la producción de Danny Davis. Formado por 10 canciones compuestas por Billy Taylor, Terry Kirkman, Andy Stroud, o un tema compuesto por la misma Nina, "Consummation". De las cuales destaco Love o' love, I wish I knew how it would feel to be free, o Go to hell.
Nina Simone dejo una huella imposible de borrar dentro de la canción melódica. Donde su música siempre ha sido atraída y entonada por grandes músicos, haciendo de ella un legado imperecedero. Para mi Silk & Soul es otro disco a tener en cuenta. Uno que no debe faltar en su discografía.
Hoy me gustaría hablar de un gran trompetista de Hard Bop, Freddie Hubbard. Trompetista americano que en la década de los '70 se influyo por el Free-Jazz impregnándolo de Soul y Funk. Straight life es una maravillosa obra retratando los nuevos sonidos del Jazz que se iban acercando a la nueva era de los sonidos más vanguardistas del Jazz. Los cuales poco a poco se iban metiendo en las melodías y música de los grandes maestros. La portada, siendo un retrato hacia la estatua de la libertad. Es un sinónimo de la música que el estaba creando en esos momentos, el Free Jazz.
El disco esta grabado por un sexteto con músicos que hicieron muy grande la nueva etapa en la que se veía sumergida las nuevas corrientes del Jazz. Entre ellos hacen presencia nombres tan destacados como Herbie Hancock, George Benson, Ron Carter, o Joe Henderson. Con una base de percusión de Richard "Pablo" Landrum, haciendo dúo al lado de un gran baterista como es Richard "Pablo" Landrum. Creando un álbum con 3 canciones con momentos muy emotivos, muy brillantes. Pero si eres de los que los temas de más de 10 minutos no te atraen, este es un álbum que se te hará un poco cansado.
El disco fue grabado a finales de 1970, siendo estrenado en 1971 para el CTI records,siendo producido por Creed Taylor. Antiguo productor de la casa Impulse!. Para todos los aficionados al Frre Jazz, o al Jazz-Rock, este es otro disco que hay que tener en cuenta. Su dinamismo, su técnica y unos músicos que estaban en estado de gracia. Haciendo unos momentos memorables.
Formación:
Freddie Hubbard.- trompeta.
George Benson.- guitarra.
Ron Carter.- bajo.
Jack DeJohnette.- batería.
Herbie Hancock.- piano eléctrico.
Joe Henderson.- saxo tenor.
Richard "Pablo" Landrum.- percusión.
Ayer jueves 26 el saxofonista de New Orleans se presento ante su público de Valladolid para ofrecernos un recital de poco más de una hora y media plagado de ritmos de Bebop. Jesse Davis que lleva ya unos cuantos años residiendo en Europa, trajo una banda de ensueño, recitándonos pases de Charlie Parker, Thelonious Monk o Cannonball Adderley. En formato de cuarteto con el estaría el pianista Joan Monné ( Dick Oatts, Scott Hanilton) al contrabajo esta Ignasi González ( Marc Fosset quartet), y a la batería (Regular Partners).
El concierto empezaría suave, con ritmos de Bebop muy técnicos y con una compenetración que iría a más velocidad, al recorrido de este. A manos del piano, estaría un gran profesor como es Joan Monné, Ignasi González con su contrabajo que dejo unos cuantos momentos muy buenos y el batería Esteve Pi. Uno de los mejores baterías que hay en el momento, dando esta noche una gran lección, con unos solos y acompañamientos que provocaría en más de un momento la admiración del publico ante el ritmo de Esteve. Sobretodo la imagen del sonido de Jesse Davis, alumno de Ellis Marsalis y considerado como el sucesor de Charlie Parker. El cual hace de sus conciertos, un gran viaje a los sonidos más brillantes de New Orleans.
Atrincherado en un refugio ubicado en la segunda guerra mundial, el soldado Thelonious Monk muestra su arma más temida y mortífera contra sus enemigos, la brillantez de su piano. Underground es un disco que cautiva desde que lo adquieres, con una portada muy brutal, muy sarcástica ¿que quería decir el propio Thelonious Monk a través de su imagen?. El significado de la portada se basa en los cambios que estaba sufriendo el mundo del Jazz. Poniendo a Thelonious Monk como un superviviente de la antigua época. Que resistía al invasor de los nuevos movimientos del Jazz. La portada fue creada por los diseñadores John Berg y Richard Mantel.Encargándose de la fotografía Steve Horn y Norman Griner. La cual recibiría el premio Grammy a la mejor portada de álbum en el 1969.
El disco fue grabado para el sello Columbia en 1967, al más puro estilo Bebop. Con una sintonía de 7 canciones orquestadas por el cuarteto que dirigía el propio pianista. En el que muestra una banda muy acoplada, y unas melodías sin ningún resalto, con intervenciones de el saxo tenor Charlie Rouse. Pero que al fin es un disco donde se muestra a un Monk dueño y señor. Del álbum destaco Easy street, Green chimney's, o la canción In walked Bud, tema cantado por Jon Hendricks. El cual Thelonious Monk se basa en la canción de Blue skies de Irving Berlin. Underground es un disco para escucharle tranquilo y relajado. Sus melodías son muy suaves a excepción del último tema que es donde meten un poco más de marcha al álbum. Con una gran presencia de Larry Gales al bajo.
The Electriflying es el segundo álbum que la reina del Soul Aretha Franklin grabó dentro de su carrera musical. Producido por John H. Hammond (Billie Holiday, Count Basie, Bob Dylan). En el que se descubre una artista con ganas de comerse el mundo a manos de su piano al compás de pases de Jazz. En el va demostrando, que la niña que cantaba gospel en la parroquia de su padre, se iba formando como una de las grandes voces del Soul a base de canciones compuestas por James Cleveland, Luther Dixon, o Joe McCarthy, entre otros...
El álbum fue grabado en la segunda mitad del 1961, para ser estrenado en el mes de enero de 1962, estando formado por 12 canciones en su versión original. De las cuales destaco Rock-a-bye your baby a with a Dixie melodie, Blue holiday, I surrender dear... Con una gran voz que te hará pasar las mil y una delicias en todos los pases del disco. Un timbre de voz muy personal, y una fuerza abrumadora. Aretha no es una cantante de Soul, Aretha es el Soul. Una gran dama que vive cada una de sus canciones, haciéndolas interprete de su propia vida. Una voz que contagia su brillantez desde el principio, y que no te soltara hasta que haya sonado la última estrofa. Sin duda este es otro gran disco a tener en cuenta.
Hablar de Lester Bowei es hablar de uno de los músicos que más llegaron a innovar dentro de la escena del Jazz. Dentro de su carrera musical esta la creación de uno de las bandas más enigmáticas del Jazz como es la Art esemble of Chicago. Y su truco consistía en unificar todos los estilos del Jazz, tocar un poco de cada época para luego unirla bajo una misma sombra, bajo una misma canción. De su carrera en solitario destaco este gran álbum, The great pretender en donde hace valer cada una de sus facetas, contagiándonos de grandes melodías. Que no dejan de ser una mueca más en un tiempo sin definir. En ellas están impregnadas de humor, donde se puede empezar con un corte muy clásico, hasta acabar en la misma canción con muchos golpes de Jazz free. En un principio esto puede ser muy arriesgado. Los seguidores más clásicos del Jazz no lo entenderían. Pero el jugaba con una faceta muy personal. Poniendo un sello de calidad en todo lo que escribía e inscribía.
Si en una entrada anterior hablaba de Paul Desmond junto a un gran amigo suyo David Brubeck. Hoy me fijare en su carrera en solitario bajo el brazo de un gran disco, como es el Desmond blue. Junto a su amigo el guitarrista Jim Hall, y provisto de una orquesta con instrumentos de cuerda como violines y un harpa. Re-escribe grandes canciones del Jazz, con una nueva mirada, con un nuevo tono haciéndose con ellas de una forma sutil y sin perder el hilo de clasicismo que siempre ha llevado en su saxo durante toda su carrera musical. Este disco es otra obra maestra donde se hace notable un perfecto dúo entre el propio Paul Desmond y el guitarrista Jim Hall. Dando pases de guitarra en la que se combina a la perfección con el saxo de Desmond, un saxofonista que llevaba el sonido de las baladas tatuado en el corazón. Este disco es un disco para escucharlo tranquilo, relajado, buscando la paz donde su música te reconfortara plenamente. Al mismo tiempo que sirve perfectamente para un buena velada romántica.
Desmond blue es una grabación de 12 canciones, con dos temas compuestos por el propio Paul Desmond y un pequeño recorrido por grandes clásicos del Jazz como The funny Valentine o Body & soul. Siendo este otro disco a tener en cuenta para los aficionados del Jazz, por sus suaves melodías cargadas de buenas vibraciones.
En 1962 el saxofonista Sonny Rollins se mete en un estudio para grabar este fabuloso The Bridge. Para ello cuenta con nuevos miembros dentro de su banda. Haciendo un cuarteto junto al guitarrista Jim Hall, Bob Cranshaw al bajo,y Ben Riley como batería. Sonny Rollins fue muy conocido por sus retiros temporales fuera de la música. Siendo este disco grabado después de su primer retiro para la casa discográfica RCA.
Sonny Rollins tiene una magia en su saxofón que pocos la pueden llegar a imitar. Para mi este The Bridge es uno de sus mejores discos. Un disco que marcaría una etapa musical dentro de su carrera musical. Ya que después se amoldaría a la nueva era del Jazz fusión.Para ello cuenta con un acompañamiento de lujo, siendo el guitarrista de Jazz clásico Jim Hall quien debate entre melodías, frente a la autoridad del saxo de Rollins. Un disco que esta amoldado a muchos pases de Blues, en el que ya va coqueteando con el Jazz fusión, a manos de un Sonny Rollins que llego hacer pasar apuros a más de algún músico. Por sus tonos desconcertantes, o por que siempre se tiraba para un giro musical muy improvisado. como si fueras corriendo por el campo con una tropa detrás pisándote los talones, y de repente frenaras en seco. Una de dos, o te llevan por delante, o están tan metidos en tu ritmo que te entienden a la perfección cada paso que vas a dar. En el tema Where are you podréis comprobar los cortes que hace en el saxo. Dando a demostrar la gran labor de los músicos que le acompañaban dentro de este magnifico disco. Otro disco a tener en cuenta por todos los aficionados del Jazz.
Una de las voces más prodigiosas que nos dejo el barrio neoyorquino de Harlem, fue la voz de la dama Carmen McRae. Claro testimonio de las mejores divas del Jazz, de la cual poco o nada he llegado a oír hablar de ella. McRae con un timbre muy personal, una voz muy deliciosa y dulce, al mismo tiempo que potente y desafiante a las notas más largas. En esta ocasión nos regala con su maravilloso timbre una colección de canciones que fueron compuestas por el celebre pianista Thelonious Monk, a lo largo de 18 canciones.
Amiga intima de Billie Holiday desde su juventud, Carmen McRae fue contagiada por las melodías del Jazz, declinándose a seguir su vida profesional, a la música. La carrera profesional de McRae empezaría en la década de los '40 junto a músicos de la talla de Oscar Pettiford, Dizzy Gillespie, Count Basie o Benny Carter, con el que obtuvo su primer gran éxito. Al mismo tiempo de cantante ella era pianista, dejando grabaciones junto a la banda del trompetista. Mercer Kennedy Ellington. Su unión duraría dos años ('46/'47) en los cuales dejaron grabados un total de 12 discos. Pero su verdadero éxito la llego a mediados de los años '50. En 1948 al casarse con el actor George Kirby decidió mudarse de New York a Chicago. Donde se pasaría practicando con el piano durante 4 años. A su regreso a New York, el sello discográfico Bethlehem la ofrece un contrato, con el que empieza a recoger sus grandes mieles del triunfo. Llegando a grabar una tanda de 27 álbumes hasta 1990. Siendo su último álbum, otro tributo a la voz de Sarah Vaughan.
Otra faceta que tuvo Carmen McRae fue la de actriz, interpretando cine y televisión en la década de los '80. Dejándonos un 10 de noviembre de 1994 a causa de una hemorragia cerebral.
Mingus AH Um es un disco tributo que el gran contrabajista Charles Mingus grabo en el 1959, homenajeando a los músicos que le hicieron amar a la música, teniéndola como un fiel devoto a los sonidos más clásicos del Jazz, al las nuevas tendencias del Jazz como el Bebop, o hacia el Blues. En el disco suenan compases de Duke Ellington, Jelly Roll Morton, o Charlie Parker, además de un sentido homenaje a el saxo Lester Young, el cual acababa de fallecer. Este disco no es un disco homenaje tal y como se puede comprender. Los discos homenajes están hechos a base de interpretar canciones de otros artistas. En Mingus AH Um recoge todas las técnicas de estos grandes maestros y las utiliza para crear canciones propias, siempre con la mirada detonante de los grandes maestros.
Goodbye pork pie hat es un tema que el propio Mingus escribió tras la muerte de el saxofonista Lester Young. Con el paso del tiempo, la canción se re-bautizaría bajo el nombre de Theme for Lester Young. 20 años despues la cantante Joni Mitchell la pondría letra dentro del álbum que realizarían los dos músicos juntos, en Mingus'79.
El álbum estaría compuesto en su primera edición de 9 canciones para el sello discográfico Columbia, bajo la producción de Teo Macero (Miles Davis, Duke Ellington, Stan Getz, Tony Bennett). El mismo tuvo una gran acogida, llegando a ser clasificado como uno de los 50 mejores álbumes según la biblioteca del congreso en Estados Unidos.
En su 50 aniversario, el disco ve una nueva edición con 3 grabaciones recuperadas de las sesiones. Ya que el disco sufrió unos cuantos recortes en lo que se refiere musicalmente. Debido al escaso presupuesto que tuvieron en el. Este es otro gran disco a tener en cuenta.
Otro de los discos más enigmáticos dentro de la carrera musical del trompetista Miles Davis es este 'Round about midnight, grabado en los estudios de el sello discográfico Columbia entre octubre de 1955 y junio y septiembre de 1956. Junto a Miles estaría una de las mejores formaciones que ha llegado a tener Miles para mi. En el saxo estaría John Coltrane, al piano Red Garland, al bajo Paul Chambers y como maestro de batería "Philly Joe" Jones. El resultado de las grabaciones sería este esplendido álbum que vería su salida al mercado en el 1957.
Nunca me cansare de mencionar la magia que desprendían el dúo Davis/Coltrane, dos músicos que sabían bien encontrarse en el punto exacto. Para Miles Davis, la canción 'Round about midnight sería un antes y un después dentro de su vida personal. La canción fue compuesta por Thelonius Monk en 1944, anticipándose mucho a las nuevas tendencias que llegarían una década después y con un resultado totalmente nefasto. Siendo muy criticado por un publico que aun estaban recogiendo las grandes mieles del sonido Swing. Viendo al Bebop como algo frio. En 1955 junto a una sesión de varios músicos en los que se encontraban Percy Heath y Connie Kay. Miles Davis toco por primera vez este gran tema, acababa de salir de la adición de las drogas. El propio publico o la prensa llegaron a decir que la forma de tocar de Miles era totalmente distinta, que había avanzado mucho después de superar sus adiciones. Pero a Miles no le llego a gustar mucho este tipo de cumplido, ya que el llego a manifestar que su técnica no había cambiado en ni un momento.
El disco llego a tener una gran acogida, tanto como el publico como para los críticos musicales. El cual lo llegaron a considerar como un paso entre los sonidos del Bebop y el Hard bop. Melódico al mismo tiempo que un tanto agresivo. Con unos momentos de ritmos desenfrenados aderezados por el gran pianista Red Garland. El cual aprendió la técnica de golpeo de uno de los más grandes maestros del Jazz e inventor de Hard bop, Horace Silver.
En el 2002 el disco será re-editado con cuatro bonus tracks, y un segundo disco en el que aparece el concierto que ofrecieron en el festival de Jazz del Pacífico en 1956. Si quereis adentraros en el mundo musical de Miles Davis, 'Round about midnight es uno de los discos que hay que tener.
El trompetista y compositor Louis Armstrong en 1955 lanza un álbum tributo en la memoria de su amigo Fats Waller. Aunque ellos dos estuvieron en muy pocas ocasiones tocando música. Solo llegando a realizar dos sesiones a mediados y finales de 1920. La magia que desprendía el mítico pianista, llego a conmover al propio Armstrong. Dejando una huella patente dentro de su carrera musical. Decidiendo rendirlo homenaje como tributo a una carrera musical, que se apago un invierno de 1943.
El disco original tiene unas 9 canciones, cantadas por el propio Armstrong y Velma Middleton. El cual sería editado en el 2000 por el sello discográfico Columbia/ Legacy con 11 canciones extra, de las cuales 4 son tomas alternativas.
Formación:
Louis Armstrong.- trompeta y voz.
Trummy Young.- trombón.
Barney Bigard.- clarinete.
Billy Kyle.- piano.
Arvell Shaw.- bajo.
Barrett Deems.- batería.
Velma Middleton.- voz
Tossed Salads and Scrambled Eggs es el tema principal de la serie de el Doctor Crane Frasier, en Frasier. La canción fue elegida por la particularidad que hay en sus letras y el tema de trabajo que llevaba el doctor Frasier dentro de el mundo de la radio. Siendo este un locutor analista. La canción esta interpretada por el actor que da vida al doctor Fraiser, Kelsey Grammer, la canción estaría compuesta por Bill Jennings.
The Dave Brubeck quartet es un grupo formado por el pianista Dave Brubeck y el saxofonista Paul Desmond. En el diccionario de Jazz de MANOM TROPO considera al cuarteto como una de las mayores bandas de todos los tiempos. Siendo esta admirada por las revistas de finales de los '50, como una de las bandas más innovadoras en esos tiempos, recogiendo todo tipo de halagos cuando editaron este maravilloso álbum. Un disco grabado en directo dentro de un tour universitario en 1954, llegando a recoger grabaciones en varias universidades.
Si en la anterior entrada hablaba de la canción compuesta por Billy Strayhorn, Take the "A" train, personalizada por el gran Duke Ellington en tono de Swing, esta vez nos volvemos a encontrarnos con ella pero a modo de bebop. En esta ocasión se suprimen las letras para dar varios compases por el pianista Brubeck, haciéndonos alguna delicia a manos del saxo alto Paul Desmod.
Producido por George Avakian (Benny Goodman, Louis Arsmtrong) el disco recoge 7 grabaciones con una banda formidable. Junto a Brubeck y Desmond estarían Bob Bates al contrabajo y Joe Dodge a la batería.
Cuando los sonidos del Jazz estaban a punto de girar hacia otro lado, muy diferente al Swing. Todavía había grandes maestros que demostrarían lo mucho que quedaba por decir. Para mi Duke Ellington fue el padre de la primera época del Jazz, el más grande sin diferencia posible. El recogió todos los elementos y creo las mejores melodías, a tenor capricho de poder encontrarse con unos músicos en boga. Músicos que estarían a punto de introducirse dentro de un estilo musical, que se llegaría a ramificar en muchas direcciones. Pero que en mucho de los casos de ellos, elegirían los caminos de las grandes Big band como carrera profesional dentro de la música. Ellington uptown fue grabado entre 1947 y 1952, en las ciudades de New York y Fresno (California). En una época en donde los críticos ya empezaban a percibir las horas más bajas del grandioso compositor. Pero en contra de todas esas quinielas, el propio pianista deja grabada otra obra maestra repartida en 5 canciones. Viendo en su edición del 2004, 8 bonus tracks, con canciones del disco Liberian suite '47.
El disco empieza con una fabulosa Skin deep, en ella se refleja a un soberbio batería Louis Bellson (siendo el quien firma esta maravillosa canción). Otro de los grandes músicos a estudiar si queréis meteros dentro de la técnica de las percusiones. El valía tanto para canciones muy swing, muy movidas muy rapidas, con un toque bailable muy alto. Con una destreza muy agresiva, pero que también daba cabida a canciones lentas y melódicas. Para mi Louis Bellson fue uno de los baterías con una personalidad muy definida, con un toque personal donde se hacía presente en muchas de sus grandes composiciones, tanto acompañando a músicos de la talla de Ella Fiztgerald, Benny Goodman, Count Basie, o con las bandas que el llego a liderar. Siendo al mismo tiempo compositor y director de orquesta. En el disco original saldría el como único batería que llego a grabarlo. En su edición del 2004, Bellson llega a grabar las primeras 7 pistas, mientras que en las restantes aparece Sonny Greer. Batería muy asociado a Duke Ellington en toda su carrera musical.
Muchas son las revisiones que se han llegado ha hacer sobre el tema mítico por Ellington Take the "A" train. Canción compuesta por Billy Strayhorn, siendo la canción como el tema estrella de la banda de Duke Ellington. El cual a llegado a ser grabado junto a Ella Fitzgerald o Betty Roché en esta ocasión. La letra de la canción es una invitación a subir a un tren que te llevara a los lugares más apasionantes de Harlem, siendo esta la canción cabecera de todos sus conciertos. Duke Ellington llego a decir que Betty Roché era una gran dama con una poderosa voz de Soul, la cual nunca llego a imitar a nadie. Su voz era muy personal, dulce y contagioso, que te atrapaba desde el primer momento. Betty Roché se unió a la Big Band de Duke Ellington, a principios de la década de los '40.
Duke Ellington fue un padre inspirador para muchos músicos. Siendo sus grandes orquestas, una gran lanzadera para gente joven con un gran talento. Muy pocos músicos que han llegado a triunfar dentro del Jazz de la primera época, no han pasado por alguna orquesta de Duke Elington. Hoy en día su música sigue presente en las nuevas Big Band.
Lioness es el mayor legado que nos ha podido dejar Amy Winehouse, tras su triste fallecimiento. Una gran voz que llevo a todos sus extremos el significado de gran diva del Jazz. Tanto musicalmente como personal. Su vida estuvo llena de improvisación siempre acompañada del filo de una navaja. Con la que jugaba constantemente durante toda su vida. Todavia recuerdo la primera vez que llegue a oir cantar a esta gran dama. Pero para mi triste recuerdo, era que alguien me decía lo que llegaba ha hacer en privado, rebajando su gran talento. Pero ella era mucho más que eso, ella era la pura esencia del Jazz. Que como he dicho antes, lo llevo tatuado en su corazón hasta que vio un final. El cual nos recuerda que todo lo que siembras acabara recogiéndolo. Ella recogió una fama muy repentina, que de alguna forma llego a matarla. Pero al mismo tiempo esa fama la dio múltiples posibilidades con las que más de alguna desafortunada voz, no ha llegado a recibir. El talento o se crea en uno mismo o es un don que muy pocos han llegado a concebir para demostrar que si pueden a ser grandes. Amy fue una de las más grandes, vivió rápido, aprovecho su juventud en todos los sentidos, y al final se fue con una figura intacta. La cara más dulce y mas oscura de una escena de Jazz, a la cual ella siempre la llevo como su propia vida.
Lioness es un disco recogido en varias etapas de su vida, con una canción grabada en el 2011, Will you still love me tomorrow. Con ella estaría de invitado en una canción el gran Tony Bennett, haciéndonos las delicias de un dúo espectacular en el tema Body and soul. O haciendo un guiño a los ritmos brasileños en la canción The girl from Ipanema. 12 canciones para pasar un velada inolvidable escuchando a una verdadera diva, la cual no esta entre nosotros., pero dejando su música imperecedera. Amy Winehouse ya es inmortal.
Al final del disco dejan sus palabras sin música, como forma de despedida. Que tristes son las despedidas... ¿verdad?
En el 2006 dos grandes pesos dentro del Jazz de nuestro tiempo. El guitarrista Pat Metheny, y el pianista Brad Mehldau. Se unieron para crear dos fabulosas obras. Ese mismo año con Metheny-Mehldau y en el 2007 con un cuarteto echo como banda. Con la que llegaron hacer una gira, a modo de dar presentación a sus creaciones. No es la primera vez que dos grandes músicos de la escena del Jazz se unen con visiones muy distintas hacia como dirigir su técnica. Pat Metheny es una recreación del Jazz fusión. Mientras que Brad Mehldau mama más del Post-bop, o del Jazz. Pero cuando dos músicos saben entenderse y respetarse, suelen salir maravillas como la que hoy os recomiendo.
El golpeo de los dedos del pianista Mehldau, evocando al más puro clasicismo del Jazz. Con la visión de el guitarrista Metheny a forma de fusionar estilos y sonidos diferente en cada una de sus composiciones, al mando de su guitarra. Hicieron deleitar una obra donde deja claro que aunque dos estilos o músicos no puedan llegarse a comprender. Si que pueden llegar a entenderse. Dejando grabado un último álbum entre ellos dos con 11 canciones, de las cuales subrayo Towards the light, Fear and trembling, o Santa Cruz slacker.
Formación:
Pat Metheny.- guitarras
Brad Mehldau.- piano
Larry Grenadier.- bajo
Jeff Ballard.- batería
Fernando Trueba y Javier Mariscal nos presentan una dramática-musical de animación cargada de amor, mentiras, traiciones, rodeados de mafiosos, y droga. Todo esto ambientado por el influyente sabor del Jazz latino y el Bebop. La película comienza cuenda un anciano limpiabotas de la ciudad de la Habana. Regresa a casa después de un día de trabajo. Escuchando la radio, con los éxitos del ayer empieza a recordar su pasado. Siendo uno de los mayores pianistas y arreglistas musicales. Una noche en una bar conoce a una bella cantante llamada Rita, de la cual se enamora locamente. Pero el destino hace que los dos jóvenes no se junten. Partiendo Rita para New York, atraída por una oferta de un Norteamericano. Chico vende sus posesiones y junto a un amigo suyo, parten con destino hacia la ciudad, apodada por la gran manzana. Para descubrir las mieles del éxito y así reencontrarse con su amada Rita.
Con una banda sonora compuesta por el pianista cubano Bebo Vadés, la película en lo que se refiere musicalmente es apasionante. En la cual hacen un pequeño guiño a músicos americanos retratando a Charlie Parker o a Dizzy Gillespie. Siendo esta retratada en ciudades como La Habana, New York o París. Donde los celos, las mentiras, y las trampas de algún magnate americano, harán que la pareja no encuentren un sitio para estar juntos.
La película recrea un verdadero homenaje al Jazz latino y sus músicos. Retratando la vida que tuvieron que llevar ellos, trasladándose a el país Norteamericano. Pasando muchas calamidades para poder sobrevivir dentro de la gran manzana. Donde por menos de un pero a uno le pegaban un tiro entre ceja y ceja. También trata del acto del odio racial. El cual critica y pone voz a unos músicos que por su condición negra o latina, no podían dormir en los hoteles en los que ellos tocaban. O entrar a ver a los músicos que ellos representaban. Una película que te asombrara desde el principio, hasta el final. Donde no todo tiene que ser tan triste...
Uno de los mayores baterías de la era Swing tenían nombre propio Buddy Rich. Técnico, rápido y con un toque muy agresivo, se convirtió en una de las mayores estrellas musicales. Codiciado por muchos directores de orquestas y maestro musical de muchos músicos venideros. ¿Que más se puede decir sobre este gran músico? Que daba igual que fuera una canción rápida y desenfrenada, que una suave balada. El tenía el sello propio, con el que marcaba sus grandes composiciones. Llevadas al publico tanto acompañando a grandes directores como Count Basie, o en tono de Bop a Charlie Parker. Mientras también asentaba a su propia Big band.
Con una banda de 17 músicos, el gran Buddy Rich se presenta ante su público Californiano, en el Chez club de Hollywood en 1966. El cual deja registradas una 17 canciones. Golpeando todos sus estilos musicales, con los que el se enriquece y enriqueció al mundo de la música Jazz. En las cuales ofreció citas musicales creadas por Horace Silver, Fred Fisher o Duke Ellington. Dando una muestra de su gran talento a la hora de recrearlas, siendo muy clásico. Pero con una mira siempre puesta hacia adelante.
En marzo de 1958, el saxofonista Cannonball Adderley se mete en el estudio para grabar su octavo álbum, y único que llego a realizar con la casa Blue Note. Como líder de su propia banda. Para su realización contaría con la ayuda de un buen amigo suyo, Miles Davis. El cual compone la canción que da titulo al disco Somethin' else. Junto a Adderley y Miles estaría el pianista Hank Jones, Sam Jones al bajo y Art Blakey a la batería. Teniendo a Alfred Lion (co-fundador de la Blue Note) como productor del disco.
El disco recoge 5 canciones, más un bonus track, que no vio la luz en su primera edición. En el cual recoge una grabación de 4 imprescindibles dentro del Jazz. Haciendo unos pases de solos esplendidos. Con un Miles Davis metido de lleno en la grabación, y y Cannonball totalmente pletórico. Junto a ellos dos esta uno de los baterías más buscados en las sesiones de estudio, Art Blakey, que junto a sus Jazz Messengers, sería uno de los artistas más revelantes dentro de la ciudad de New York. el maestro pianista hank Jones haciendo sus delicias en la canción One for daddy-O. Sin duda este es otro disco imprescindible para la colección de Jazz.
Otro de los guitarristas por los que siempre he tenido una gran empatia. A sido el guitarrista americano Jim Hall. Unos de los más grandes, y menos reconocidos en su trayectoria musical. Con una lista de 35 álbumes grabados como líder se su propia banda. Como músico de sesión o en directo, el a llegado a tocar con Ella Fitzgerald, John Lewis, y Bill Evans entre otros... Su estilo musical se basa en el Post-Bop, y el Jazz. Con una trayectoria de 55 años como músico profesional. Llegando a ser inducido en el salón de la fama del Jazz, en el 1997.
Para esta ocasión invita a un amigo suyo. El trompetista Tom Harrell, el cual pone una sutil melodía impregnando a las canciones de dinamismo, los cuales hacen un gran dúo en lo largo de las 10 temas que componen el disco. Siendo este un disco de Bop con todos su apelativos, con todos sus apelativos. Muy técnico, que en alguna ocasión lo deja algo frio, pero que en algún momento lo aromatizan con un toque latino a la percusión amenizado por Joey Baron. Del disco destaco Bimini, Cross court, o All too soon.
El próximo 26 de enero el saxofonista americano Jesse Davis, visitara la ciudad de Valladolid para ofrecer un concierto en la sala Borja a la 21 horas. Considerado como uno de los músicos más respetado en New Orleans. Jesse Davis es uno de los grandes talentos que ha tenido la última oleada del Jazz de New Orleans, habiendo sido alumno de Ellis Marsalis. Su música ha llegado a ser reconocida con uno de las más prestigiosos galardones como es el premio al músico mejor destacado por la revista Down Beat, en el 1989. Con una discografía de 9 álbumes liderando su propia banda, además de hacer múltiples colaboraciones con músicos de la talla de Jack McDuff.
La entradas se pueden recoger en el Teatro café Zorrilla por el precio de 15 euros en venta anticipada. En la misma sala se pueden recoger el mismo día por el precio de 18 euros.
Hoy me gustaría hablar de un pianista italiano Giorgio Gaslini. Uno de los músicos de Jazz más grandes de Italia. El cual denomina su música como "Music total", fusionando el Jazz avant-garde y el pop, con elementos de la música clásica italiana, como la ópera o el ballet. Giorgio nacio un 22 de octubre de 1929 en la ciudad de Milán. Con la temprana edad de trece años el empezaría a subirse a los escenarios dentro de un trío musical. A los 16 ya obtendría su primer galardón, el grabar su primer disco.Más tarde convertiría su grupo en un cuarteto, llamado por la música de Norteamérica el Down beat, sería uno de los músicos primerizos (no Americanos) el primer italiano en subirse a un escenario como invitado en New Orleans, para dar un recital en un festival. De allí se trajo a Italia grandes amistades, llegando a codearse con músicos de la talla de Don Cherry, Max Roach, o Anthony Braxton. También haría colaboraciones con el saxofonista argentino Gato Barbieri, o violinista frances Jean-Luc Ponty. Su forma de componer vería un gran giro al conocer a grandes talentos del Free Jazz como Sun Ra. Siendo este una gran fuente de inspiración para el músico italiano.
Giorgio Gaslini compondría música para películas, la cual ha llegado ha ejercer en más de 40 films, entre ellas la película de Michelangelo Antonioni, La notte de 1961. Además de operas y ballets, llegando a ser puestos en escena en teatros como La Scala de Milán, el teatro romano de Verona, entre los más prestigiosos teatros del país italiano.
Uno de los grandes saxofonistas, impulsores del Free Jazz fue el gran Ornette Coleman. Su forma de hacer improvisaciones dentro de unos esquemas donde el rompía todas las tablas establecidas. Hicieron que se metiese en un gran hueco dentro del gran mundo del Jazz. El dinamizo el bebop de una forma extenuante, creando grandes discos como este Change of the century, o el The shape of Jazz to come '59. Donde los críticos más puristas del Jazz, le considerarían un enemigo, acusándole de haber matado la esencia del Jazz.
Uno de los mayores virtuosos del saxo como Ornette Coleman, era muy poco dado a conocer entre los saxofonistas de la época. Todos mamaban del Blues como fuente de inspiración, al contrario de Coleman. Que se fue por otra vertiente rompiendo la raíz fundamental del Jazz. Creando una nueva forma de interpretarlo. En este Change of the century podemos encontrar a un músico muy inspirado, siendo este su cuarto disco en estudio. Dejando grabadas 7 canciones, dentro de un nuevo contexto del Jazz. Con el estarían Don Cherry a la trompeta, Charlie Handen al bajo y Billy Higgins como batería.
En 1980 tres maestros de la guitarra, se unen para hacer un sensacional concierto. Entre ellos estaría Charlie Byrd, un guitarrista americano, enfocado musicalmente en el Jazz latino, como la Bossa nova, Jazz brasileño. Aparte el Swing. Herb Hellis el cual estaba afincado en los sonidos del Bebop, west coast Jazz, y para completar el trío, el sensacional guitarrista Barney Kessel, guitarrista de Jazz. Ellos tres se juntaron en el Paul Masson Mountain Winery Saratoga, California en julio de 1980.
El directo es un pase de Jazz guitar, lleno de pases que harían a uno levantarse de la butaca y aplaudir a raudales. Con momento memorables. Entre ellos les uniría la pasión por grandes guitarristas de la época dorada del Swing como Django Reinhardt, por parte de Byrd, mientras Kessel y Ellis son alumnos de Charlie Christian, guitarrista de Swing de la primera época (antes de la 2ª guerra mundial) . El directo quedo grabado con 9 canciones, de las cuales destaco Broadway, o Body and soul. En el directo les acompañan Jimmie Smith a la batería y Joe Byrd al bajo. Un disco que si eres aficionado a la guitarra del Jazz no debe faltar en tu colección. También para los que querréis meteros de lleno en la guitarra de Jazz.
De la película de animación del director Tim Burton. Hay una canción por la que siempre tuve una gran empatia. Y que razón tiene. Para morir primero hay que fallecer. La canción fue compuesta por Danny Elfman, un famoso compositor para el cine, y habitual en las películas de Tim Burton, como Alicia en el país de las maravillas, o Charlie y la fabrica de chocolate.
